


Echoraum




Überblick
Programm September – Oktober 2026


September 2026


Do, 10. September 2026 · 19:00 Uhr: Vernissage Susanna Gartmayer: SPEICHER
Susanna Gartmayer solo · rescale ensemble: Christine Gnigler (Stimme, Blockflöte) / Thomas Grimm (Altsaxophon) / Susanna Gartmayer (Bassklarinette) / Markus W. Schneider (E-Gitarre) / Johannes Wakolbinger (Komposition) · Vernissage Susanna Gartmayer: SPEICHER

Di, 15. September 2026 · 20:00 Uhr: Collins & Ulher · Carrasco & Vergara
Nicolas Collins (!Trompete) & Birgit Ulher (Trompete!) · Edén Carrasco (Altsaxophon) & Benjamin Vergara (Trompete)

Sa, 19. September 2026 · 20:00Uhr: Anaïs Tuerlinckx · Warelis / Stoffner / Fischerlehrer
Anaïs Tuerlinckx solo (Innenklavier) · Marta Warelis (Klavier) / Florian Stoffner (E-Gitarre) / Rudi Fischerlehner (Perkussion, Schlagzeug)

Di, 22. September 2026 · 19:00 Uhr: velak-gala #146
mit La Cuerda y el Grito (Yuko Cornale & Sofía Escamilla) · ErikM solo · Sajjra Xhrs Galarreta

Fr, 25. September 2026 · 20:00 Uhr: Kaplan & Valencia · Hübsch aber verstrahlt
María Valencia (Altsaxophon, Klarinette) & Leonel Kaplan (Kornett, Trompete) · Silke Strahl (Saxophon, Stimme) & Carl Ludwig Hübsch (Tuba, Stimme)

Di, 29. September 2026 · 20:00 Uhr: Into the wide
Thomas Berghammer (Trompete) / Gunter Schneider (Gitarre) / Gerhard Laber (Perkussion)




Oktober 2026

Mi, 7. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Nachhall #18: Every Song Ever III
Paul Wallfisch (Tasten, Stimme, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren, Lap Steel, Elektronik) / Emily Stewart (Stimme, Violine)

Sa, 10. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Mivos Quartet: Morton Feldman – Piano and String Quartet (1985)
Olivia De Prato (Violine) / William Overcash (Violine) / Victor Lowrie Tafoya (Viola) / Nathan Watts (Cello) / Vicky Chow (Klavier)

Mi, 14. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: snim: dauerpräsent. sendebereit. reichweite erschöpft.
Gloria Damijan (Klavier, Toy Piano) / Reni Weichselbaum (Blockflöten) / Bernhard Schöberl (Gitarren) / Michael Zacherl (Scivolo) / Judith Unterpertinger (Komposition)

Fr, 16. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Voutchkova / Kravanja / Canna: SOLO, DUO, TRIO
Biliana Voutchkova (Geige, Stimme) / Ana Kravanja (Geige, Stimme) / Thomas Canna (Perkussion)

Di, 20. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Schallfeld Ensemble: Text im Klang #7
Zinajda Kodrič (Flöte) · Arnold Plankensteiner (Klarinette) · Patrick Skrilecz (Klavier) · Lorenzo Derinni (Violine) · Myriam García Fidalgo (Cello) · Klaus Kastberger (Einführung zum Schaffen von Friederike Mayröcker)

Fr, 23. Oktober 2026 · 18:00 Uhr: Der Betrieb × echoraum #3
18:00 Uhr: Soundwalk mit Tim Shaw (Treffpunkt: Der Betrieb, Vogelweideplatz 13, 1150 Wien) · 20:00 Uhr: Tim Shaw (DIY Elektronik, gefundene Objekte) · Magdalena Forster (Performance)

Di, 27. Oktober 2026 · 19:00 Uhr: Millà · Gordoa · Malfon Trio
Jordina Millà (Klavier) / Emilio Gordoa (Vibraphon, Perkussion) / Don Malfon (Saxophon) · Finissage Susanna Gartmayer: SPEICHER

Fr, 30. Oktober 2026 · 18:00 Uhr: noche de Werner
mit Franz Hautzinger (Trompete) & Achim Tang (Kontrabass) · deepseafish-k: Katharina Klement / Manon Liu Winter / Juun (HorizontalSaitenInstrumente)




Detail
Programm September – Oktober 2026

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Do, 10. September 2026 · 19:00 Uhr: Vernissage Susanna Gartmayer: SPEICHER
Susanna Gartmayer solo · rescale ensemble: Christine Gnigler (Stimme, Blockflöte) / Thomas Grimm (Altsaxophon) / Susanna Gartmayer (Bassklarinette) / Markus W. Schneider (E-Gitarre) / Johannes Wakolbinger (Komposition) 


Susanna Gartmayer versteigert ihr Kunstarchiv und präsentiert ihre neueste Arbeit.

10. September 2026 bis 27. Oktober 2026
Susanna Gartmayer: SPEICHER
Ausstellung & Auktion
Kunstarchiv 1983-2027
Pay as you Wish Versteigerung 10. September – 27. Oktober 2026

10. September 2026 Uraufführung
Susanna Gartmayer – SPEICHER
12 Stücke für Bass und Kontraaltklarinette
Livekonzert
Präsentation Partituren & Plattencover & Hörstation Testpressung
CD erscheint im Dezember 2026 auf relative pitch (NY) und die LP 2027.

Susanna Gartmayer studierte Malerei und Druckgrafik und arbeitet seit Anfang der 2000er Jahre als Bassklarinettistin und Komponistin in diversen Feldern der Experimentalmusik. Sie ist Mitglied wie auch Gründerin zahlreicher Ensembles für improvisierte und organisierte Musik. Ihr besonderes Interesse gilt den vielstimmigen Klangmöglichkeiten der tiefen Klarinetten, offenen Kompositionsformen, multiideomatischer Improvisation sowie Theorie und Praxis gemeinschaftlicher Arbeitsprozesse. Seit 2015 organisiert sie im Kollektiv die Monday Improvisers Session, ein wöchentlicher Treffpunkt für Improvisator*innen aus Wien und aller Welt.
Aktuelle Projekte (Auswahl): MONSTER (McPhee/Gartmayer/Edwards/Portugal), So Sner (Schneider/Gartmayer), Anthropods, Aljamosuthovi, broken.heart.collector, Kurzmann/Gartmayer, The Vegetable Orchestra, GleichBehandlungsKommission (Gartmayer/Berghammer/Kern), Kaleidoscope, The Klingt Collective, Lupe, … Auftritte bei Konfrontationen Nickelsdorf, Museum of Modern Art Indianapolis, Unlimited Wels, Avant Art Festival Wroclav, Festiwal Musikofilia Torun, Kaleidophon Ulrichsberg, Huddersfield Festival, Hongkong City Hall, Meakusma, Musikprotokoll, Wien Modern, Jazzfestival Saalfelden u.v.a.


rescale ensemble: the art of never quite arriving
Christine Gnigler (Stimme, Blockflöte) / Thomas Grimm (Altsaxophon) / Susanna Gartmayer (Bassklarinette) /
Markus W. Schneider (E-Gitarre) / Johannes Wakolbinger (Komposition)

Zwischen algorithmischer Strenge und atmender Intuition sind Noten immer nur ein Ausgangspunkt.
Strukturen verändern sich mit jedem Blick. Formen wachsen ins Detail und kehren als Landschaft zurück. Aus
System wird Bewegung, aus Präzision wird Poesie. Ein Muster, das sich entzieht. Schönheit ohne Mittelpunkt.
Die Kunst, immer wieder neu zu skalieren.

https://www.christinegnigler.com/
https://www.instagram.com/ahmostgimmr/
https://gartmayer.klingt.org/
https://www.markuswschneider.com/
https://introvertutopia.net/

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Di, 15. September 2026 · 20:00 Uhr: Collins & Ulher · Carrasco & Vergara
Nicolas Collins (!Trompete) & Birgit Ulher (Trompete!) · Edén Carrasco (Altsaxophon) & Benjamin Vergara (Trompete)

Collins & Ulher: !Trumpet + Trumpet!

