

Echoraum 
 
 
Überblick
Programm November-Dezember 2025
 
 
November 2025
 
 
Freitag, 7. November 2025 · 19:00 Uhr: Endless Breakfast · HMZ + Bertoncini
Mariá Portugal (Schlagzeug, Stimme) / Paula Sanchez (Cello, Stimme, Elektronik) / gabby fluke-mogul (Violine, Stimme, Elektronik) · Carl Ludwig Hübsch (Tuba, Objekte) / Pierre-Yves Martel (Synthesizer) / Philip Zoubek (präpariertes Klavier, Synthesizer) / Tiziana Bertoncini (Violine) · eine Koproduktion mit Wien Modern 
 
Donnerstag, 13. November 2025 · 20:00 Uhr: Bruine
Michael Thieke (Klarinette, Lautsprecher) / Tom Malmendier (Perkussion, Lautsprecher) / Emilie Škrijelj (Akkordeon, Lautsprecher)
 
Dienstag, 18. November 2025 · 20:00 Uhr:
Garth Erasmus and Broken String Ensemble · So Sner  
Garth Erasmus (Selbstgebaute Saiteninstrumente, Altsaxophon, Stimme) / Ruth May (Viola) / Susanna Gartmayer (Bassklarinette) / Stefan Schneider (Elektronik) / Peter Thiessen (Cello, Modular Synthesizer) · Susanna Gartmayer (Bassklarinette) & Stefan Schneider (Elektronik)
 
Dienstag, 25. November 2025 · 20:00 Uhr: XX Y X: M.O.G. mothers of god 
Katrin Plavčak & Ulrika Segerberg (Live-Elektronik mit Nähmaschinen)
 
 
 
Dezember 2025 
 
 
Mittwoch, 3. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag I)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst  
Ausstellung: Jasna Veličković · Simon Whetham · Kristof Georgen · Volkmar Klien · Evamaria Müller · Peter Ablinger · Konzerte: Jasna Veličković · Simon Whetham
 
Freitag, 5. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag II)  
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Karl Salzmann & Astrid Schwarz (Talk) · Konzert: Klangmanifeste-Team spielt Peter Ablinger
 
Mittwoch, 10. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag III)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Führung durch die Ausstellung
 
Freitag, 12. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag IV)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Konzerte: Angélica Castelló · Zlata Zhidkova
 
Dienstag, 16. Dezember 2025 · 20:00 Uhr: 
Ensemble N: ECO (Liederzyklus von Lorenzo Romano)
Amalie Kjældgaard Kristensen (Violine) / Teresa Doblinger (Klarinette) / Audrey G. Perreault (Flöte) / Luca Lavuri (Klavier) /  Irini Liu (Cello) /  Elīna Viļuma-Helling (Sopran) /  Jon Svinghammar (Dirigent)
 
Donnerstag, 18. Dezember 2025 · 20:00 Uhr: drank: breath in definition
Ingrid Schmoliner (präpariertes Klavier) & Alex Kranabetter (Trompete, Elektronik)
 
 
 

 
Detail
Programm November-Dezember 2025
 
 
November 2025
 
 
Freitag, 7. November 2025 · 19:00 Uhr: Endless Breakfast · HMZ + Bertoncini
Mariá Portugal (Schlagzeug, Stimme) / Paula Sanchez (Cello, Stimme, Elektronik) / gabby fluke-mogul (Violine, Stimme, Elektronik) · Carl Ludwig Hübsch (Tuba, Objekte) / Pierre-Yves Martel (Synthesizer) / Philip Zoubek (präpariertes Klavier, Synthesizer) / Tiziana Bertoncini (Violine) · eine Koproduktion mit Wien Modern 
 
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Ticketpreise: 11 – 22 € (ermäßigt U30) | 5 € mit Festivalpass
Ticketvorverkauf: https://ticket.wienmodern.at/de/buyingflow/tickets/14828/22100/
Restkarten an der Abendkassa | Jahreskarteninhaber:innen des echoraum erhalten freien Eintritt.
 
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ENDLESS BREAKFAST
 
Mariá Portugal (Schlagzeug, Stimme) 
Paula Sanchez (Cello, Stimme, Elektronik) 
gabby fluke-mogul (Violine, Stimme, Elektronik)
 
Born from collective joy and radical vision, drummer Mariá Portugal, cellist Paula Sanchez, and violinist gabby fluke-mogul indulge in a convergence of improvisation and composition—a union of three forces, like three lava flows. Together in movement, they sink deep into explosive overflows of raw energy. It is the eroticism of life in motion: an overflow of laughs, or a breakfast that never ends. With an expansive alchemy, Endless Breakfast is committed to serving the spirit of the music relentlessly—where sound, sensation, and spontaneity melt into one continuous eruption of presence.
 
