
echoraum

Überblick 
Programm November - Dezember 2026

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November 2026

Mittwoch, 4. November 2026 · 20:00 Uhr: OTTO
Camille Emaille / Pol Small / Gabriel Valtchev (Tapan, bulgarische Perkussion, Metallobjekte)

Montag, 9. November 2026 · 17:00 Uhr: Nachhall #19: Every Song Ever IV
eine Koproduktion mit Wien Modern
Paul Wallfisch (Tasten, Stimme, Elektronik) / Mona Matbou Riahi (Klarinette, Stimme, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren, Lap Steel, Elektronik) · Ben Ratliff (Lesung, Gespräch) · Stefan Grissemann (Moderation)

19. bis 21. November 2026 · jeweils 19:00 Uhr: Loves Labours Lost underground
mit: Anne Juren · Alex Franz Zehetbauer · Anne Wundrak · Arno Briggman & Beate Ronacher · Camila Sposati · Dino Spiluttini · Dustin Maxwell · Engelsharfen & Teufelsgeigen · Lissie Rettenwander · Marie Vermont · Michaela Kisling · Nikolaus Ruchnewitz · Patrick Topitschnig · Robert Schwarz · Samuel Schaab · Stina Fors · Christian Schröder (Performance) · Hanna Hollmann (Bühnenbild) · Samuel Schaab (Licht) · Melanie Maar (Project Accomplice) · Aline-Sarah Kunisch (Dramaturgie)

Donnerstag, 26. November 2026 · 20:00 Uhr: Screw & Straw · Graciela Muñoz Farida
Christoph Erb (Saxophone) & Fred Lonberg-Holm (Cello, Elektronik) · Graciela Muñoz Farida (Geige, Objekte)

Samstag, 28. November 2026 · 16:00 Uhr: LOM (Maya Bennardo & Leah Asher) · Juan Moreda
eine Koproduktion mit Wien Modern
Leah Asher (Violine) & Maya Bennardo (Violine) · Juan Moreda solo (Saxophone)

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Dezember 2026


Dienstag, 1. Dezember 2026 · 19:00 Uhr: MAMKA RECORDS Label Night #02/2026
Gnuth Cirev: Innenansichten
Maja Osojnik (Stimme, Elektronik) & Birgit Kellner (Overheadprojektion, Live-Zeichnung)

Dienstag, 8. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Harnik & Lehn · Bhob Rainey
Elisabeth Harnik (Klavier) & Thomas Lehn (Analogsynthesizer) · Bhob Rainey solo (Sopransaxophon)

Freitag, 11. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Aria · Azzarà & Maierhofer-Lischka
Carlo Sampaolesi (Akkordeon) & Pietro Elia Barcellona (Kontrabass) · Elisa Azzarà (Flöten) & Margarethe Maierhofer-Lischka (Kontrabass)

Freitag, 18. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Silent Ektase
Eva Reiter  (Gambe, Kontrabassflöte, Zither, Stimme, FX) & Judith Schwarz (erweitertes Schlagzeug)

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Detail
Programm November - Dezember 2026

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Mittwoch, 4. November 2026 · 20:00 Uhr: OTTO

Gabriel Valtchev – tapan, bulgarian percussion & metal percussion instruments
Camille Emaille – tapan, bulgarian percussion & metal percussion instruments
Pol Small – tapan, bulgarian percussion & metal percussion instruments

OTTO’s music is minimalist in vocabulary but intense in energy. The three musicians play the same instrument: the tapan, a Bulgarian percussion instrument with only two skin tones and metal percussion (gong, bronze plate).

The group’s musical interest lies in trying to develop an idea with a very limited sound palette, so the musical construction depends more on the timing and interweaving of the three instruments. The set is in two linked parts, with some very fixed sections and others totally improvised.

The beginning is a long progression on a traditional Bulgarian rhythm in seven beats, which, through successive shifts from one tapan to the next, reveals increasingly complex polyrhythms.

The transcendental repetition of the cycle also gives rise to variations in timbre, rhythm and colour which, depending on the space, can be highly variable. This long ascension bursts forth when the unison returns, albeit furtively, seeming to relieve the tension that arises again with the appearance of the metallic timbre, brought by the gong, powerful, round and squeaky, giving way to a long improvisation for two tapan and gong that is as mechanical as it is jerky and noisy.

https://www.cartoncartoncarton.com/otto


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Montag, 9. November 2026 · 17:00 Uhr: Nachhall #19: Every Song Ever IV
eine Koproduktion mit Wien Modern

Ticketpreise: 22 € (ermäßigt <30: 50 %, Ö1) | 5 € mit Festivalpass
Ticketvorverkauf: https://www.wienmodern.at/2026-kartenverkauf
Restkarten an der Abendkassa | Einlass eine Stunde vor Konzertbeginn
Jahreskarteninhaber:innen des echoraum erhalten freien Eintritt

Paul Wallfisch – Tasten, Stimme, Elektronik
Martin Siewert – Gitarren, Lap Steel, Elektronik
Mona Matbou Riahi – Klarinette, Stimme, Elektronik
Ben Ratliff – Lesung, Gespräch
Stefan Grissemann – Moderation

November 9th at Echoraum will mark the 4th and final installment of our series EVERY SONG EVER in which we “play the book” by the award winning American music critic and professor Ben Ratliff.