Two trumpets, two very diferent approaches: one electronic, the other acoustic. While Collins works with a computer program and cobbled hardware, Ulher uses metal sheets, radios, milk frothers and other everyday objects. The diametrically opposed sound production leads to oddly similar sonic results. Concerts in Berlin, at blurred edges festival in Hamburg, Ensemblia Festival in Mönchengladbach, Alternativa Festival in Prague, Lampo in Chicago, Planetario de Bogota, Universidad de los Andes in Bogota and Museo Arte Moderno in Medellín. Their first release Spark Gap was just released on Relative Pitch Records.
https://relativepitchrecords.bandcamp.com/album/spark-gap

Nicolas Collins
New York born and raised, Nicolas Collins spent years in Europe, where he was Artistic Director of STEIM (Amsterdam), and a DAAD composer-in-residence in Berlin. He is a Professor in the Department of Sound at the School of the Art Institute of Chicago and a Research Fellow at the Orpheus Institute (Ghent). An early adopter of microcomputers for live performance, Collins also makes use of homemade electronic circuitry and conventional acoustic instruments. His book, Handmade Electronic Music – The Art of Hardware Hacking (Routledge), now in its third edition, has infuenced emerging electronic music worldwide. www.nicolascollins.com


Birgit Ulher
Birgit Ulher lives as a freelance musician, sound artist and composer in Hamburg. After her studies in the field of visual arts, she developed her own playing techniques and preparations with trumpet, radio, loudspeakers and objects. Apart from this material research, her special interest lays in the relationship between silence and sound. Her work includes acoustic and electroacoustic projects, solo performances, concert and sound installations, videos, concept pieces and concerts in the field of improvised / experimental music. She has received numerous grants and travels internationally with her concert activities.
www.birgit-ulher.de

Carrasco & Vergara: Album Release Tour Secuelas

This duo is the result of a collaboration between the chilean musicians Benjamín Vergara and Edén Carrasco, spanning more than 20 years. This partnership is reflected in practices in the context of experimental music, noise, minimalism, free jazz, site specific performance. The music of this project explores the limits of the timbres of these two acoustic air instruments, trumpet & sax, building zones with melodic lines camouflaged by textures, a noisy touch of dron blues, and a submarine version of cool jazz. This 2026 the duo released a cassette álbum called -secuelas- by the italian label Tsss Tapes, that they will be playing in some cities of europe that includes Cafe Oto (London), Echoraum (Viena), Sowieso (Berlin), Richten 25 (Berlin), Cap 30 (Copenhague), Hörbar (Hamburg).

https://tssstapes.bandcamp.com/album/secuelas
https://www.youtube.com/watch?v=oBiVB-SIgs0

Edén Carrasco
Chilean musician that plays free improvised music and has played in many different bands such as Ensamble Majamama, La Kut, Cariñito 3, Martin Joseph Pacific Ensemble, Akinetón Retard, Cuarteto de Saxofones de Miguel Villafruela, Ensamble Nuevo of Goethe Institut, and many other spontaneous and ad hoc combinations for improvised music. He has been part of casual meetings of improvised music and/or recorded and published albums with musicians Tetuzi Akiyama, Angélica Castelló, Klaus Filip, Ly Thanh Tien, Jason Kahn, Leonel Kaplan, Christof Kurzmann, Andy Moor, Norbert Möslang, Günter Müller, Tatsuya Nakatani, David Stakenäs, Burkhard Stangl, Sabu Toyozumi, Taku Unami, Birgit Ulher, Dafne Vicente-Sandoval, Ute Völker and Manfred Werder. He has played in many stages in Argentina, Belgium, Bolivia, Brasil, China, Colombia, Germany, France, Holland, Japan, Spain, Uruguay and Venezuela. At the same time, is involved in the tradition of gaita colombiana, and has a project called Mákina Kandela.
https://soundcloud.com/eden-carrasco

Benjamín Vergara
Chilean trumpet player, improviser and educator, based in the city of Valdivia, Chile.His work focuses on improvised music, written contemporary music, free jazz and experimental music. Director of the Festival of experimental music –Relincha- occurring since 2014 in the city of Valdivia. Professor in music improvisation at School of Music and SoundArt of the Universidad Austral de Chile. He has collaborated with a huge range of musicians like Fred Frith, Felipe Araya, Ben Bennett, Keefe Jackson, Jim Baker, Edén Carrasco, Amanda Irarrázabal, ensembles and multi disciplinary projects.
His music is available in labels like Inexhaustible Editions, 577 records, Relative Pitch, Tour de Bras.
https://www.benjaminvergara.com/
https://benjaminvergara.bandcamp.com


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Sa, 19. September 2026 · 20:00Uhr: Anaïs Tuerlinckx · Warelis / Stoffner / Fischerlehrer
Anaïs Tuerlinckx solo (Innenklavier) · Marta Warelis (Klavier) / Florian Stoffner (E-Gitarre) / Rudi Fischerlehner (Perkussion, Schlagzeug)

Anaïs Tuerlinckx solo: Inside Piano
Die aus Brüssel stammende Pianistin Anaïs Tuerlinckx zog 2008 nach Berlin und ist seitdem Teil der lebendigen und vielseitigen berlinischen Musikszene, die sich der Improvisation widmet. In Ihrer Arbeit erforscht Anaïs Tuerlinckx das Innenklavier. Ihre musikalischen Wurzeln hat Anaïs Tuerlinckx in der freien Improvisation und lässt sich von der Ästhetik der zeitgenössischen Musik, des Free Jazz, des Noise und der elektroakustischen Musik inspirieren. Sie neigt zu einer eher körperlichen und ausladenden Spielweise, ihre Auftritte zeichnen sich durch Noise und harsche Sounds aus, suchen aber auch die eher elegisch-luftigen und weiten Räume.

Das Klavier öffnet sich zu einem echoischen Raum. Metallische Schwingungen stoßen aufeinander, singen, flüstern und brüllen. Die Materialien offenbaren sich in ihrer ganzen Rohheit und ihrer ganzen herben Schönheit. Silber- und Kupferlichter spiegeln sich auf der dunklen Oberfläche, erwachen zum Leben und enthüllen ihre geheime Resonanz. Eine Reise durch eine Schwarz-Weiß-Welt zeichnet sich ab – durch einen intimen Tanz in unmittelbarer körperlicher Nähe zum Instrument.
https://www.anaistuerlinckx.com/


WARELIS / STOFFNER / FISCHERLEHNER

[D]
Ein spannendes frei improvisierendes Trio, das drei aktive Musiker:innen aus der europäischen Jazz- und Improv-Szene vereint: die Pianistin Marta Warelis ist bekannt für ihr Solospiel und Zusammenarbeiten mit Musikern wie Wilbert de Joode, Ab Baars, Dave Douglas und Kaja Draksler. Gitarrist Florian Stoffner lebt in Zürich und arbeitet u.a. mit Paul Lovens, Rudi Mahall, Chris Corsano und John Butcher. Rudi Fischerlehner veröffentlichte zwei Schlagzeug-Solo-Alben und ist mit Bands wie Xenofox, Der Dritte Stand und dem Julie Sassoon Quartet assoziiert. Die Band hatte ihre Premiere auf dem Spontaneous Music Festival 2023 in Poznan, ein Mitschnitt dieses Auftritts ist als Live-Album erschienen.

[EN]
An exciting free improvising trio uniting three active members from the European jazz- and improv scene: Pianist Marta Warelis is known for her solo work and collaborations with musicians such as Wilbert de Joode, Ab Baars, Dave Douglas, and Kaja Draksler. Guitarist Florian Stoffner lives in Zürich and works with Paul Lovens, Rudi Mahall, Chris Corsano, and John Butcher, among others. Rudi Fischerlehner has released two solo drum albums and is associated with bands such as Xenofox, Der Dritte Stand, and the Julie Sassoon Quartet.
The band made its debut at the 2023 Spontaneous Music Festival in Poznan; a recording of that performance has been released as a live album.