gabby fluke-mogul is a Brooklyn-based violinist, improviser, composer, educator, organizer, and doula. Weaving within experimental threads of improvised music, their playing has been described as “embodied, visceral and virtuosic” and “the most striking sound in improvised music in years”. On their 2022 solo release from Relative Pitch Records, Best of Jazz notes, „LOVE SONGS is graspable within its very first seconds of play. It has a rare density…infinitely beautiful and magnificently poignant.“ gabby is humbled to have collaborated with Nava Dunkelman, Joanna Mattrey, Ava Mendoza, Charles Burnham, Fred Frith, Luke Stewart, Zeena Parkins, Tcheser Holmes, Lotte Anker, Susana Santos Silva, Dave Rempis, Lily Finnegan, Nate Wooley, Lester St. Louis, William Parker, Dimos Vryzas and Pauline Oliveros among many other musicians, poets, dancers and visual artists. gabby has toured throughout the U.S. and Europe, with performances at Cafe OTO (London), Calouste Gulbenkian Foundation (Lisbon), Curva Minore (Palermo), Stadtgarten (Cologne), Constellation (Chicago), Schl8hof (Wels), Pulitzer Arts Foundation (St. Louis), Roulette (Brooklyn), The Stone (Manhattan), the Lab (San Francisco), and Temescal Arts Center (Oakland). https://www.flukemogul.com
 
The Brazilian drummer, singer, composer, and producer Mariá Portugal has been active in the São Paulo music scene for more than 20 years. After being invited to be the 13th Improviser in Residence at Moers Festival in 2020, she stayed in Germany and made the country her new home. She has recorded, performed, and toured across South America, Europe, Asia, and Oceania with artists such as Elza Soares, Arrigo Barnabé, Metá Metá, Pato Fu, Fernanda Takai, Maggie Niccols, Anthony Braxton, Fred Frith, Joe McPhee, Angelika Niescier, John Edwards, Nick Dunston and Tomeka Reid. As a composer, she has created and performed original music for dance, theater, and cinema. Her latest album is 1976 (2023), the original soundtrack for the award-winning film by Manuela Martelli, as well as her Brazilian band Quartabê’s latest album, Repescagem (2024). Since 2021, she has been the curator of Soundtrips-NRW in Duisburg and of TOMA CHOCOLATE! concert series at Sowieso, in Berlin. https://www.mariaportugal.com/
 
Situated in the intersections of experimental music, free improvisation and performance art, Paula Sanchez’s work focuses on the composition/decomposition of a mutable sound space. With a markedly interdisciplinary profile, she found her first voice as a performer and composer in the fields of theater and performance art. She completed her musical studies of Violoncello at the University of San Juan Argentina. Later she earned two Master’s Degrees—in Improvisation at the Musik Akademie in Basel, and in Contemporary Art Practice/Sound Art at Bern University of Arts in Switzerland. Since 2018 she has been active in contemporary music and improvisation circles in Europe, participating in numerous concerts and projects in Switzerland, France, Germany and Spain. She stands out for her use of extended techniques and unconventional ways of playing, working with materials like plastic, glass and elements from nature combined with voice and electronics. Hers is the pure presence of an embodied  sound which invents its relationships as it makes its way into nothingness. https://mme-sanchez.bandcamp.com/
 
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HÜBSCH MARTEL ZOUBEK + BERTONCINI
 
Carl Ludwig Hübsch (Tuba, Objekte) 
Pierre-Yves Martel (Synthesizer) 
Philip Zoubek (präpariertes Klavier, Synthesizer) 
Tiziana Bertoncini (Violine)
 
Seit ihrer ersten Begegnung im Jahr 2012 arbeiten Carl Ludwig Hübsch (Tuba und Objekte), Pierre-Yves Martel (Viola da gamba und Mundharmonika) und Philip Zoubek (präpariertes Klavier) kontinuierlich an einer gemeinsamen musikalischen Sprache. Als Trio HÜBSCH MARTEL ZOUBEK erschließen sie sich ein weites klangliches Spektrum durch ungewöhnliche Instrumentierung, präzise Interaktion und ein tiefes Verständnis für spontane musikalische Form.
 
Ihre Musik verbindet feine Klangtexturen mit spontan entstehenden, dennoch klar strukturierten Verläufen. Oft erinnert sie an die konzentrierte Stille zeitgenössischer Kompositionen seit John Cage – und bleibt dabei doch dem unmittelbaren Moment der Improvisation verpflichtet. Vier CDs (June 16, Drought, Otherwise, Ize) dokumentieren ihre kontinuierliche klangliche Forschung. Für die Europa-Tournee im November 2025 erweitert sich das Trio zur Quartettformation mit der in Wien lebenden Geigerin Tiziana Bertoncini. Sie teilt mit dem Trio die Vorliebe für präzise, im Augenblick entstehende Musik, in der sich akustische und elektronische Klänge durchdringen. Das Quartett lässt Raum und Zeit wirken – mit Klarheit, Spontaneität und einer Leichtigkeit, die sich dem Zuhörenden in vielschichtigen Klangräumen erschließt. https://www.philipzoubek.com/projekte/hubsch-martel-zoubek
 