I’ve always had a penchant for the ekphrastic, so the notion of “playing” a book is not new to me. I’ve tried it before with Haruki Murakami and Paul Auster. Ben’s remarkable work, practically cries out to have the ecstatic experience of insightful listening he describes come sonically alive. We will be your audio book with extra dimensions!

Subtitled Twenty Ways to Listen in an Age of Musical Plenty, Ratliff’s book is divided into twenty chapters appended by playlists that confound and transcend traditional ways of categorizing music. David O’Neill found “…the most galvanizing aspect of [Ratliff’s] project is that it leaves room for the DIY spirit to emerge…[Every Song Ever] reignites our sense of longing for connection…”

“The most significant progress in the recent history of music,” writes Ratliff, “has to do with listening. How we listen to music could be, for the first time in centuries, every bit as important to its history and evolution as what the composer intends when writing it.” While Ratliff’s words are captivating on the page, to me they inexorably inspire performative expression. As I’ve learned in forty years of trying to break down the fourth wall, and as Ratliff writes “Music is a game between performers and audience…”

Along with regular co-conspirator, the exceptional Viennese multi-instrumentalist Martin Siewert, I’ll be joined by world renowned Iranian musician and composer Mona Matbou Riahi. We’ll tackle selections from the last 6 chapters of Ben’s book:

Just a Little Bit: LOUDNESS
R.S.V.P: DISCREPANCY
I Still Believe I Hear: MEMORY & HISTORICAL TRUTH
On the Waves: LINKING
Mi Gente: COMMUNITY & EXCLUSIVITY
Slowly Fading Out of Sight: THE PERFECT MOMENT

There are personal points of reference for me all through the book, from Pablo Casals, a friend and musical collaborator of my parents to Swans, a band I once elonged to, prominently mentioned in the chapter LOUDNESS. We will “cover” Swans, which famously never really plays their albums in concert, or rather “covers” them in ever evolving and probing ways.

We will attempt the Heterophony discussed in chapter 16; the “wobbling & cohering” of Elaine Radigue and the Rolling Stones.
As well as unique takes on The Four Tops, Fushitsuha, Georges Bizet, Sly Stone, Fauré and Flipper, among others.

And indeed, it’s always the perfect moment we’ll be looking for!

Ben Ratliff himself will join us for a discussion of the music and more.

~Paul Wallfisch


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19. bis 21. November 2026 · jeweils 19:00 Uhr: Loves Labours Lost underground


Eine Performancesituation, bei der Schallplatten während des Abspielens mit Farbe versiegelt werden.

Im Nassverfahren werden Tonträger normalerweise digitalisiert und verschwinden danach im Archiv. Bei Loves Labour Lost wird das Publikum selbst zum Archiv: Zeug:innen einer Geschichte, erzählt in Soundcollagen, Texten, Songs, Fieldrecordings und psychoakustischen Kompositionen des Undergrounds. Während die Musik läuft, versiegelt ein präparierter Plattenspieler die Rillen mit Kunstharzlack. Die Platten werden dabei für immer unbrauchbar, aus Tonträgern werden visuelle Objekte. Was einmal erklingt, ist danach für immer verstummt.

Die eingeladenen Künstler:innen versammeln sich auf einer Schallplatte und nähern sich dem „Unten“ in all seinen Bedeutungen: dem Untergrund, dem Jenseits, dem Okkulten, dem Verborgenen und Begrabenen, dem Hinabsteigen und Untergehen. 15 eigens geschnittene Tracks verteilen sich auf drei Unikat-Schallplatten, die im Dj-Stil miteinander vermischt werden und im Dialog zueinander eine Erzählung des Untergrunds entstehen und zugleich wieder verschwinden lassen.

With audio contributions by: Anne Juren, Alex Franz Zehetbauer, Anne Wundrak, Arno Briggman & Beate Ronacher, Camila Sposati, Dino Spiluttini, Dustin Maxwell, Lissie Rettenwander, Marie Vermont, Michaela Kisling, Patrick Topitschnig, Robert Schwarz, Samuel Schaab, Stina Fors.

Nov 19: Intro & Outro by Lissie Rettenwander
Nov 20: Intro & Outro by Nikolaus Ruchnewitz
Nov 21: Intro & Outro by Engelsharfen & Teufelsgeigen

Christian Schröder (Performance) · Hanna Hollmann (Set Design) · Samuel Schaab (Lighting) · Melanie Maar (Project Accomplice) · Aline-Sarah Kunisch (Dramaturgy) · Alisa Beck (Produktion)

In English | Reservations: echo@echoraum.at

kindly supported by the Cultural Department of the City of Vienna and Bears in the Park.
sponsored by Pro-Ject Audio Systems.

produced by Schule des Sterbens


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Donnerstag, 26. November 2026 · 20:00 Uhr: Screw & Straw · Graciela Muñoz Farida
Christoph Erb (Saxophone) & Fred Lonberg-Holm (Cello, Elektronik) · Graciela Muñoz Farida (Geige, Objekte)


Graciela Muñoz Farida is a Chilean composer, violinist, sound artist, and researcher. Her practice explores the audible as an ecological process. Through electroacoustics, field recordings, installation, and sound experimentation, she develops works that amplify ordinarily overlooked organisms. She is currently conducting her Fondecyt Postdoctoral Research Project No. 3240502, funded by ANID, Chile, investigating the production of audibility in the miniature forests of the subantarctic region.