 
„Many had their appetites sharpened for this set in particular, and it seems that all our expectations were met…“
Spontaneous Music Tribune

„It’s mind-blowing! The trio’s magnificent fury sublimates the high level of each of the three improvisers, propelling them into a state of trance rarely achieved. An extreme quality of collective invention that goes far beyond and above individual musicianship. A must-see!“
Orynx – Improv and Sounds

„Ein feinsinnig intellektuelles Dreiergespann, das durchaus Mut zur Sprödheit beweist.“
FreiStil

„Mit allseits perkussiven, spritzigen, plonkenden Kürzeln und trappelig huschenden Pfoten, klimprig und rasselig, kratzig und rappelig, agil verdichtet.“
Bad Alchemy

https://spontaneousliveseries.bandcamp.com/album/spontaneous-live-series-014
https://youtu.be/tys9_1C4qUI?si=iDXGu1TUD1a83UZM

https://www.martawarelis.com/
https://fstoffner.wixsite.com/flostoffner
https://www.rudifischerlehner.net


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Di, 22. September 2026 · 19:00 Uhr: velak-gala #146
mit La Cuerda y el Grito (Yuko Cornale & Sofía Escamilla) · ErikM solo · Sajjra Xhrs Galarreta

La Cuerda y el Grito

La Cuerda y el Grito, translated as “The String and the Scream”, is a multidisciplinary performance that blends contemporary music, free improvisation, body, and object. Yuko Cornale and Sofía Escamilla work from a place of depth and in the quest for the intangible – each from a different language: one using the voice as a portal, the other through cello as an extension of the body. This duo is born from attentive listening and the willingness to inhabit the moment. While Yuko’s voice folds, distorts, and channels the intangible, Sofía’s cello expands through digital processing and sound objects.

A seismic encounter between two explorers of the deep who come together in a dialogue of sounds and emotions. Voice and cello merge and warp creating an intimate ritual where air becomes string, and string becomes scream. Both artists were selected for the Ibermúsicas – Emilia Romagna call, with tours in Mexico and Italy alongside the trio HackOut!. In 2025-2026 they develop The String and the Scream.

https://youtu.be/pHerEUElENM?si=cnKiv1b45Gbi2_l0
https://youtu.be/uNkGsgRyEiA?si=33vL4tOX-augm


Yuko Cornale

Performer, improviser, composer, and producer born in Bolivia and of Italian nationality. Based in Mexico City for over ten years, her work focuses on vocal exploration and the use of extended techniques. Active in the experimental scene, she performs in free improvisation concerts and collaborates with contemporary music ensembles. She teaches private voice lessons and leads the Vox Anima workshop, which encourages vocal exploration and somatic knowledge of the voice.

She currently leads two main projects: Craniata, an immersive performance combining digital art, visual arts, electronic music, body, and voice; and Ensamble Voraz, a group dedicated to free improvisation with influences of black metal, doom, and noise rock. Her practice is driven by the exploration of the depths, channeling the intangible.
Sofía Escamilla

Cellist, composer, and sound artist Mexican who moves between contemporary academic music, free improvisation, performance, and electroacoustic music. Her approach to the instrument begins with the exploration of extended techniques with real-time digital processing, layering voice and other sound objects. Her work also spans multidisciplinary collaborations in poetry, dance, theater, and film. Notable collaborations include the Mexico City Philharmonic Orchestra 2023 as a composer selected for the Orchestral Techniques Workshop, and with the UNAM Choreographic Workshop 2025 as a live cellist. She is currently a member and founder of the free jazz trio Segaki, a member of Kóryma orchestra led by jazz pianist Ana Ruíz, and cellist in trumpeter and jazz artist Jacob Wick’s ensemble, with whom they recorded an album in 2025.


ErikM

Disappearing Words takes as its starting point the list of terms banned by the Trump administration — science-based, transgender, diversity, climate change… Entrusted to an AI-generated artificial voice, these words appear as a fragile memory, already under threat of erasure. Integrated into the Idiosyncrasie device, built from real-time sound streams and reconfigured raw materials, they enter a process of continuous transformation. Little by little, the voice blurs, dissolves, merges with the streams, and drifts toward entropy: a state where meaning fades, where sonic matter decomposes into an unstable and unpredictable field. Between memory and disappearance, Disappearing Words sets political language and its
manipulation against the fragility of any sonic trace, questioning the ways in which words can be erased, diverted, or rendered inaudible.

eRIkm (Aka Erik M) is a French musician, composer and visual artist. Since his first experience in the plastic and visual arts, ErikM takes the risk to escape any attempt of hasty categorization. Very quickly considered as a virtuoso of electronic devices and sound arts (1994), he crosses the worlds-systems called „independent“, „institutional“ and territories (France – International). He develops an openly prospective approach of the technological medium. He conceives acousmatic works or composes mixed music for instrumental ensembles (Ensemble Inter contemporain, Phoenix Basel, Les Percussions de Strasbourg, Dedalus…). He has collaborated with Luc Ferrari, Jean-Luc Nancy, Christian Marclay, Thurston Moore, Bernard Stiegler, Mathilde Monnier, FM Einheit, Will Oldham … and creates transversal works that constitute a singular kaleidoscopic vision and put in tension the intimate and the political, the popular and the learned.

www.erikm.com
https://www.youtube.com/watch?v=lpW4fn8oP98


Sajjra Xhrs Galarreta

Psychoacoustic live session with Andean-Amazonian ceramic whistle
Premiered at DATA (Marseille) under the new moon of November 21 of 2025.

A physical sound experience based on deep breathing, silence, resonances, and tonal imprecision in the mid-frequency range, performed with an Andean clay ocarina. The playing style is influenced by the “cracked,” dissonant, intense, and energetic sound characteristic of rituals with Andean wind instruments. Otoacoustic situationism and rural futurism.

https://chrsgalarretaprojects.bandcamp.com/


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Fr, 25. September 2026 · 20:00 Uhr: Kaplan & Valencia · Hübsch aber verstrahlt
María Valencia (Altsaxophon, Klarinette) & Leonel Kaplan (Kornett, Trompete) · Silke Strahl (Saxophon, Stimme) & Carl Ludwig Hübsch (Tuba, Stimme)

Kaplan-Valencia dúo brings together two distinctive voices from the international free improvisation scene: María Valencia (alto saxophone and clarinet) and Leonel Kaplan (cornet, trumpet). Drawing on decades of combined experience across Latin America, Europe, and the United States, the duo creates a live performance rooted in spontaneous interaction, extended techniques, and a shared sensitivity to texture, breath, and silence. Their music moves between fragile, translucent sound surfaces and moments of dense intensity, exploring the acoustic possibilities of their wind instruments in dialogue. Rather than following a fixed score, the performance unfolds in real time, allowing the space and the moment to shape the result. This echoraum performance is the official presentation of the duo’s new release „Translúcidas Criaturas Pulsantes“ (Relative Pitch Record), offering an opportunity to experience this collaboration live.

María Valencia
Colombian saxophonist, clarinetist, improviser, and composer, born in Bogotá. She holds a degree in Music from Javeriana University and a Master’s in Fine Arts and Electronic Arts from the University of Los Andes (Bogotá). She has performed across Colombia, Europe, Latin America, and the United States, and her work has been released on labels including Relative Pitch Records (US), Sonic Transmissions (NO), Música Corriente (CO), and Dur et Doux (FR). She is a member of Meridian Brothers, one of Colombia’s most acclaimed and internationally renowned bands, and alongside her solo projects she also plays in Hurakán Orkan, Tarabita Espiral, MULA, Trío Lesión, and Tortuga Alada. She is also a professor at Universidad del Rosario, Bogotá. https://mariavalencia.bandcamp.com/

Leonel Kaplan
A must-hear, one-of-a-kind trumpeter. Born in Buenos Aires (1973) and now based in Belgrade, Leonel Kaplan has been a singular voice in the international free improvisation scene since the early 2000s, focused on extended techniques and the purest matters of sound. He is widely regarded as one of the most internationally projected Argentine improvisers, and has toured and recorded worldwide alongside John Butcher, Christof Kurzmann, Axel Dörner, Michel Doneda, Klaus Filip, Birgit Ulher, Tetuzi Akiyama, and Nate Wooley, among many others. Beyond performing, he has composed for dance, theatre, and light installations. His music has been released on labels such as Relative Pitch (US), ESP-Disk‘ (US), Another Timbre (UK), Dromos, and Creative Sources. Critics have praised him as a dexterous and measured player, as comfortable with silence as with sound, whose mesmerizing approach pushes the trumpet far beyond its jazz traditions and places him at the forefront of the instrument’s contemporary language. https://leonelkaplan.com/



HÜBSCH ABER VERSTRAHLT

Silke Strahl und Carl Ludwig Hübsch begeben sich mit Saxophon, Tuba und Stimme in die Wildnis der unerhörten
Töne. Vor den Augen des Publikums entsteht Zartes, Raues, Filigranes und Brutales im Brennpunkt der Echtzeit.
Vertiefung, Überraschung und einfach gute Musik schöpfen aus einem unbegrenzbarem Klangspektrum.
Strahl und Hübsch verfeinern täglich ihr Werkzeug und ihre Klang-Paletten. Daher ist ihr Spiel ist ebenso persönlich wie
grundlegend offen für all das, was da kommt und geht.