Tiziana Bertoncini absolvierte Studiengänge in Violine und Malerei. Sie arbeitete als Interpretin in Orchestern und Kammermusikensembles. Seit vielen Jahren gilt ihr Interesse der zeitgenössischen Musik und Improvisation. Ihre Arbeit entwickelt sich aus der Interpretation und Improvisation, zu Komposition und in Zusammenarbeit mit Künstler*innen anderer Medien. Generell gilt ihr Interesse der Synthese und Kreuzung visueller Elemente und Musik. Sie war zu Gast bei einer Vielzahl internationaler Festivals, hat bei Tanz-, Theater-, Video- und anderen Multimediaprojekten mitgewirkt und maßgeblich zu deren musikalischer Gestaltung beigetragen. Ihr Solowerk umfasst Kompositionen, Performances und Installationen, die auf Festivals, im Radio und bei Wettbewerben präsentiert und ausgezeichnet wurden. Sie ist Mitglied von ensemble]h[iatus, das sich mit Interpretation und Improvisation beschäftigt. Sie war Stipendiatin des Bridge Guard Residential Art Science Centre Štúrovo (Slowakei), von AIR Krems, des Centre national de création musicale (Césaré) Reims, des Künstlerhaus Eckernförde und von GEDOK Schleswig-Holstein in Lübeck.
 
Carl Ludwig Hübsch, Komponist und Musiker (Tuba, Stimme u.a.m.). Carl Ludwig Hübsch komponiert für kleine und grosse Besetzungen Improvisierter oder Neuer Musik. Er ist als Tubist ein im In- und Ausland gefragter Improvisierer und Interpret. Hübsch spielt/e Konzerte Improvisierter- , Neuer- oder jazzartiger Musik mit vielen bekannten und unbekannten Meistern dieser Genres. Zahlreiche Radio- und CD-Produktionen sowie Theatermusikkompositionen. Konzertreisen fast überallhin. Stipendien in der Schweiz, Kanada, Österreich und in den USA. Preisträger „Jazzpott“ (Essen), SWR New JazzMeeting 2012, Komponist Einsiedler Welttheater 2013, Erfinder/ Kurator der Plattform Nicht Dokumentierbarer Ereignisse Hübsch forscht über Improvisation und veröffentlicht Bücher oder Blogs. Er gibt seit Jahren regelmässig Kurse in freier Improvisation. Aktuell (Auswahl): Hübsch/Schubert/Hemingway, HÜBSCH MARTEL ZOUBEK, Hübsch|Minton, Werckmeister, Ensemble X/COUNTER-POLE, ensemble]h[iatus, Multiple Joy[ce] Orchestra und andere mehr. www.huebsch.me
 
Philip Zoubek (*1978 in Tulln / Österreich) lebt und arbeitet als Pianist und Komponist in Köln. Philip Zoubek (geb. 1978 in Tulln, Österreich) lebt und arbeitet als Pianist, Komponist und Klangforscher in Köln. Er zählt zu den profiliertesten Stimmen der europäischen Szene für improvisierte und aktuelle Musik. Zoubek ist bekannt für sein experimentelles Spiel am präparierten Klavier und seine Arbeit an der Schnittstelle zwischen akustischem und elektronischem Klang. 2008 wurde er mit dem Horst-und-Gretl-Will-Stipendium der Stadt Köln ausgezeichnet, 2020 erhielt er den WDR Jazzpreis in der Kategorie Komposition. Von 2020 bis 2023 war er NICA-Stipendiat am Europäischen Zentrum für Jazz und aktuelle Musik. Er ist Gründungsmitglied des Kölner Improvisationskollektivs Impakt und kuratiert seit 2017 die Konzertreihe „Facetten“ im LOFT Köln. Zoubek trat bei renommierten Festivals und Spielstätten auf, darunter das Jazzfestival Berlin, das Moers Festival, das Jazzfestival Saalfelden, das Ulrichsberger Kaleidophon, das Konzerthaus Wien und die Philharmonie Luxemburg. Zu seinen musikalischen Partnerinnen und Partnern zählen unter anderem Tony Buck, Wilbert de Joode, Louis Sclavis, Paul Lovens, Xavier Charles, Tom Rainey und Jozef Dumoulin. Philip Zoubek ist Gründungsmitglied des Kölner Kollektivs für Improvisation & Aktuelle Musik Impakt. https://www.philipzoubek.com/
 