DROP: A drop falls onto the water in a container. A submerged hydrophone captures the vibrations propagating through the water, amplifying a minute event until its audibility is transformed. In DROP, the live performance of the violin intertwines with the falling drops in real time, exploring the production of audibility as a relational process in which sound emerges through multiple amplifications.

www.labsonoro.cl

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ERB – LONBERG-HOLM
aka Screw & Straw

Das Duo Screw and Straw vereint zwei interessante Stimmen der internationalen Improvisationsmusik: den Schweizer Saxofonisten Christoph Erb und den amerikanischen Cellisten, Komponisten und Klangarchitekten Fred Lonberg-Holm. Ihr Duo ist ein offenes Labor für radikale Klangforschung, in dem sich kompositorisches Denken, freie Improvisation und rohe Energie gegenseitig befruchten.

https://veto-records.bandcamp.com/album/screw-and-straw
https://veto-records.bandcamp.com/album/screw-straw-a-screw-in-straws-clothing



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Samstag, 28. November 2026 · 16:00 Uhr: LOM (Maya Bennardo & Leah Asher) · Juan Moreda
eine Koproduktion mit Wien Modern

Ticketpreise: 22 € (ermäßigt <30: 50 %, Ö1) | 5 € mit Festivalpass
Ticketvorverkauf: https://www.wienmodern.at/2026-kartenverkauf
Restkarten an der Abendkassa | Einlass eine Stunde vor Konzertbeginn
Jahreskarteninhaber:innen des echoraum erhalten freien Eintritt.

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LOM

Leah Asher – Violine
Maya Bennardo – Violine

Programm

drifting/ambling

Hay Que Caminar’ Soñando – 1 (1989) – Luigi Nono 
dormant gardens iii. (2026) – Maya Bennardo *Austrian Premiere
Hay Que Caminar’ Soñando – 2 (1989) – Luigi Nono 
edges (2026) – Leah Asher *Austrian Premiere
Hay Que Caminar’ Soñando – 3 (1989) – Luigi Nono 

drifting/ambling, a program conceived and performed by LOM (violin duo of Leah Asher and Maya Bennardo), explores the sonic and timbral extremes of the duo while taking the audience on a journey of winding paths. Weaved throughout the program is Luigi Nono’s three-movement work ‘Hay Que Caminar’ Soñando‘, whose title references a quote by Antonio Machado, „Caminante, no hay caminos, hay que caminar“ (Traveller, there are no ways, but we must go). Nono’s work pushes at the edges of the aural and physical extremes of the violins by taking the music to both the maximum of the instrumentation and to such low intensities that one at times doubts whether sound is truly heard or imagined.

As Michael Pisaro-Liu writes of this work in a program note,

„…the physical limit of the instrument is approached in a way that suggests that the music would continue, beyond the realm of the physical and audible. With the emphasis on boundaries, we are strongly directed towards a metaphorical kind of space, enclosed not with walls but with windows, which allow us a view to the horizon. And still, this music is a song. But this song either speaks with gestures of great intensity or hardly at all. There is just the slightest echo of melody: Verdi‘s ‚scala enigmatica‘, itself an echo of melody. In this piece we hear song as pure longing, reaching for something that will forever remain just out of our grasp.“

The threshold between imagination and perception is continued in Leah Asher’s ‚edges‘. Here, the intricate interweaving textures explore the liminal space on the precipice between dreams and reality. Asher’s interest in investigating acoustic phenomena and the extreme sonic possibilities of the violin stems from her extensive solo improvisation practice on which the sound worlds of ‚edges‘ are built. The two violins map a series of distinct sonic terrains that slowly unveil themselves, while rife with spontaneous dialogue. As on the verge of sleep, there is a feeling of searching, slowly transforming, almost connecting, yet always somewhere just out of reach.