Geboren 1988 in Bad Saulgau, genoss Silke Strahl im Alter von 9 Jahren ihren ersten Musikunterricht. Das Studium der elementaren Musikpädagogik an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Stuttgart begann sie 2008. Ab 2010 studierte sie zusätzlich klassisches Saxophon bei Nikola Lutz. Ein Erasmus Aufenthalt führte sie nach Luzern, wo sie den Instrumental-Bachelor und das Masterstudium “Interpretation of contemporary music“ bei Sascha Armbruster und Beat Hofstetter abschloss. Silke ist in verschiedenen Ensembles tätig mit denen sie u.a. zeitgenössische Werke uraufführt oder interdisziplinäre Projekte verwirklicht. Ein weiterer Schwerpunkt ihrer Arbeit ist die freie Improvisation. Hier steht sie unter
anderem mit Hans-Peter Pfammatter, Christian Weber, Kevin Sommer, Raphael Loher, Tizia Zimmermann oder Lucas Niggli auf der Bühne. Ausserdem ist sie als Aushilfe und Zuzügerin in verschiedenen Orchestern und Ensembles, wie dem Sinfonieorchester Basel, zu hören. Sie gewann 2019 mit ihrem Duo Klexs den zweiten Preis des renommierten
Wettbewerb Concours Nicati und 2016 den Edwin-Fischer- Anerkennungspreis, sowie den Soundzz.z.zzz…z- Wettbewerb des Lucerne Festivals. Ausserdem engagiert sie sich aktiv für die Luzerner Kulturszene, im Forum Neue Musik Luzern und dem Mullbau Luzern. https://www.silkestrahl.com/

Carl Ludwig Hübsch komponiert für kleine und grosse Besetzungen intuitiver oder Neuer Musik und ist als Tubist ein im In- und Ausland gefragter Improvisierer oder Interpret. Er studierte Komposition meist autodidaktisch, jedoch auch z.B. als Gaststudent in der Kompositionsklasse von Johannes Fritsch in Köln. Hübsch komponiert für verschiedene Ensembles wie z.B. das Multiple Joy[ce] Orchestra in Köln, seine eigenen Gruppen oder für Kompositionsaufträge. Sein kompositorisches Schaffen stellt den Interpreten als kreative Instanz im Umgang mit vorab komponierter Musik in den Mittelpunkt. Seit 1989 tritt Carl Ludwig Hübsch regelmäßig mit herausragenden bekannten und unbekannten Meistern seines Metiers zusammen auf. Hübsch hat drei Bücher mit Interviews mit Improvisierenden Musiker*innen veröffentlicht und veranstaltet die „Plattform Nicht Dokumentierbarer Ereignisse“ in Köln. https://huebsch.me/

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Di, 29. September 2026 · 20:00 Uhr: Into the wide
Thomas Berghammer (Trompete) / Gunter Schneider (Gitarre) / Gerhard Laber (Perkussion)


Into The Wide

Viele kennen das berühmte Interview mit Yngwie Malmsteen auf youtube, als er meinte.. and he said, you know, less is more, and I said, how can less be more? More is more! Es ist beim Spielen und schon gar beim (freien) Improvisieren schnell zu viel. Und daran arbeiten wir, wenn wir es ernst meinen. Viel spielen kann jeder, aber wenig? Wie ein Kollege sagte: Spiele dann, wenn sonst etwas fehlen würde! Und das ist keine Absage an die Virtuosität.
Die Virtuosität äußert sich nicht nur im Schnellen und Vielen, im Raffinierten und Geistreichen, sondern darin, im richtigen Moment das Richtige zu tun – ein Geräusch, einen Ton, einen Klang, einen sound, oder nichts? Unsere Virtuosität ist die Achtsamkeit, die Bezugnahme und die Sorgfalt. In den Klängen und zwischen ihnen passiert ungeheuer viel, zuviel? zuwenig?

Gunter Schneider, Gitarren, *1954 in Bludenz
Als Gitarrist hat er sich im weiten Feld der Neuen Musik als Interpret und als Improvisator einen Namen gemacht. Als Solist spielte er mit verschiedenen Orchestern (u.a. RSO Wien, Orchester des BR und des WDR, Ensemble Modern Frankfurt, dem Klangforum Wien) daneben eigene und kollektive Projekte mit Radu Malfatti, Barre Phillips, Burkhard Stangl, Angélica Castelló, Kai Fagaschinski, Franz Hautzinger, Wolfgang Mitterer, Klaus Dickbauer, Phil Jeck und Christian Wolff, sowie vor allem zusammen mit seiner Ehefrau Barbara Romen. Als Komponist hat er neben Stücken für Gitarre (UE, Doblinger und Helbling) Chor-, Kammer- und Orchestermusik geschrieben, Aufführungen u.a. beim Musikprotokoll des Steirischen Herbstes, bei Wien Modern, Osterfestival Innsbruck, ORF Wien und Innsbruck, Klangspuren Schwaz, Tzlil Meudcan Festival Tel Aviv, Expo Shanghai 2010.
Seit 2015 bauen Barbara Romen und er auf Einladung und im Auftrag von MusikKultur St.Johann (Hans Oberlechner) in der Alten Gerberei ebendort ein Improvisationsorchester auf – free music st johann – bestehend aus professionellen Musikern und Amateuren. Das zurzeit 8köpfige Ensemble arbeitet grundsätzlich frei improvisierend ohne Leitung, setzt auf die Eigenverantwortung und Achtsamkeit aller Mitglieder und ist stets auf der Suche nach neuen Klängen und ihren Kombinationen.



Thomas K. Berghammer, Trompete, *1965 Ried/OÖ
In Wien lebender Trompeter und Veranstalter (Monday Improvisers Session), bewegt sich in den Genres frei improviserte Musik, Zeitgenössischen Jazz und World Music.  Seit seinen Studienzeiten in Linz und Graz lotet er melodische Möglichkeiten verschiedener Pentatoniken und Symetrischer Skalen aus.Besonderes Augenmerk liegt auf der Erforschung innovativer, unkonventioneller Klänge sowie der harmonisch-klanglichen Gestaltung durch den Einsatz von Trompete und Gesang in Kombination (Soloprojekt „Frames of K“). Seine musikalisch umfangreichen Beschäftigungen führten ihn zu Kooperationen und Konzerte mit Mars Williams, Marco Eneidi, Joe McPhee, Roscoe Mitchell, Georg Gräwe, Oskar Aichinger, Joëlle Leandre, Wolfgang Mitterer, Wolfgang Reisinger, Alexander von Schlippenbach, Peter Herbert, Frank Gratkowski, Tobias Delius, Mamadou Diabate und Ensembles wie Orchester 33 1/3, Grubenklang Orchestra, u.v.a.m.  Aktuelle Ensembles als Co-Leader sind G.B.K. usw, Unity M. Duo Wang & Berghammer Seit 2015 ist er Co-Veranstalter der Musikreihe „Monday Improvisers Session“, welche 2005 unter anderem Namen von Marco Eneidi gegründet wurde. Diese allmontägliche Serie feiert im September ihr 20-jähriges Bestehen.

Gerhard Laber, perkussiver Klangkünstler, *1946 Salzburg
Als Perkussionist und Schlagzeuger aus der Jazzszene kommend entwickelt sich sein musikalischer Weg in Richtung experimenteller sowie konzeptbezogener Improvisationsmusik im Bereich der Klang- und Geräuschkunst. Die unkonventionelle Handhabung seiner Instrumente und Klangkörper erweitern tradierte Klangvorstellungen und lassen so neue musikalische Hörerlebnisse entstehen. Solokonzerte / projektbezogene Ensembles / Klangaktionen /  Klanginstallationen. u.a. mit Werner Raditschnig, Franz Koglmann, Bertl Mütter, Ewald Oberleitner, Peter Angerer…
Laber über Laber: Experimentieren und Suchen nach interessanten Klängen, Geräuschen und Spielformen sind ein Schwerpunkt meiner musikalischen Tätigkeit. Durch Präparation der Instrumente und die dadurch bedingte Spielweise sind neue ungewöhnliche Klangräume möglich.