Pierre Yves Martel. Apart from his work with Hübsch Martel Zoubek, he has released over 30 albums, collaborating with experimental artists such as Kim Myhr, Jim Denley, Magda Mayas, Mathias Müller, Philippe Lauzier, and Xavier Charles, as well as with the world and early music ensemble Constantinople. Over the past decade, he has also composed music for numerous documentary films. Since 2005, he has released over 30 albums, collaborating with experimental artists such as Kim Myhr, Jim Denley, Magda Mayas, Mathias Müllar, Philippe Lauzier, and Xavier Charles, as well as with the world and early music ensemble Constantinople. Over the past decade, he has also composed music for numerous documentary films. https://pymartel.com/ 
 
 
 
 
 
Donnerstag, 13. November 2025 · 20:00 Uhr: Bruine
Michael Thieke (Klarinette, Lautsprecher) / Tom Malmendier (Perkussion, Lautsprecher) / Emilie Škrijelj (Akkordeon, Lautsprecher)
Bruine
Michael Thieke (Klarinette, Lautsprecher) Tom Malmendier (Perkussion, Lautsprecher) Emilie Škrijelj (Akkordeon, Lautsprecher)
Bruine is between the concert and the sound installation. It is a question of extending the instruments using several loudspeakers of different natures, like the diffusers of the “ondes Martenot”, chosen and manufactured to color, alter and filter the instruments. Each instrument will be connected to several loudspeakers placed into the objects on the floor. The loudspeaker device offers different distinct listening points which disturb the acoustic/amplified relationship according to the disposition of the listener causing effects of multiphony, fragmentation and saturation.
Michael Thieke is a Berlin-based clarinetist, composer and performer who likes to travel between many musical environments. His work is situated in the careful exploration of sound and tone, with a particular interest in micro-tonality and related sonic phenomena and a preference for long-term collaborations and collective projects. His concerts and tours have taken him throughout Europe, Asia and America and his music is audible on more than 50 records. http://www.michael-thieke.de/
For Tom Malmendier, improvisation naturally imposes itself as a central point of all his musical research. He claims an interest in transdisciplinary projects and multiplies encounters with dancers, visual artists, poets. https://www.tomalmendier.com/
Emilie Škrijelj explores the accordion in its smallest folds and uses it both as a percussion instrument and a generator of electroacoustic materials. Inspired by her research around the turntable, modular synths and field recording, she brings the accordion to the abstract territory of electronics by manipulating the bellows, rubbing its contours and exploring its extremities. https://www.emilieskrijelj.com/
Emilie Škrijelj & Tom Malmendier, musician and visual artists based in France developed several projects together as the free-improv duo ”Les Marquises”, several trios with Mike Ladd or Otomo Yoshihide, the video series of sound performances in situ ”Presque île” and the micro-label ”eux sæm”.
 
 

 
Dienstag, 18. November 2025 · 20:00 Uhr:
Garth Erasmus and Broken String Ensemble · So Sner 
Garth Erasmus (Selbstgebaute Saiteninstrumente, Altsaxophon, Stimme) / Ruth May (Viola) / Susanna Gartmayer (Bassklarinette) / Stefan Schneider (Elektronik) / Peter Thiessen (Cello, Modular Synthesizer) · Susanna Gartmayer (Bassklarinette) & Stefan Schneider (Elektronik)
 