Maya Bennardo’s ‚dormant gardens iii.‘ is the most recent in a series of works (i. for andPlay–violin and viola, 1a. for solo violin, and ii. for Bennardo-Larson Duo–violin and piano) inspired by daily Nordic winter walks in her northern Stockholm neighborhood. These works are all written by Bennardo to be performed either solo or together with close collaborators. These are collaborators she trusts explicitly with her music, and with whom she would want to share a long, close-listening walk through a dormant, mutedly vibrant Swedish countryside. In these works, slowly unfolding and ever-evolving timbral movements invite the listeners on a circuitous musical path that ultimately leads them right back home:

„fallen foliage
returning to air and soil
glistening in the light
while, perhaps
the whisper of breeze
plays the unburdened branches–
dormant garden
holding its breath for
summer’s rustling“

-Maya Bennardo

Maya Bennardo (she/her) is an active performer and composer living in Stockholm, Sweden. Maya is interested in opening the dialogue and blurring the boundaries between composers and performers, and is devoted to performing music of the present. She is a founding member of the violin/viola duo andPlay, described by I Care If You Listen as “enthusiastic champions for new music and collaboration.” She performs new and traditional repertoire with pianist Karl Larson in their Bennardo-Larson Duo, and was formerly a member of the internationally renowned Mivos Quartet. Maya is a sought-after chamber musician and soloist, and recent highlights include performances at Prague Quiet Music Festival (CZ), Huddersfield Contemporary Music Festival (UK), Sound of Stockholm (SE), and at the Library of Congress on the “Betts” Stradivarius violin (USA). She has had releases on Deutsche Grammophon, Kairos, Another Timbre, kuyin, elsewhere, Nonesuch Records, among others. Maya released her first solo record, ‘four strings’ with music by Eva-Maria Houben and Kristofer Svensson on the kuyin label, September 2022 (named as one of The Best of Contemporary Classical 2022 on Bandcamp). The album is a continuation of Bennardo’s work exploring sonic fragility and temporal stasis. Maya’s compositions are characterized by slow, unfolding timbral movements–exploring the co-existence of pitch and noise. Her compositions have grown naturally out of her improvisational practice on the violin, and the two continue to inform each other. www.mayabennardo.com

Violinist/violist, composer, and visual artist Leah Asher is an avid performer of contemporary music and creator of new artistic works. Leah is the executive director and violinist of The Rhythm Method string quartet, co-creator of the performance art duo MEANINGLESS WORK, and co-founder of the violin duo LOM. Leah regularly performs with New York-based ensembles such as International Contemporary Ensemble, Talea Ensemble, and S.E.M. Ensemble. She formerly served as solo violist of NOSO Sinfoniettaen and co-principal viola of the Arctic Philharmonic. As a composer, Leah has been commissioned by ensembles including andPlay, Chartreuse, Periapsis, NorthArc Percussion Group, The Great Learning Orchestra, and Ensemble Hybrid. She serves on faculty at Lake George Composer’s Institute and the Composers Conference, and has conducted many residencies at universities including NYU, Columbia University, Berklee College of Music, Hunter College, and BGSU.  Recent releases include Leah’s solo album ‚Retreat into Afters‘ on SCRIPTS records, The Rhythm Method’s ‚Pastorale‘ on New Focus Recordings, and The Rhythm Method’s ‘Seaglass’ on Gold Bolus Recordings. Leah joined the faculty of Manhattan School of Music in 2022.  www.leahasher.com


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Juan Moreda solo (Saxophone)

Programm

The Last Leaf – Chaya Czernowin (1957*)
für Sopranino-Saxofon solo
2010/2012
Dauer: ca. 12’

Misura. Obliquo – Pierluigi Billone (1960*)
für Altsaxofon solo
2021 / Revision 2023
Dauer: ca. 35’

Dieses Programm versammelt zwei Werke, die das Saxofon nicht als neutrales Klangmedium begreifen, sondern als ein Instrument, das sich im Moment der Auﬀührung selbst transformiert. Zwischen den Arbeiten von Chaya Czernowin und Pierluigi Billone entsteht kein stilistischer Gegensatz, sondern ein gemeinsamer Raum: eine Auseinandersetzung mit Klang als physischem, zugleich fragilen und widerständigen Phänomen.

In The Last Leaf von Chaya Czernowin nimmt das Sopranino-Saxofon eine zentrale Stellung ein – nicht nur als klangliches Mittel, sondern als ästhetische Entscheidung. Die ursprüngliche Fassung der Komposition war für Oboe gedacht, Czernowins erstes Werk für ein Soloinstrument, ein Format, in dem jeder Klang vollständig exponiert ist und die musikalische Verantwortung auf einen einzelnen Klangkörper fällt.

In der Fassung für Saxofon wählt Czernowin nicht das Sopran-Saxofon, das dem Charakter der Oboe näherliegt, sondern das Sopranino. Diese Entscheidung ist nicht ausschließlich timbral begründet, sondern zielt auf eine spezifische Form von Widerstand im Material selbst. Das Sopranino bietet keine natürliche Stabilität: sein Verhalten, seine kontrollierte Unzuverlässigkeit und die Möglichkeit unerwarteter klanglicher Nuancen sind Teil der Identität des Werks. Wie die Komponistin selbst anmerkt, wäre eine Version für Sopran-Saxofon „zu geschlossen“ gewesen, während das Sopranino die Interpret:innen zwingt, eine zusätzliche Schwierigkeit zu durchqueren – ein „Singen durch Steine“.

Diese Konstellation ist besonders bedeutsam in einem Instrument, das trotz seiner Entwicklung im 19. Jahrhundert erst spät und nur fragmentarisch in das zeitgenössische Repertoire eingegangen ist. The Last Leaf nimmt heute eine zentrale Stellung in der Literatur für Sopranino ein und trägt zur Definition seiner heutigen Klangidentität bei.