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Mi, 7. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Nachhall #18: Every Song Ever III
Paul Wallfisch (Tasten, Stimme, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren, Lap Steel, Elektronik) / Emily Stewart (Stimme, Violine)


Paul Wallfisch – Tasten, Stimme, Elektronik
Martin Siewert – Gitarren, Lap Steel, Elektronik
Emily Stewart – Stimme, Violine

“The spectacle of an active mind processing a world in constant flux,” is how Hua Hsu, writing in The New Yorker, describes Ben Ratliff’s remarkable book Every Song Ever. Subtitled Twenty Ways to Listen in an Age of Musical Plenty, Ratliff’s book is divided into twenty chapters appended by playlists that confound and transcend traditional ways of of categorizing music. David O’Neill found “…the most galvanizing aspect of [Ratliff’s] project is that it leaves room for the DIY spirit to emerge…[Every Song Ever] reignites our sense of longing for connection…”

Collaborating with curator Alisa Beck and my co-conspirator, multi-instrumentalist Martin Siewert, we are indeed inspired to make Ratliff’s surprising and enlightening book come alive for you in four programs throughout 2026 as part of the Nachhall series at echoraum.

For Every Song Ever III, featuring internationally acclaimed violinist & vocalist Emily Stewart, we will perform selections from chapters 9-12 of the book.


Emily Stewart, in London geboren und in Costa Rica aufgewachsen, ist eine klassisch und im Jazz ausgebildete Geigerin und lebt seit 2002 in Wien, Österreich. Schon früh setzte sie sich mit Improvisation und diversen anderen Musikrichtungen auseinander, was sie zu einer sehr gefragten Künstlerin gemacht hat, vor allem in experimentellen und Crossover-Projekten und als Studiomusikerin. Mit Soap&Skin, Violetta Parisini, dem schwedischen Jazz Pianisten Jan Lundgren, u.a. ist sie bereits auf mehreren Festivals und Spielstätten Europaweit aufgetreten. Als Theatermusikerin kooperiert sie seit 2016 mit der amerikanischen Performance Gruppe Saint Genet, war von der Spielzeit 2017/2018 bis zur Spielzeit 2020/2021 in verschiedenen Produktionen am Wiener Burgtheater als Bühnenmusikerin engagiert, und war Mitwirkende bei Jacqueline Kornmüllers Ganymed in Power (2020/2021) und Ganymed Bridge (2023) Produktionen im Kunsthistorischen Museum Wien. Sie komponierte 2021 den Soundtrack für Sebastian Brauneis Film 1 Verabredung im Herbst, sowie die Theatermusik für Fritzi Wartenbergs Inszenierung von The Writer am Berliner Ensemble . Ihr erstes Album The Anatomy of Melancholy ist 2020 auf das Wiener Label col legno music erschienen. Sie ist seit November 2022 Dozentin für Ensemble und Ensembleleitung am Institut für Popularmusik der mdw-universität für Musik und darstellende Kunst Wien. https://www.emily-stewart.com/


Paul Wallfisch’s music can be heard on countless American TV shows and several feature films. He has performed and/or recorded with Firewater, Love & Rockets, Swans, Little Annie, Angela McCluskey, Syl Sylvain, Stiv Bators, Marissa Nadler, Rose McGowan, Joey Arias and many more. From 2010-2015 Paul was Music Director at Schauspiel Dortmund, subsequently working with acclaimed director Kay Voges at the most important houses in German-language theatre. Paul co-created the musical theatre piece Republic of Wolves (Dortmund/Volksbuehne 2014) and „Dies Irae: An Endtimes Opera“ (Burgtheater 2019), composing and performing the scores live. Paul recently ended his run as Music Director and Curator at  Volkstheater, Vienna where he co-wrote and performed the music to Anna-Sophie Mahler’s production of Tennessee Williams’ Camino Real with the band Calexico. Paul’s music has been released on numerous labels including Mute Records, Trost, Southern and Rent A Dog. https://www.paulwallfisch.com/

Martin Siewert arbeitet als Gitarrist & Improvisator, aber auch als Komponist in akustischen und / oder elektronischen Kontexten; zahlreiche Kollaborationen, und Kompositionen für Theater, Tanz & Film. https://siewert.klingt.org/


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Sa, 10. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Mivos Quartet: Morton Feldman – Piano and String Quartet (1985): Olivia De Prato (Violine) / William Overcash (Violine) / Victor Lowrie Tafoya (Viola) / Nathan Watts (Cello) / Vicky Chow (Klavier)

Mivos Quartet: Morton Feldman – Piano and String Quartet

Morton Feldman (1926-1987): Piano and String Quartet (ca. 76min), 1985

Vicky Chow and Mivos Quartet join forces to perform Morton Feldman’s Piano and String Quartet in celebration of the composer’s 100th anniversary. Lasting approximately 90 minutes, this monumental work is one of Feldman’s most iconic late compositions, unfolding in an expansive, hushed sound world that invites deep, sustained listening. Piano and String Quartet was commissioned and premiered in 1985 in Los Angeles by Aki Takahashi and the Kronos Quartet, and has since become a touchstone of late 20th-century experimental music.

Mivos Quartet

Olivia De Prato – Violine
William Overcash – Violine
Victor Lowrie Tafoya – Viola
Nathan Watts – Cello

Vicky Chow – Klavier


Hong Kong/Canadian/American pianist Vicky Chow has been described as “brilliant” (New York Times) and “one of our era’s most brilliant pianists” (Pitchfork). Since joining the Bang on a Can All-Stars in 2009, she has collaborated and worked with artists such as Tania León, Meredith Monk, Julia Wolfe, David Lang, Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley, John Zorn, George Lewis, as well as organizations such as Bill T. Jones and the Arnie Zane Dance Company, BBC Orchestra, LA Philharmonic, International Contemporary Ensemble, to name a few. She has toured to over 40 countries and performed in venues such as Carnegie Hall (New York), Walt Disney Concert Hall (Los Angeles), Muziekgebouw (Amsterdam), Hong Kong Arts Centre, Barbican Centre (London), Royal Albert Hall (London), L’auditori (Barcelona), City Recital Hall (Sydney),POLIN Museum (Warsaw), and the Teatro Colón (Buenos Aires). She has released over 25 solo and chamber music albums on Nonesuch Records, Cantaloupe, New Amsterdam Records, Tzadik, and Innova Recordings, among others. In October 2022, she released Philip Glass: Piano Etudes Book 1 which Mr. Glass remarked to be a “a highly dynamic and expressive performance. There’s a certain energy that is uniquely hers.” She received a GRAMMY nomination for her recording of Julia Wolfe’s Pulitzer-prize winning work, Anthracite FieldsI with the Bang on a Can All-Stars and Trinity Choir. Her recording of Canadian composer Vince Ho’s piano etudes was nominated for a Juno award. Originally from Vancouver, Canada, she is based in Brooklyn. She serves as faculty at the Bang on a Can Summer Institute, Nief Norf Summer Festival, and has been on faculty at the Banff Centre for Arts and Creativity. She is on the Board of Advisors for Composers Now, and is also a mentor at The Juilliard School. A graduate of The Juilliard School and The Manhattan School of Music Ms. Chow is a Yamaha Artist. www.vickychow.com

The Mivos Quartet is devoted to performing works of contemporary composers and presenting diverse new music to international audiences. The quartet, founded in 2008, commissions and premieres new repertoire for string quartet, and is dedicated to creative collaborations with a wide variety of artists. Mivos maintains an active international performance schedule, with regular appearances as ensemble-in-residence at summer festivals. Mivos takes part in many educational residencies at universities and summer festivals, working with young performers and composers to develop their craft, technical skis and artistic expression. The quartet also runs two composition prizes to help discover and promote emerging composers in the US and abroad. Beyond these activities, Mivos collaborates regularly with guest artists, presents multimedia projects, and performs improvised music. The Quartet currently splits their time between Vienna and New York City. The members of Mivos are violinists Olivia De Prato and Will Overcash, violist Victor Lowrie Tafoya, and cellist Nathan Watts. www.mivosquartet.com


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Mi, 14. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: snim: dauerpräsent. sendebereit. reichweite erschöpft.: Gloria Damijan (Klavier, Toy Piano) / Reni Weichselbaum (Blockflöten) / Bernhard Schöberl (Gitarren) / Michael Zacherl (Scivolo) / Judith Unterpertinger (Komposition)

dauerpräsent. sendebereit. reichweite erschöpft.