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Garth Erasmus and Broken String Ensemble
Garth Erasmus (Selbstgebaute Saiteninstrumente, Altsaxophon, Stimme) Ruth May (Viola) Susanna Gartmayer (Bassklarinette) Stefan Schneider (Elektronik) Peter Thiessen (Cello, Modular Synthesizer)
Garth Erasmus is an artist and musician based in Cape Town, South Africa. THRENODY FOR THE KHOISAN is his first album under his own name. Since 1985 his artistic interests have broadened to include music-making, designing and making his own instruments based on indigenous Khoisan knowledge. From 1999 to 2012 he was a member of the South African First Nation activist group Khoi Khonnexion. In the past couple of years Garth Erasmus has also been a pivotal part of various international performance pieces and exhibition projects which brought him regularly to Europe. Most of these activities were developed and performed in collaboration with the Hamburg based band Kante and his band Khoi Khonnexion. In April 2024 Garth Erasmus will be part of the group exhibtion ‚Oscillations“ at Akademie der Künste, Berlin.
His works in music are predominantly characterized by a restless quest for alternative forms of expression and materials including self build instruments, field recordings or various electronic music devices. In this context the music on THRENODY FOR THE KHOISAN takes on a primal and metaphorical meaning. Rather than a formal, physical initiation, this process is more spiritually inclined, yet it is a spirituality which is consistently put into action.. “Ever since I was an art student I have experimented with alternative materials to release me from the Western education values I received. When I started to make my own instruments in the 1980s, my intention was to create art objects but when I discovered the sound they made, it unlocked a door that transported me deeper in my quest in the realization that I was on the right path.“ In fact all instruments which appear on THRENODY FOR THE KHOISAN are products of a process of discovery starting from square one. All this is based and founded on the beauty of simplicity and minimalism as symbolized by the single string Khoisan musical bow and arrow as trance musical instrument. In this sense it soon became manifest for Garth Erasmus to combine the bow instruments with various electronic instruments. Besides developing his own unique language in music he also shared an expressed interested in experimental sound aesthetics, Avantgarde composition and Free Jazz. However, his non – academic approach towards sound and music was always fueled by the desire for a reconnection to the land and to the indigenous knowledge of the Khoisan, whose struggle for First Nation status continues.
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So Sner: The Well
Plattenpräsentation
Susanna Gartmayer (Bassklarinette) & Stefan Schneider (Elektronik)
The Well ist das zweite Album des Duos So Sner, bestehend aus der Wiener Bassklarinettistin Susanna Gartmayer und dem Düsseldorfer Elektroniker Stefan Schneider. Das Album wurde über einen Zeitraum von fast zwei Jahren in verschiedenen Studios und Räumen aufgenommen und spiegelt die ausgedehnten Tourneen von So Sner durch Europa wider.
So wurde So Sners von der Kritik hochgelobtes Debütalbum REIME (TAL26, 2022) für seine innovative Verschmelzung von Bassklarinette und elektronischen Klängen auf unerwartete und überraschende Weise gefeiert. Mit The Well erkundet das Duo sowohl fließende als auch dissonante Klanglandschaften und stellt sich verschiedenen strukturellen und klanglichen Herausforderungen. Das Ergebnis sind ruhigere, introspektivere Kompositionen, als viele vielleicht erwartet hätten. Das Album ist ein Statement zweier selbstbewusster Kollaborateure, die auf ihre eigene Art und Weise komplexe, räumliche musikalische Momente schaffen.
Die Musik auf The Well erzeugt eine Vielzahl von Effekten, die konventionelle Gegensätze wie handgespielt versus programmiert, Komposition versus Improvisation oder analog versus digital überwinden. Das Album suggeriert eine Neuartikulation dieser Kategorien, indem es den zehn Tracks erlaubt, eine musikalische Idee allmählich in eine andere und einen Musiker in eine anderen zu überführen, und zwar in einer kreisförmigen und komplementären Weise. Die polymetrischen Permutationen und explorativen Rohrblatt-Komponenten schaffen eine Klanglandschaft, in der alle Elemente harmonisch koexistieren, ohne sich gegenseitig zu beeinträchtigen oder zu vermindern. Mit seiner kargen Klangarchitektur lädt The Well die Zuhörer in einen Raum effektiver Leere ein, der Raum für die Erkundung von Geist und Körper bietet – eine Klanginsel, auf der man durch geduldige Bewegung Sinnlichkeit entwickeln kann.
Für So Sner ist die Live-Performance eine Leidenschaft des Geistes, und seit sie im Jahr 2020 begonnen haben, zusammenzuarbeiten, hat ihre Musik sie an viele verschiedene Orte geführt. Die Live-Erfahrung hat die aufgenommene Musik auf diesem Album stark beeinflusst, wobei das Zusammenspiel zwischen Live-Performance und Studioarbeit ihren kreativen Prozess beeinflusst. The Well fängt den authentischen Akt der Erkundung neuer Territorien ein und dient als Speicherort für die Zeit und den Raum, die das Duo miteinander geteilt hat, indem es ihre Erfahrungen von gemeinsamen Auftritten und Reisen neu filtert.
Susanna Gartmayer ist seit Anfang der 2000er als Musikerin und Komponistin auf diversen Feldern der Experimentalmusik aktiv und spielt in vielen Projekten für improvisierte und organisierte Musik – zb GBK (Gleichbehandlungskommission), The Vegetable Orchestra, Black Burst Sound Generator, möström u.v.A. Seit 2015 organisiert sie im Trio-Kollektiv die wöchentliche „Monday Improvisers Session“ im Wiener Celeste.
Neben seinem Solo-Projekt Mapstation verfolgt der Düsseldorfer Musiker und Produzent Stefan Schneider, vormals aktiv in den Bands Kreidler und To Rococo Rot, seit über 20 Jahren in zahlreichen Kollaboration mit u.a. mit Hans- Joachim Roedelius, Sofia Jernberg oder der bildenden Künstlerin Katharina Grosse freistehende Pfade der experimentellen Musik im Hier und Jetzt.
https://sosner.bandcamp.com/album/the-well https://www.talmusic.com/ https://gartmayer.klingt.org/
 
 
 
 
 
Dienstag, 25. November 2025 · 20:00 Uhr: XX Y X: M.O.G. mothers of god 
Katrin Plavčak & Ulrika Segerberg (Live-Elektronik mit Nähmaschinen)
 