In diesem Sinn erscheint die Schwierigkeit nicht als Problem, das überwunden werden muss, sondern als konstitutiver Teil des Werks. Czernowin entwirft keine geschlossene Klangvorstellung, sondern einen Raum, in dem unterschiedliche Imaginationen des Klangs nebeneinander bestehen können. In meiner Auseinandersetzung mit dem Stück erscheinen manche Gesten als fragil, fast schwebend, während andere eine unerwartete Stabilität entwickeln, als würden verschiedene Zustände des Klangs gleichzeitig existieren, ohne sich in einer einzigen Richtung aufzulösen.

Misura. Obliquo von Pierluigi Billone verschiebt diese Perspektive von der Instabilität des Augenblicks hin zur Dauer körperlicher Anstrengung. Nicht der plötzliche Klangwechsel steht im Zentrum, sondern seine Ausdehnung im Körper des Instruments und des Interpreten. Klang erscheint hier als Ergebnis kontinuierlicher Arbeit am Rand des Möglichen, als eine Form von „Maß“, die sich nicht auf technische Parameter reduziert, sondern über Widerstand, Gewicht und Zeit definiert wird. Das Saxofon wird zu einem Feld, in dem jede Geste eine unmittelbare materielle Konsequenz besitzt.

Beide Werke teilen die Ablehnung der Vorstellung des Instruments als vollständig kontrollierbares und transparentes Medium. Stattdessen erscheint es als ein Ort, an dem Kontrolle, Ungewissheit und physische Realität permanent ineinandergreifen. Aus dieser Perspektive stellt das Programm keinen Gegensatz zweier ästhetischer Positionen dar, sondern eine gemeinsame Frage: wie Klang entsteht, wenn er nicht vollständig fixierbar oder vollständig kontrollierbar ist. In diesem Sinn versteht sich das Programm weniger als Gegenüberstellung zweier Werke, sondern als Annäherung an das Saxofon als ein Instrument im Zustand fortlaufender Transformation.

Juan Moreda ist Saxofonist und spezialisiert auf zeitgenössische Musik. Er entwickelt seine künstlerische Tätigkeit in Wien. Seine Arbeit versteht sich als kontinuierlicher Prozess der Erforschung des Saxofons, mit dem Ziel, dessen klangliche Möglichkeiten, Schreibweisen und szenische Präsenz zu erweitern. Seine künstlerische Praxis basiert wesentlich auf der Zusammenarbeit mit Komponist:innen seiner Generation. Er ist Mitbegründer des Argo Kollektivs, eines Ensembles für zeitgenössische Musik.
Zudem arbeitet er regelmäßig mit Ensembles und Orchestern wie dem ORF Radio-Symphonieorchester Wien und dem Ensemble Kontrapunkte zusammen. Sowohl als Solist als auch im Ensemble hat er zahlreiche Werke bei internationalen Festivals für zeitgenössische Musik uraufgeführt. Seine Ausbildung absolvierte er am Conservatori Superior de Música de les Illes Balears (Spanien), an der mdw (Diplomstudium Saxofon sowie Master in Neue Musik – Ensemble) und an der KUG (Postgraduate PPCM). Parallel zu seiner künstlerischen Tätigkeit unterrichtet er Saxofon an verschiedenen Musikschulen in Wien.



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Dienstag, 1. Dezember 2026 · 19:00 Uhr: MAMKA RECORDS Label Night #02/2026
Gnuth Cirev: Innenansichten
Maja Osojnik (Stimme, Elektronik) & Birgit Kellner (Overheadprojektion, Live-Zeichnung)

Gnuth sagte und dann ich

G: Es geht sich
M: Es geht sich leicht (viel-)
G: nicht aus.
M: AUS. Es geht niemanden an.
G: Papier steckt. Aus-rede
M: Schhhhhhh-neid-en. Sch-er-e.
G: e. eh.
M: Red is gone. Rdeča nit. Strgana.
G: Ge.r.issen. . .. … . . .. … . . .. …. Mravlja M: JETZT – NOW – ZDAJ  G: (z-daj -> mit-gib -> with-give)
M: Tu(e)-s-day-s have given up.
G: the the there is something in-side me
M: sight-seeing
G: Zeige dich.
M: Zeige auf dich. In. Insides.
G: Alles ____ als. Lieber. Leber.
M: Aug und Ohr. Oko in uho. Eye and Ear.
G: eery heart. Oh my, …
M: my heart is a powerful machine.
G: tk tk tck tick ick ck k
M: ge-Fund-en
M: im Gleich-Gewicht ssssssssssss G: Organ ver-bogen (el-bogen) –
M: au
G: aua
M: autsch
G: auuuuuu
M: ough
G: tough
M: wanna cookie?
G: ?
M: ?
G: ver-steckt, ver-loren
M: ver-borgen, ver-lassen, ver-
G: ver-lesen
M: ver- lass mich. lese mich. encyrpted.
G: htung
M: haltung
G: halt teil-chen
M: mehr gibt es nicht
G: mich gibt es nicht
M: vergraben unter einer Ansammlung der Zettel TO DO
G: unter dem D.RUCK – den Schädel zer-brech-en.
M: ich bin noch doch immer da
G: FIN.st.er
M: Die Welt drängt sich auf (gel.esen) G: ALSO
M: schredden. schredde. schredd. schred. schre. schr. sch.