Ein Projekt von snim – spontanes netzwerk für improvisierte musik

Gloria Damijan – Klavier, Toy Piano
Reni Weichselbaum – Blockflöten
Bernhard Schöberl – Gitarren
Michael Zacherl – Scivolo
Judith Unterpertinger – Komposition

Im Fokus steht der individuelle Blick auf die Überforderung durch digitale Präsenz – den Zwang zur Sichtbarkeit, die Logik permanenter Selbstverausgabung, die Erschöpfung einer Kunst, die im Modus ständiger, manischer Versuche der Publikumsgeneration durch immer mehr ausufernde digitaler Präsenz bestehen soll.

Gesucht wird ein Ausweg mittels musikalischer Strategien und Ausdrucksweisen im Sinne der Selbstermächtigung: Die Entwicklung einer musikalischen Sprache zwischen Wiederholung, Persiflage, Bruch, Verdichtung und Stille, die radikal individuelle Perspektiven kommuniziert.

Improvisation wird hier zum Ort des Widerstands: gegen Glättung, Genrehypes und die marktschreierische Maschinerie der Aufmerksamkeitsökonomie in Social Media. Bernhard Schöberl, Reni Weichselbaum und Michael Zacherl, werden den von Gloria Damijan kuratierten Abend mit Improvisationen, Text- und Videobeiträgen, eigenen Konzepten sowie der Uraufführung eines neuen Werks von Judith Unterpertinger gestalten.

http://snim.klingt.org/blog/


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Fr, 16. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Voutchkova / Kravanja / Canna: SOLO, DUO, TRIO
Biliana Voutchkova (Geige, Stimme) / Ana Kravanja (Geige, Stimme) / Thomas Canna (Perkussion)


SOLO, DUO, TRIO 

Thomas Canna – Perkussion
Ana Kravanja – Violine, Stimme
Biliana Voutchkova – Violine, Stimme

Solo, Duo, Trio brings together three composer-performers. While Biliana works continuously with Ana and Thomas, this evening marks their first encounter together.  Rooted in spontaneity, attentive listening and intuition, the music draws on personal histories, common aesthetics, song traditions from their respective lands, and mutual interest in presence and the emergence of the sound in the moment of each gathering.

Biliana Voutchkova is a deeply engaged composer-performer, violinist, curator and educator with highly individual artistic voice. Her work incorporates expanded and continuously evolving sonic and physical capacities in the field of contemporary music, improvisation, long durational and multidisciplinary performance, with focus on the interconnection between inner world and sound space. Biliana is an active performer, founder and curator of DARA String Festival, a composition faculty member at HKB Bern, and recipient of multiple grants and awards.
www.bilianavoutchkova.net

Thomas Canna is a percussionist and improviser focused on contemporary sound and compositional practices.
His work stems from the idea that every sonic element inherently possesses a frequency capable of interacting with external forces that seek to uncover its essence. At the heart of this research lies the concept of resonance, and he will premiere a study that will be part of his upcoming solo album, currently in preparation. https://www.thomascanna.com/

Ana Kravanja is a member of the music group Širom, where she plays on a multitude of traditional, classic and hand-made musical instruments.She creates original music for theatrical performances, films, animations, narratives, poetry, dance and visual arts. In 2013, she conceived the Glacies project in which musicians play on shelves from refrigerator. Between 2012 and 2016, in the duo Najou with Sam Kutin, she created music for fourteen calinbas and recorded two records. She is one tenth of Olfamoštvo. As an improviser on the violin, she collaborated with numerous Slovene and foreign musicians and dancers: Samo Kutin, Tomaž Grom, Irena Tomažin, Vid & Jošt Drašler, Andrej Fon, Ina Puntar, Tea Vidmar, Tijana Stankovic, Noid, Matija Schellander, Susanna Gartmayer, Aleksandar Škorić, Margarethe Maierhofer-Lischka, Henrik Olsson, Raphael Roginski, Ryuzo Fukuhara, Lotus Edde Khouri etc. She has co-created several events within projects of the Sploh Institute, such as: in the context of the Confine aperto, Zvokotok and Neforma series, RR public presentation, Sound Disobedience festival and international tour. Her contributions can also be heard on the Sound Disobedience album, released in 2011 by Sploh in co-production with L’innomable. A recording of her solo concerts is a part of the iMstrument collection.

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Di, 20. Oktober 2026 · 20:00 Uhr: Schallfeld Ensemble: Text im Klang #7
Zinajda Kodrič (Flöte) · Arnold Plankensteiner (Klarinette) · Patrick Skrilecz (Klavier) · Lorenzo Derinni (Violine) · Myriam García Fidalgo (Cello) · Klaus Kastberger (Einführung zum Schaffen von Friederike Mayröcker)

Schallfeld Ensemble: Text im Klang #7

Schallfeld Ensemble:

Zinajda Kodrič – Flöte
Arnold Plankensteiner – Klarinette
Patrick Skrilecz – Klavier
Lorenzo Derinni – Violine
Myriam García Fidalgo – Violoncello

Programm:

Luca Bardelle, Neues Werk (2026, Kompositionsauftrag von impuls)
Forrest Moody, Neues Werk (2026, Kompositionsauftrag von impuls)
Dilay Doğanay, Neues Werk (2026, Kompositionsauftrag von impuls)
Joanna Wozny, Neues Werk (2026, Kompositionsauftrag von impuls)

Klaus Kastberger Einführung zum Schaffen von Friederike Mayröcker

„Text im Klang“, ein Projekt von impuls, geht 2026 bereits in die 7. Ausgabe. Von Anfang an verstand sich das Projekt als Labor, das mediale Verschränkungen umzusetzen versucht, deren Fokus auf dem Impuls liegen. Texte wie auch der aktive Austausch zwischen Komponist°innen und Autor°innen liefern dabei Initialimpulse zu neuen Kompositionen. Nicht Vertonungen im klassischen Sinn sind dabei intendiert, keine Übersetzungen mit Stimme oder Sprecher°in, keine klanglichen Repräsentationen der Texte – gefragt ist vielmehr der konkrete Text als Movens in seinen zum Beispiel rhythmischen und syntaktischen Qualitäten, in seinen klangsprachlichen Färbungen, in seiner atmosphärischen oder thematischen Dichte, als semantische Widerlager … Die Versuchsanordnung von „Text im Klang“ wird im Rahmen der einzelnen Jahrgänge dabei immer wieder leicht modifiziert: 2014 und 2016 dienten den Komponist°innen Texte verschiedener österreichischer Autor°innen in verschiedenen Paarbildungen als Impulsgeber, bei den Aufführungen wurden Musik und Text teils verschränkt, letztere von einer Schauspielerin oder den Autor°innen selbst vorgetragen, teils dabei auch live oder beispielsweise als bearbeitete Zuspielung in den musikalischen Part integriert. 2018 lag der Fokus für alle Komponist°innen auf einem konkreten Kurztext, 2020 entstanden sowohl Text wie Musik zu einem gemeinsam erarbeiteten Thema völlig neu. 2022 wiederum war Ferdinand Schmatz‘ „das gehörte feuer. orphische skizzen“ der Ausgangspunkt der neuen Kompositionen, die teils Fragmente des Textes sowohl akustisch als auch visuell einbezogen, teils auch vom Autor selbst gelesen wurden, und für 2024 hatte Elfriede Jelinek ihre Zustimmung gegeben, dass jeder ihrer zahlreichen Texte als Impuls und Ausgangspunkt für neue musikalische Werke herangezogen werden kann, die in diesem Fall für die klassische Schubertsche Forellenquintettinstrumentierung geschrieben wurden.