M.O.G. (MOTHERS OF GOD)
With contact-microphones and loopers they improvise on sewing machines.
Recording sounds, building beats.
Singing and rapping about wild animals, money and no money, surfing and no shadow.
Katrin Plavčak und Ulrika Segerberg sind M.O.G. (Mothers of God) Mit Kontakt-Mikrophonen und Loopern improvisieren die beiden am liebsten auf Nähmaschinen mittleren Baujahrs, weil diese über ein gutes Klangpotential verfügen. Die Geräusche und Sounds der Geräte werden live aufgenommen und anhand des Loopers in die gleiche Zeiteinheit gebracht. Die so entstehenden Polyrhythmen können kein zweites mal reproduziert werden und sind deswegen auch für die beiden Musizierenden immer wieder eine Überraschung.
Ulrika Segerberg singt und rappt auf Deutsch, Schwedisch und Englisch über diese Klangkulisse, Katrin Plavčak steuert stimmlich Tiergeräusche bei. Die Stücke handeln über abenteuerliche Motorrad-Austritte, über Geld und kein Geld haben und die Gefahr, dass uns der Schatten genommen wird. In dem Song ED GEHT bewegt sich Ed wie ein Cliffhanger am Rand der Dinge.
There will be no shadow for you!
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XX Y X ist eine von Michaela Schwentner / Verein flor* kuratierte, monatlich an verschiedenen Orten stattfindende Reihe. *flor – verein zur förderung gender- und diversityrelevanter spartenuebergreifender kunstproduktion http://www.jade-enterprises.at http://flor.skin/de/
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Dezember 2025
 
 
Mittwoch, 3. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag I)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst  
Ausstellung: Jasna Veličković · Simon Whetham · Kristof Georgen · Volkmar Klien · Evamaria Müller · Peter Ablinger · Konzerte: Jasna Veličković · Simon Whetham
 
Freitag, 5. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag II)  
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Karl Salzmann & Astrid Schwarz (Talk) · Konzert: Klangmanifeste-Team spielt Peter Ablinger
 
Mittwoch, 10. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag III)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Führung durch die Ausstellung
 
Freitag, 12. Dezember 2025 · 19:00 Uhr: KLANGMANIFESTE 2025 (Tag IV)
Aura und Fetisch – Das Ding in der Klangkunst 
Konzerte: Angélica Castelló · Zlata Zhidkova
 
KLANGMANIFESTE 2025
AURA UND FETISCH – Das Ding in der Klangkunst
Mit Pierre Schaeffer und der musique concrète wurde unter dem Begriff „sound object“ der Klang selbst zum Objekt erklärt und vom erzeugenden Klangkörper getrennt. Dennoch ist die Verbindung zwischen Klang und (Klang)körper bis heute und vielleicht gerade heute wieder durchaus präsent in der Klangkunst.
Von Luigi Russolos Klangmaschinen über kinetische Klangobjekte und skulpturale Lautsprecher-Formationen bis hin zu körperbezogenen Musik-Interfaces zeitgenössischer Performer*innen – das Objekt und der Körper werden als Klangproduzenten, aber darüber hinaus als wesentlicher Teil des Kunstwerkes wahrgenommen. Manche Objekte oder Instrumente erlangten Kultstatus und Fetischcharakter: die Vinylschallplatte, bestimmte Lautsprecher oder Synthesizer scheinen als wiederkehrende Motive mit Dingcharakter eine besondere Aura zu besitzen. Gleichzeitig wird ein Werk der Klangkunst durch seine Objekthaftigkeit den Mechanismen des Kunstmarktes unterworfen.
Wir befragen mit den Klangmanifesten 2025 – Aura und Fetisch das Ding/Objekt und seine aktuelle Rolle in der zeitgenössischen Klangkunst. Von der elektromagnetischen Aura der Lautsprecher und Tonabnehmer über die taktile Materialität sensorbasierter Sound-Interfaces im zeitgenössischen Instrumentenbau bis hin zu den problematischen Produktionsbedingungen von Technologien und Produkten in der elektronischen (Klang)kunst, thematisieren wir das Objekthafte in der Klangkunst in Bezug auf seine Geschichte, Wirkung und Position im aktuellen Diskurs.
Ausstellung mit Arbeiten von Jasna Veličković · Simon Whetham · Kristof Georgen · Volkmar Klien · Evamaria Müller · Peter Ablinger 
 
Klangmanifeste-Team: Christine Schörkhuber, Stefan Voglsinger, Ulla Rauter, Veronika Mayer  
Mehr Informationen: klangmanifeste.klingt.org
 
PROGRAMM
 
TAG I: Mittwoch, 3. Dezember 2025
19:00 Uhr: Ausstellungseröffnung
Konzerte: Jasna Veličković · Simon Whetham
 