(maja osojnik, 2026)


Maja Osojnik arbeitet als Sängerin, Komponistin, elektroakustische Improvisationsmusikerin, Klangkünstlerin und Produzentin und bedient sich dabei vor allem der Stimme, Paetzold-Bassblockflöten, Feldaufnahmen, DJ-CDs, Tonbändern und anderen Lo-Fi-Elektrogeräten, Spielzeug, Abfall und Fundstücken. Im Spannungsfeld zwischen analoger und digitaler Kunst, virtuellen und realen Räumen versucht sie, das Klangspektrum der genannten Instrumente zu erweitern, zu dekonstruieren und neu zu interpretieren und ihnen neue Rollen zuzuweisen – ein Prozess, der an das Bilden von Anagrammen erinnert. Mit einem Hintergrund in alter, zeitgenössischer und härterer Musik hat Osojnik eine unverwechselbare künstlerische Sprache entwickelt, die Gesang, Noise, experimentelle Komposition und Klangkunst umfasst. Sie schafft elektroakustische Werke, die sich zwischen Zerbrechlichkeit und Kraft, Intimität und Konfrontation entfalten. Kritiker beschreiben ihre Arbeit als düster, poetisch und konzeptionell stringent und bezeichnen das Hörerlebnis häufig als „Kino für die Ohren“. Sie komponiert Musik für Tanz, Theater, Film, Hörspiele, Klanginstallationen und verschiedene Ensembles. Sie tritt international in zahlreichen Formationen auf: zur Zeit mir Rdeča Raketa, The Answer is NO!, DÄ LIVER with Stina Fors, brrrds+y, Klangcomics mit Natascha Gangl und unterrichtet Komposition und Improvisation in Wien und Salzburg. Ihre Arbeit wurde mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet ua Bester Hörstück des Jahres Ö1(ORF), erster Preis beim 9.Berliner Hörspielfestival, beste Film-Musik beim 27.Kinofest Lünen, Förderpreis der Stadt Wien für Komposition, das österreichische Staatliches Kompositionsstipendium, Passticio Preis (Ö1/ORF) ua. Sie ist Gründerin von MAMKA Records, einem Label, das sich der Veröffentlichung hochwertiger, selbst produzierter Tonaufnahmen in kleinen, handgefertigten/gedruckten Auflagen widmet.
https://maja.klingt.org

Birgit Kellner ist freischaffende Theatermacherin und Zeichnerin mit einem Fokus auf genreübergreifende, bildgewaltige Projekte. Als Konzepterin, Ausstatterin, Live-Zeichnerin und Figurenspielerin ist sie gleichermaßen in der Freien Szene wie an etablierten Häusern unterwegs. Sie ist Teil des Leitungsteams des Vereins spitzwegerich, der 2022 mit dem Outstanding Artist Award für darstellende Kunst des BMKÖS ausgezeichnet wurde und 2025 für den NESTROY (Beste OFF-Produktion) nominiert war. 2024 erhielt sie ein Arbeitsstipendium der Stadt Wien und arbeitet aktuell an der Trilogie Fluide – einem Projekt ihres Vereins in Kooperation mit dem Theater am Werk und den Musiktheatertagen Wien. Der Echoraum war Birgit Kellners allererste Station als Live-Zeichnerin: 2015 performte sie hier mit dem Ensemble Platypus „Im Banne der Anderen II“.
https://spitzwegeriche.at/ 


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Dienstag, 8. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Harnik & Lehn · Bhob Rainey


HARNIK / LEHN: Residual Mixtures

Elisabeth Harnik – Klavier
Thomas Lehn – Analogsynthesizer

Elisabeth Harnik und Thomas Lehn haben in den vergangenen zwei Jahrzehnten immer wieder zusammengearbeitet. Sei es in ihrer ersten Begegnung beim Alpenglow Festival, ihr Trio Zeitecht mit der Geigerin Tiziana Bertoncini und jüngst beim Projekt des ensemble]h[iatus, das im Rahmen von Wien Modern im November Harnik’s Auftragswerk Presences and absences uraufführte.

Dass sie nun seit 2022 im Duo arbeiten, überrascht mit Blick auf ihre musikalischen Praktiken keineswegs: Beide haben eine langjährige, je eigene Geschichte mit musikalischer Improvisation in vielfältigsten Projekten. Zugleich verbindet sie eine ausgeprägte Affinität zur Komposition: Harnik als Schreibende, Lehn als Interpret. Das kompositorische Denken und Fühlen hinsichtlich Architekturen, Formverläufen und Materialbewusstsein ihrer in Echtzeit entstehenden und vergehende Werke sind deutlich spür- und mitvollziehbar.