In den künstlerischen Austausch wie Prozess eingebunden sind nicht zuletzt mit Schallfeld Ensemble auch von Beginn an die Interpret°innen, die ihrerseits für die Realisierung mit den Komponierenden in enger Zusammenarbeit stehen und über die Jahre auch in unterschiedlichen instrumentalen Formationen zu erleben sind.

2026 jährt sich nunmehr der fünfte Todestag von Friederike Mayröcker, einer der Grandes Dames der österreichischen Literatur. Mit nie nachlassender Neugier arbeitete sie bis zuletzt an einem über 120 Bücher umfassenden, vielfach ausgezeichneten Werk – mit zahlreichen Bezügen zur Musik, bildenden Kunst, Philosophie und Dichtung. In seiner Magie, Bildgewalt und poetischen Radikalität prägte es die deutschsprachige Literatur entscheidend. Klaus Kastberger, der intensiv zu ihrem Werk geforscht und publiziert hat, fungiert diesmal als Vermittler zur Schriftstellerin und ihrem literarischen Ouevre, aber auch ihren musikalischen Vorlieben, und wird auch am Tag der Uraufführungen eine Einführung zu Mayröcker geben.

Ein Projekt von impuls:  Am 16. Oktober 2026 werden die neuen Stücke – Kompositionsaufträge von impuls – im Florentinersaal in Graz uraufgeführt. https://www.impuls.cc/de/events-2026/1610-text-im-klang
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Fr, 23. Oktober 2026 · 18:00 Uhr: Der Betrieb × echoraum #3
18:00 Uhr: Soundwalk mit Tim Shaw (Treffpunkt: Der Betrieb, Vogelweideplatz 13, 1150 Wien) · 20:00 Uhr: Tim Shaw (DIY Elektronik, gefundene Objekte) · Magdalena Forster (Performance)

14:00 – 19:00 Uhr: A Season Between the Lines
@ Der Betrieb, Vogelweidplatz 13, 1150 Wien

18:00 Uhr: Soundwalk mit Tim Shaw, Treffpunkt: Der Betrieb, Vogelweideplatz 13, 1150 Wien
20:00 Uhr: Tim Shaw (DIY Elektronik, gefundene Objekte) · Magdalena Forster (Performance)

Eine Kooperation von Der Betrieb und echoraum im Rahmen von A Season Between the Lines.


Tim Shaw (Soundwalk & Konzert)

Ambulation is a walking performance that uses listening technologies to harvest diverse sounds from the immediate environment. Drawing on field recording techniques, Tim Shaw records acoustic sounds and electromagnetic waves as he walks. He collects, repeats, processes and mixes these sounds using his own portable equipment. He improvises an event that intertwines past sound events with those that come along the way. A group of people follow him, each wearing wireless headphones, witnessing a strange, live field recording performance. Ambulation has been performed at over 40 different festivals and events around the world. https://tim-shaw.info/projects/ambulation/  


Points of Failure is an ongoing series of concerts and installations in which miscellaneous objects and repurposed audio equipment is used to create an audiovisual performance-environment. By using DIY electronics, found objects, light and sound making circuits, the musical potential of everyday materials is explored in response to the architectural features of the performance space. Points of Failure works entirely with live processes and no pre recorded sound material occurs during the performance. Through the making and unmaking of objects and building hybrid mechanisms for making noise an eclectic multi sensory experience unfolds, one in which sound, light, smoke, smell and action intertwine. Points of Failure has been performed at over 35 festivals and events worldwide. https://tim-shaw.info/projects/points-of-failure/

Artist and researcher Tim Shaw works with sound, light, and communication media to create performances, installations, and site-responsive interventions. His practice spans environmental sound art, digital media, media archaeology, walking, and installation making. Previously, Tim has developed artistic mechanisms to listen into the sound-worlds of insects, created augmented soundwalks, designed performances for high voltage devices, broadcast radio through trees, listened to network latency through time stretched bells, and extracted musical material from rocks. He frequently presents his work at festivals, in forests, caves, warehouses, up mountains, and in museums and art galleries all over the world. Collaboration is central to his approach and he has engaged in interdisciplinary partnerships with medieval musicologists, medical scientists, anthropologists, geologists, architects and astrophysicists. He has been lucky enough to make artistic work with Chris Watson, Phill Niblock, and Dirty Electronics (among many others). https://tim-shaw.info/

Magdalena Forster (Performance)

In Echo Body (2025) bringt Forster Orgelpfeifen ins Experiment mit Hydroakustik, Installation und Tanz, unterschiedliche Versionen des Stückes wurden unter anderem bei Impulstanz Festival, Systema Marseille, Neuer Kunstverein Wien, Slippery Melody in Koproduktion mit Simian Gallery und Dansehallerne Kopenhagen präsentiert. Hearth (2025) und Bile (2023) wurden vom Tanzquartier Wien koproduziert und von der Kulturabteilung der Stadt Wien sowie vom
Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport gefördert. Ihre Arbeiten Kunstraum Niederösterreich, Kunsthaus Zürich, AIL Wien, Neuer Kunstverein Wien, Festival der Regionen, Perspektiven Festival, Lothringer 13 München, und Sonic Territories präsentiert. Im Jahr 2026 erhält sie den H13 Niederösterreich Preis für Performance.

Magdalena Forster ist eine in Wien lebende Künstlerin. Mit einem Hintergrund in Choreografie und darstellender Kunst folgt ihre Arbeit häufig materialbasierten Prozessen und wird von der Logik taktiler Interaktion, handwerklicher Praxis sowie ihrer früheren Tätigkeit in körperzentrierter Pflegearbeit geprägt. Forster interessiert sich für Kollaboration, für die Dynamiken von Live- und scorebasierten Performances sowie für ortsspezifischen Arbeiten die eng mit klanglicher Forschung verbunden sind. Sie arbeitet mit Körper, Stimme und Raum, dem als akustische Werkstatt begegnet wird, der von belebten Dingen anstatt passiven Gegenständen bewohnt ist.

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Der Betrieb is an art space in Vienna’s 15th district founded by choreographers Alexander Gottfarb and Anna Maria Nowak. Dedicated to live durational performance, it offers free access to evolving artistic processes in a fluid setting that shifts between studio, theatre, gallery, and social space. https://www.archipelago.at/projects/the-season-of-sound/

A Season Between the Lines is a durational, interdisciplinary performance exploring how public language—headlines, articles, speeches—is shaped by embodied experience. Rooted in performative practice and cognitive linguistics, the work approaches texts not as scripts but as physical material: a living terrain of meanings to inhabit and transform through movement, voice, and sound.

Building on Anna Maria Nowak’s research into the embodied nature of thought and language, the performance treats public content as a “body of text”. The performers trace conceptual metaphors embedded in everyday language: what happens when “coming under pressure” or “healing a nation” are taken literally, with our bodies? What physicality lies behind the “weight of responsibility”? Drawing on experiences of space, pressure, pain, and orientation, such expressions shape emotional and political responses.

By exploring the weight, energy, and gestures embedded in language, the artists search for hidden framings and tools for navigating the constant flow of information. How might “moving” language reshape existing narratives? Can we influence discourse by adding more space, time, and body between the lines?

In collaboration with visual artist Hanna Hollmann, Der Betrieb is transformed into an immersive landscape of orientational relations. Queer sound artist Zosia Hołubowska creates the soundscape and performs live throughout the season. Visitors are invited into this evolving environment, contributing texts and participating in their transformation.
Der Betrieb becomes a poetic space of sense-making, where ideas are explored as living processes. Through the interaction of word, body, and space, they are set into motion rather than set in stone.