TAG II: Freitag, 5. Dezember 2025 
19:00 Uhr: Karl Salzmann & Astrid Schwarz (Talk)
Konzert: Klangmanifeste-Team spielt Peter Ablinger (mit freundlichem Dank an Zeitvertrieb)
 
TAG III: Mittwoch, 10. Dezember 2025
19:00 Uhr: Führung durch die Ausstellung
 
TAG IV: Freitag, 12. Dezember 2025
19:00 Uhr: Finissage
Konzerte: Angélica Castelló · Zlata Zhidkova
 
 
 
 
 
 
 
Dienstag, 16. Dezember 2025 · 20:00 Uhr: 
Ensemble N: ECO (Liederzyklus von Lorenzo Romano)
 
Ensemble N: ECO
 
Liederzyklus von Lorenzo Romano
 
Amalie Kjældgaard Kristensen (Violine) / Teresa Doblinger (Klarinette) / Audrey G. Perreault (Flöte) / Luca Lavuri (Klavier) / Irini Liu (Cello) / Elīna Viļuma-Helling (Sopran) / Jon Svinghammar (Dirigent)
 
Lorenzo Romanos Eco ist ein abendfüllender Liederzyklus, der den westlichen Konzertsaal in eine Resonanzkammer – einen Echoraum – verwandelt, in der Stimmen, fern in Zeit, Geografie und Tradition, durch die musikalische Sprache des Komponisten verstärkt und neu gerahmt werden.
 
Im Zentrum von Romanos Werk steht die Praxis des Reworkings (Überarbeitens), die hier die Form einer Nachhallbewegung annimmt. Drei Bearbeitungen von Arien der italienischen Komponistin Barbara Strozzi (1619–1677) treten in einen Dialog mit acht neu komponierten Liedern, in denen italienische Übersetzungen von Gedichten palästinensischer Dichter wie Mahmoud Darwish, Hend Joudah, Naima Hassan, Dareen Tatour, Marwan Makhoul, Yahya Ashour und Fatena al-Ghorra vertont werden. Eco lässt so die zu oft ungehörte Musik einer italienischen Komponistin des 17. Jahrhunderts auf die lebendigen Stimmen von Dichter:innen aus Gaza, dem Westjordanland und Israel treffen – Stimmen, die die Kraft der Poesie gegen den Schrecken des Krieges behaupten.
 
Romanos kompositorischer Ansatz beansprucht weniger Autorschaft, als dass er Resonanz anbietet. Der Komponist wird zugleich Mikrofon und Megafon, sammelt Klänge, Worte und Geschichten, die man in einem westlichen Konzertsaal kaum je zu hören bekommt, und gibt sie – verwandelt durch seine eigene Hörerfahrung, geprägt von der Perspektive eines europäischen Komponisten – ins öffentliche Ohr zurück. In diesem Akt verleiht Eco Äußerungen, die Gefahr laufen, ungehört zu bleiben, Raum, Lautstärke und Würde.
 
Das Publikum ist eingeladen, nicht nur zuzuhören, sondern zu bezeugen, wie Musik zu einem Gefäß von Erinnerung und Weitergabe werden kann: ein Akt des Hörens, der Musik zu einem Schutzraum macht und den Konzertsaal zu einem Ort des Zeugnisses.
 
 
Das ensemble N hat sich, seinem Namen entsprechend, einer Mission verschrieben: die Musik unserer Zeit auf höchstem Niveau erlebbar zu machen und einem möglichst breiten Publikum zugänglich zu präsentieren. Seit seiner Gründung 2018 besteht das Ensemble aus sechs herausragenden Musikerinnen, die sich an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien gefunden haben. Mit unbändiger Neugier und Innovationsgeist widmen sie sich nicht nur dem etablierten zeitgenössischen Repertoire, sondern setzen auch ein starkes Zeichen für die Musik von morgen, indem sie Werke junger, aufstrebender Komponistinnen zur Uraufführung bringen. Die Leidenschaft für das Entdecken und Erforschen bisher ungehörter Klangwelten treibt das Ensemble dabei kontinuierlich an.
 
Bereits zahlreiche renommierte Spielstätten und Festivals in Wien zählen zu den Schauplätzen ihrer eindrucksvollen Auftritte: vom Instituto Cervantes über die Universität für Musik und darstellende Kunst Wien bis hin zu Echoraum, Alte Schmiede, Mi Barrio, Sisi-Kapelle, Kultursommer Wien und „shut up and listen“. Internationale Resonanz folgte auf dem Fuße: mit Konzerten an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin und beim Bernaola-Festival im Musikkonservatorium Vitoria-Gasteiz erobert das ensemble N auch die Bühnen Deutschlands und Spaniens. Ihre künstlerische Exzellenz wurde mehrfach ausgezeichnet: Beim Pergamenschikow-Wettbewerb 2022 erhielten sie sowohl den renommierten Boris-Pergamenschikow-Preis als auch den Sonderpreis für einen Kompositionsauftrag – ein Beleg für ihre herausragende Innovationskraft und ihr unverwechselbares musikalisches Profil. https://www.ensemble-n.at/
 