Hinzu kommt eine Vernetzung ihrer Instrumente: der Klavierklang wird über ein Mikrofon in den Synthesizer geleitet und so kommt es zu wechselseitigen Effekten: der Analogsynthesizer moduliert das Klavier, letzteres aber auch die synthesizer-internen Klangparameter. Zudem kommen Lehn’s eigene aufgezeichneten Klavierklänge ins Spiel, was zu rätselhaften Klavier-Spiegeleffekten führt. In Residual Mixtures lassen Harnik und Lehn in einem intimen Dialog sinnliche Hybridklangwelten entstehen.

www.elisabeth-harnik.at
www.thomaslehn.com

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Bhob Rainey is a saxophonist, composer, and improviser. On the saxophone he has developed a distinctive, hallucinatory vocabulary that often sounds electronic, interspersed with an uncanny mastery of multiphonics. In 1998 he co-founded the duo nmperign with trumpeter Greg Kelley, touring extensively while upending a host of improvisational givens. Seeking to bring rigor to improvisation at a larger scale, he later formed The BSC, an eight-piece ensemble that navigated the challenges of group improvisation without relying on predetermined structures or cues. Their work and practices were explored in the 2011 book and album, Manual. Rainey additionally has a long list of collaborators and an especially refined solo saxophone style. He was awarded a Pew Fellowship in the Arts in 2013 for his work in this field.

In the realm of composition, Rainey focuses heavily on heterogenous electroacoustic work, combining sometimes extreme digital synthesis and processing with field recordings, live instruments, and other acoustic sources. He often explores the idea that a „human“ is much more than just the idea of „human“, and much stranger. A SuperCollider „power user“, he is known for his contributions of plugins, algorithmic works such as Peev and These are They, and digital instruments like xynthii and Dumber from Another Mother.

Rainey has long-running, multidisciplinary collaborations, especially in theater and dance. He has worked closely with Whit MacLaughlin / New Paradise Laboratories since 2012, integrating often unsettling music and sound design into their uniquely generative process of developing plays. In 2014, he began working with dancer / choreographer JungWoong Kim, collaborating on both large-scale, site-specific pieces and fully improvised events. Rainey has additionally made music for films and Chinese puppetry.

https://bhobrainey.com


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Freitag, 11. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Aria · Azzarà & Maierhofer-Lischka


ARIA

Carlo Sampaolesi – Akkordeon
Pietro Elia Barcellona – Kontrabass

Programm

P.E. Barcellona & C. Sampaolesi: Ricercare (2026)
Alireza Gholamianoghani: Yadgar (2026)
Francesca Verunelli: In bianco e nero (2021/22)

ARIA is the duo of double bassist Pietro Elia Barcellona and accordionist Carlo Sampaolesi. Though their instruments seem worlds apart, the two voices merge into a single melodic line, one that can surface as a fragile, ethereal breath or erupt in raw, visceral sound. ARIA has collaborated with internationally renowned composers such as Francesca Verunelli, Silver Lion winner at the Venice Biennale, and Simon Steen-Andersen, contributing to the development of new works conceived specifically for the unique combination of double bass and accordion. Alongside its dedication to contemporary music,
ARIA pursues a line of research extending to early and pre-Renaissance repertoire, not as an object of philological reconstruction, but as living material to be reinterpreted. Memories, fragments and practices of the past are traversed and transformed by a contemporary sensibility, in a dialogue where different eras and languages meet. In this field, the duo’s research is grounded in subtle, unstable, constantly changing timbres, in which mutual listening gives rise to a unified sonic organism. Composition, improvisation and reinterpretation coexist in a single process.

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Elisa Azzarà & Margarethe Maierhofer-Lischka (Schallfeld Ensemble)

Elisa Azzarà – Flöten
Margarethe Maierhofer-Lischka – Kontrabass

Programm:

Xue Han: SharpDopPupPipTrip (2019)
Zesses Seglias: lonesingness (2011)
Leonardo Mezzalira: biotope study #1 (UA)
Sinan Samanli: „Mehtab-ı Seher“ (UA)
Luisa Valeria Carpignano: Gschnas (UA)
Juan Sarmiento: Cantares (UA)

Zwischen Atem, Körper, Stimme und Instrument: Das Duoprojekt von Elisa Azzarà und Margarethe Maierhofer-Lischka (beide Mitglieder des Ensemble Schallfeld) erkundet den Rahmen eines Instrumentalduos und spielt mit der Stimmhaftigkeit und Körperlichkeit des Musizierens. Die sechs Kompositionen sind großteils in enger Zusammenarbeit mit den beiden Musikerinnen entstanden und beziehen Atmen, Singen und Sprechstimme als Resonanzräume der Instrumente ein. Theatrale Gesten, Liedfragmente, Naturgeräusche und Körperlaute laden dazu ein, Musikalität neu zu erleben.

Entangling breath, body, voice and instruments, the music of the duo of Elisa Azzarà – flute and Margarethe Maierhofer-Lischka, double-bass, explores the possibilities of instrumental chamber music, playing with the vocality and embodiment of music. The pieces present in the program are created in close collaboration with the performers. They include breath, singing and the speaking voice as resonant spaces of the two instruments into the musical sphere. Theatrical gestures, song fragments, natural sounds and bodily noises invite the listeners to experience musicality in a new way.