Team

Concept and Artistic Direction: Anna Maria Nowak
Performance and Choreography: Alexander Gottfarb, Anna Maria Nowak, Stéphanie Evrard, Anna Biczók
Music Composition and Live Performance: Zosia Hołubowska
Dramaturgical Advice: Anna Mendelssohn
Space and Costumes: Hanna Hollmann
Graphic Design: Katarina Schildgen
Photos: Victoria Nazarova
Production, Management and Outreach: mollusca productions
Administration: Takelage

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Di, 27. Oktober 2026 · 19:00 Uhr: Millà · Gordoa · Malfon Trio
Jordina Millà (Klavier) / Emilio Gordoa (Vibraphon, Perkussion) / Don Malfon (Saxophon) · Finissage Susanna Gartmayer: SPEICHER

Bringing together three distinctive voices from the field of contemporary improvised music, Millà – Gordoa – Malfon is a trio dedicated to deep listening, timbral exploration, and collective real-time creation. Their music unfolds through subtle gestures, evolving textures, and a heightened attention to the smallest sonic details. Piano, vibraphone, percussion, and saxophone engage in an open dialogue where form emerges organically, moving between density and silence, tension and resonance. Rather than relying on predetermined structures, the trio creates sound environments shaped by constant interaction and mutual responsiveness. Each contribution influences the collective landscape, allowing the music to develop with both precision and spontaneity. The result is an immersive listening experience that reveals the richness of improvised processes and the expressive potential of sound in motion.


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Fr, 30. Oktober 2026 · 18:00 Uhr: noche de Werner
mit Franz Hautzinger (Trompete) & Achim Tang (Kontrabass) · deepseafish-k: Katharina Klement / Manon Liu Winter / Juun (HorizontalSaitenInstrumente)


Viele Jahren organisierte das Institut 5haus in Zusammenarbeit mit dem echoraum die „Noche de los Muertos“, inspiriert von der mexikanischen Tradition des Totengedenkens. Diese Veranstaltung umfasst einen Altar sowie experimentelle und eklektische Musik.

Nach dem Tod von Werner Korn, dem langjährigen Leiter des echoraum, fand im November 2023 eine erste Gedenkveranstaltung statt, die den Wunsch weckte, sein Andenken jährlich zu feiern.

Aus der „Noche de los Muertos“ wird nun die „Noche de Werner“. Die Veranstaltung bleibt dem experimentellen musikalischen Geist treu und bietet weiterhin einen Altar als zentrale Gedenkstätte.


deepseafish-k

Juun / Katharina Klement / Manon Liu Winter (HorizontalSaitenInstrumente)

Eintauchen in das Innere von Instrumenten. K wie Keys, Instrumente wie Klaviere, nackte Klavierinnenräume, Clavichorde. Eine Welt aus Holz und Metall, in der sich Aktivität enfaltet, Bewegung, die Klänge auslöst. Feinst gesponnene Klänge, aber auch unter größter Anspannung den Instrumenten abgeschabte oder aus ihnen herausgehämmerte. Mal hautnah und knisternd trocken, mal weitläufig und beinahe unheimlich durch den dunklen Nachhall der Resonanzkörper, oft in flirrenden Überlagerungen. Der Zuhörer „schwimmt“ in einem klanglichen Mikro- und Makrokosmos, dessen Energie unablässig zwischen Fragilität und Wucht oszilliert. Massive Klangblöcke geraten unvermittelt in Bewegung, Partikel stieben auseinander und plötzlich ist alles unendlich zerbrechlich, doch folgt bald der nächste Kulminationspunkt eines unumstößlichen So-und-nicht-anders. Singuläre Ereignisse stehen immer im Zusammenhang einer größeren Form, das Gesamte reagiert auf das Einzelne und das Einzelne auf das Gesamte. Die Musik wirkt trotz der unbändigen Kraft so fein ziseliert, arbiträr scheinende Klänge werden zunehmend derart mit Bedeutung besetzt und diese hernach so zielsicher wieder hintertrieben, dass man glaubt, man habe es mit auskomponierter Musik zu tun. Die Reduktion in der Wahl der Mittel und die konsequente Verweigerung von Assoziationsangriffspunkten führen zu einer größeren Palette des Erreichbaren, einer überraschenden Freiheit mit der gleichzeitigen Bestimmtheit, dass alles, was passieren kann das einzig Mögliche gewesen sein wird. (Stephan Sperlich)

Die „Songs“ von deepseafishK sind zwischen Komposition und Improvisation angesiedelt und verweben ungewöhliche akustische Klänge mit elektronischen Sounds.



Franz Hautzinger (Trompete) & Achim Tang (Kontrabass)

Franz Hautzinger und Achim Tang lernen sich Ende der 1980er Jahre in Graz kennen – etwa um die gleiche Zeit als Werner Korn und Joseph Hartmann in Wien den echoraum eröffnen. Seitdem verbindet die beiden Musiker eine künstlerische Freundschaft, die immer wieder in musikalische Projekten mündet. In ihrer gemeinsamen Zeit in Wien spielt der echoraum dabei eine wichtige Rolle, als Raum für performative Experimente, aber auch  als „dritter Ort“ für Begegnung und Gespräch! Und auch wenn die künstlerischen Lebenswege der beiden Musiker in ganz unterschiedlichen Bahnen weiter verlaufen verlieren sie sich nie aus den Augen. Bei ihren gelegentlichen Begegnungen entwerfen sie immer wieder neue musikalische Positionen, die sich um den Schwerpunkt Improvisation herum entwickeln. Dabei spielen die gängigen Genregrenzen per se keine Rolle. Die vielfältigen Erfahrungen der beiden Protagonisten in ganz unterschiedlichen musikalischen Welten sorgt für einen unbelasteten Umgang mit allem, was klingt.

Achim Tang (* 23. Dezember 1958 in Berlin) ist ein deutscher Bassist und Komponist, der auf dem Gebiet des Jazz, der Improvisationsmusik und der Weltmusik aktiv ist. Tang studierte zunächst Trompete am Julius-Stern-Institut, seit 1984 spielt er Kontrabass. Nach einem Studium der klassischen Musik ging er 1987 nach Graz, wo er an der Jazzabteilung der Hochschule für Musik und darstellende Kunst studierte und 1992 das Konzertdiplom mit Auszeichnung erhielt. 1991 und 1992 war er Lehrbeauftragter am Kärntner Landeskonservatorium Klagenfurt. 1993 zog er nach Wien. Tang arbeitete u. a. mit Marc Ducret, Stojan Jankulow, Wolfgang Puschnig, Joachim Kühn, Linda Sharrock, Patrice Héral, Guy Klucevsek, Anatoly Vapirov, Jay Clayton, Deepak Ram, Max Nagl, Dominique Pifarély und David Tronzo zusammen. Er wirkte an Projekten wie Body Poems (mit Akemi Takeya), Über die Verführung von Engeln (mit Paul Gulda) und Elements of Poerty (mit Oskar Aichinger) mit und nahm als Sideman mit Uli Rennert, Zoltán Lantos, Max Nagl, Marek Bałata und anderen auf. Daneben komponierte er auch Musiken zu Schauspiel- und Ballettaufführungen und zum Film Donau von Goran Rebic. Sein Werk In the Long Run, eine Komposition für drei Bläser, Schlagzeug und Kontrabass, wurde u. a. in Wien, Linz, Graz und Klagenfurt aufgeführt und 2002 als sein Debütalbum für das Label Extraplatte aufgenommen.

Mit Otto Lechner, João de Bruçó, Karl Ritter, Herbert Reisinger und Peter Kaizar bildet Tang die Musikercooperative Windhundrecords. Von 1997 bis 2002 wirkte er am Projekt Klangnetze zur Vermittlung neuer Musik in allgemeinbildenden Schulen mit. Seit 2006 lebt er in Köln, wo er in Zusammenarbeit mit der Rheinischen Musikschule ein Projekt Klanglabor an zwei Kölner Hauptschulen leitet. 2009 arbeitete er mit Scott Fields und dem Multiple Joyce Orchestra (Moersbow / Ozzo, Clean Feed). Tang wurde im Jahr 2011 als Improviser in Residence nach Moers berufen, um ein Jahr lang hier zu leben und zu arbeiten. Unter anderem trat er auf dem Moers Festival mit seinem Quartet Tørn auf, dem Philip Zoubek, Joe Hertenstein und Joris Rühl angehören.

Franz Hautzinger, 1963 geboren, ist Komponist und Interpret zeitgenössischer und improvisierter Musik. Er studierte Trompete und Komposition in Graz und Wien. 1989-2ß008 Lehrauftrag an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Wien. (Gast)Solist zahlreicher Ensembles; er spielt mit international renommierten Künstlern wie Elliott Sharp, Gil Evans, Olga Neuwirth, Klangforum Wien und als Leiter eigener Projekte (»Franz Hautzinger Speakers Corner«, »Dachte Musik«, »Regenorchester«, Gomberg I-VI.