Lorenzo Romano (1985) arbeitet und lebt im Berlin. Seine Werke werden mittlerweile von renommierten InterpretInnen aufgeführt, wie z.B. Neue Vocalsolisten, Ensemble Recherche, Quartetto Prometeo, Schallfeld Ensemble, Donatienne Michel-Dansac, Antonio Politano, außerdem werden seine Werke auf internationalen Festivals und Institutionen in Deutschland (Darmstadt Ferienkurse, Hamburgische Staatsoper), Italien (Biennale Venedig, Nuova Consonanza), Frankreich (Royaumont) und Österreich (Graz Oper, impuls, Klangspuren, Wien Modern), Estland und Kroatien gehört. Seine Kompositionen werden von der Ernst von Siemens Musik Stiftung, dem Bundeskanzleramt Österreich und dem europäisches Programm “Youth in Action” gefördert und gewannen Auszeichnungen bei verschiedenen internationalen Kompositionswettbewerben. Der italienische Komponist wurde in Florenz geboren, wo er zunächst einen Bachelor in “Neuere Geschichte” an der Università degli Studi di Firenze erhielt, bevor er Komposition in Florenz, instrumentale Komposition bei Beat Furrer sowie Computer-Musik an der Universität der Musik und darstellende Kunst Graz studierte. In Graz gründete er 2013 auch das Schallfeld Ensemble. Im Jahr 2018 erhielt er das Kompositions- und Promotionsstipendium, das die Claussen-Simon-Stiftung, die Hamburgische Staatsoper und das Institut für kulturelle Innovationsforschung der Hochschule für Musik und Theater (HfMT) Hamburg gemeinsam ausgeschrieben haben. Seine Dissertation „Rework: embedding the creative processes of Remix in the chamber opera „La Luna“ wurde mit Summa cum laude bewertet. Ein besonderes Anliegen in seiner Arbeit ist die Bearbeitung und der Remix bekannter Kompositionen in Verbindung mit neuen Technologien. Sein Schaffen als Komponist umfasst Instrumental- und Solowerke, elektronische Musik, Musiktheater sowie Ballettmusik.
 
Elīna Viļuma-Helling ist eine lettische Sängerin mit Lebensmittelpunkt in Wien, die sich mit besonderer Leidenschaft der zeitgenössischen und improvisierten Musik widmet. Ihr Solo-Debüt gab sie 2024 im Wiener Konzerthaus mit dem Klangforum Wien unter Beat Furrer. Im April 2025 verkörperte sie die Rolle der Mauricia in der Uraufführung von Furrers neuer Oper am Opernhaus Zürich. Als Sopranistin des Ensembles Cantando Admont ist sie seit 2018 international gefragt. Auftritte führten sie u.a. zu den Salzburger Festspielen, ans Teatro Colón in Buenos Aires und ins Concertgebouw Amsterdam.
 
 
 
 
 
Donnerstag, 18. Dezember 2025 · 20:00 Uhr: drank: breath in definition
Ingrid Schmoliner (präpariertes Klavier) & Alex Kranabetter (Trompete, Elektronik)
 
Ingrid Schmoliner and Alex Kranabetter are pillars of the improvised and experimental music scenes in Austria stretching back more than a decade. Although the former is known primarily as a pianist and vocalist and the latter as a trumpeter, they both possess seriously expansive sonic palettes. Schmolinger works rigorously with sound direction to generate vibrant psychoacoustic and spatialized effects, while Kranabetter routinely deploys electronics to radically transform and expand his sound worlds in solo and collaborative settings. Perhaps no single endeavor captures the full splendor of their aesthetic tendencies like their duo drank, which will release its stellar debut recording Breath in Definition on Trost in April 2025. The album includes guest appearances by the remarkably versatile drummer Lukas König and Soap&Skin (aka Anja Franziska Plaschg).
 
In recent years Schmoliner has gained attention for a growing number of projects, whether improvising with the singular Chicago percussionist Hamid Drake, playing with GRIFF—a sound-sculpting trio Berlin-based percussionist Emilio Gordoa and bassist Adam Pultz Melbye, where her knack for translating furiously percussive, minimalist gestures hits with visceral intensity—or developing a potent duo called Nabelóse with French horn player Elena Kakaliagou. Additionally, she’s got a solo organ practice and with Kranabetter she’s scored music for film and theater. Kranabetter also possesses mad chops as a trumpeter, connecting the extended techniques of players like Axel Dörner and Arve Henriksen with an often lyrical, full-bodied attack rooted in post-bop tradition. On his 2021 solo album textures he deftly blurs all of those lines, stretching his virtuosity with electronics and polystylistic sensibility driven by sonic exploration more than any genre conventions.