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Freitag, 18. Dezember 2026 · 20:00 Uhr: Silent Ektase
Eva Reiter  (Gambe, Kontrabassflöte, Zither, Stimme, FX) & Judith Schwarz (erweitertes Schlagzeug)


Ein zitheriger Trommelfellner
Stickert still und reibert kluge
Am Saitenkörper set drum rum
Und atmet FX im vollen Zuge

Eva Reiter

Born in 1976 in Vienna, she studied recorder and viola da gamba at the University of Music in Vienna and continued both studies at the Sweelinck Conservatory in Amsterdam. In 2006 she completed both master’s degrees cum laude, with a focus on contemporary composition. Eva Reiter works as a musician, composer, lecturer, artistic coordinator and curator. She teaches courses in early music and contemporary composition (ARCO – Art Research and Creation, Marseille; Voix Nouvelles Academy, Royaumont, Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik, Darmstädter Ferienkurse, Vienna Contemporary Composers Festival, among others).

Since 2020 she has been teaching composition at the Music and Arts University of the City of Vienna, where she also heads the course „experimental improvisation practice”. In 2021 she was awarded a comprehensive grant from the City of Vienna for the artistic research project Transforming Instrumental Gestures (until 2024). Since 2024, she has additionally been teaching „ensemble work for composers“ at the Mozarteum Salzburg and became the new associated composer at the composition Cursus of IRCAM in fall 2025. Since 2026 she works as artistic coordinator for the Belgian ensemble Ictus.

Eva Reiter performs as a soloist and with various orchestras, ensembles for early and contemporary music (including ensemble Multilatérale, Klangforum Wien and Ictus – of which she has been a permanent member of since 2015).

Her work as a composer has received multiple awards. Her compositions have been performed at international festivals such as Transit, Ars Musica, ISCM World New Music Festival, generator, Wien Modern, Klangspuren, Aspekte Salzburg, Sommer in Stuttgart, MaerzMusik, musikprotokoll im steirischen herbst, Darmstädter Ferienkurse, Donaueschinger Musiktage, Festival Archipel, Huddersﬁeld Contemporary Music Festival, Musica Strasbourg, Kunstenfestivaldasarts Brussels, and Wiener Festwochen, among others. In the 2019/20 season, Eva Reiter was a resident artist at the Elbphilharmonie Hamburg and at the Wiener Konzerthaus. In 2024 she was co-curator of Klangspuren Tirol.

www.evareiter.net


Judith Schwarz

Born in 1989 in Vienna, Judith Schwarz studied jazz drums at the Anton Bruckner Private University in Linz and at Jazzcampus, University of Applied Sciences Northwestern Switzerland in Basel, where she spent an Erasmus semester. She completed her master’s degree in 2018 and has since been working nationally and internationally as a drummer, composer and bandleader in the fields of jazz and improvised music.

As a musician and composer, Judith Schwarz is active in a wide range of projects, including other:M, chuffDRONE, Beyond the Beat, Mel*E, Little Rosies Kindergarten and PRCDR, her duo with Manu Mayr. As a sideman, she is involved in ensembles and projects such as Gina Schwarz Pannonica Project, Christian Muthspiel’s Orjazztra, Anna Anderluh Trioand the Vienna Improvisers Orchestra. Her artistic collaborations include musicians such as Maria Portugal, Ingrid Jensen, Sylvie Courvoisier, Karin Hammar, Camila Meza, Angelika Niescier and Julia Hülsmann.

Her artistic practice extends beyond the concert context into theatre, dance and interdisciplinary performance. In 2019, she appeared as a soloist in Bastian Kraft’s Burgtheater production Mephisto. Further interdisciplinary collaborations include the international cooperation project Sound Collector (2020), Kran Etüde with Katharina Ernst and Florentina Holzinger (2023), and the performance Make It Count (2024).

Judith Schwarz’s international concert activities have taken her to festivals and venues including Jazz Festival Ljubljana, Jazz & Wine of Peace Festival, Jazzfestival Alto Adige, Jazz in the Native Yards, Moers Festival, Jazztopad, Jazz in the Ruins, Jazz Festival Buenos Aires, Jazzfestival Berlin and Jazzfestival Saalfelden.

Her discography includes numerous releases with her own projects and collaborations. Recent releases include materialwith other:M (Klanggalerie, 2026), PROUD with Mel*E (Jazzwerkstatt Records, 2026), Natascha Gangl/Judith Schwarz(Bureau Le Fou, 2026), PRCDR with Manu Mayr (Klanggalerie, 2025), Du Bleda Bua with Little Rosies Kindergarten(Mandelbaum Verlag, 2024), metamorph with other:M (Klanggalerie, 2023), EXPLORATIONS with Little Rosies Kindergarten (Listen Closely, 2023), as well as Sound Collector by Duo Hofmaninger/Schwarz and Mosaik by chuffDRONE (Ö1 Edition Jazz Contemporary, 2022).

www.judithschwarz.at


