
Echoraum 
 
 
 
Überblick
Programm Mai – Juni 2026
 
 
Mai 2026
 
 
Mi, 6. Mai 2026, 20:00 Uhr: Suena Festival: ARGO-Kollektiv
Mako Hirota (Flöte) · Juan Moreda (Saxophon) · Ayaka Matsudomi (Klarinette) · Reina Yoshioka (Geige) · Jingyi Zhai (Bratsche) · Irati Goñi Leoz (Cello) · Márk Seres (E-Gitarre) · Panos Nikitaris (Klavier) · Taikan Yamasaki (Schlagzeug) · João Pinto (Elektronik) · Benjamin Lampert, Ayaka Matsudomi (liquid light soloists) · Simon Erdei (Dirigat)
 
Fr, 8. Mai 2026, 20:00 Uhr: Dafeldecker / Davies · Pultz-Melbye
Werner Dafeldecker (Kontrabass) & Angharad Davies (Geige) · Adam Pultz-Melbye (Feedback-Kontrabass)
 
Di, 12. Mai 2026, 20:00 Uhr: MAMKA RECORDS Label Night #01/2026
Maja Osojnik (Moderation) · Matija Schellander (Elektronik) & Natascha Gangl (Lesung)
 
Mi, 13. Mai 2026, 18:30 Uhr: Klassenabend der MS15 – Fagott & Oboe
 
Fr, 15. Mai 2026, 20:00 Uhr: La Ondou · Poleukhina & Spalt
Margareth Kammerer (Stimme, Gitarre) / Rebecca Lane (Stimme, Bassflöte, Objekte) / Deborah Walker (Stimme, Cello, Objekte) · Marina Poleukhina (Stimme) & Lisa Spalt (Stimme)
 
Di, 19. Mai 2026, 20:00 Uhr: Beam Splitter
Audrey Chen (Stimme) & Henrik Munkeby Nørstebø (Posaune)
 
Fr, 22. Mai 2026, 19:00 Uhr: Nachhall #17: Every Song Ever II
Paul Wallfisch (Tasten, Stimme, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren, Lap Steel, Elektronik) / Emily Stewart (Stimme, Geige)
 
Do, 28. Mai bis Sa, 30.Mai 2026, 19:00 Uhr: Floating Sound Gallery Vienna: ACOUSMONIUM 2026 – International festival of multichannel electroacoustic music
Simone Borghi · Daniil Koronkevich & Snir Kaduri · Wolfgang Musil · Anna Maly · Alla Zahaikevych · Maja Osojnik & Christopher Sturmer · Günther Rabl · Daniel Teruggi · Amir Teymuri · Brii Bauer & Tina Hochkogler · Patrick K.-H. · Kristina Warren · Tatiana Panyaeva · Christian Pusch
 
 
 
Juni 2026
 
Di, 2. Juni, 19:00 Uhr: Poème électronique #73
mit Studierenden von Alfred Reiter-Wuschko (MUK Wien)
 
Mi, 3. Juni 2026, 19:00 Uhr: Modulometer  Studio Flink und Studierende der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (MDW)
 
Di, 9. Juni 2026, 19:00 Uhr: das kleine 3 × 2
Thomas Grimm solo (präpariertes Fagott) · Sandra Muciño solo (Fagott, Elektronik) · Olivia Palmer-Baker solo (Fagott, Elektronik)
 
Do, 11. Juni 2026, 20:00 Uhr:  Ablinger: Against Nature / Instrument & Voice / A.W. – Memorial
Erik Drescher (Flöte) · Nava Hemyari (Stimme) & Jake Mann (Klarinette)
 
Di, 16. Juni 2026, 19:00 Uhr: Schnitzel ’25 · dieb13 · Fugu
Dieter Kovacˇicˇ (Film) · dieb13 solo (Turntables) · Heimo Wallner (Stimme, Trompete) & Raumschiff Engelmayr (Stimme, Gitarre, Keyboards, Elektronik)
 
Do, 18. Juni 2026, 20:00 Uhr: Khorkhordina & Wong · Drašler / Pudelek / Gnigler
Carina Khorkhordina (Trompete) & Eric Wong (Elektronik, Bluetooth Speaker) · Vid Drašler (Schlagzeug) / Laura Pudelek (Cello) / Jakob Gnigler (Saxophon)
 
Di, 23. Juni 2026, 20:00 Uhr: The Handover · Luciana Rizzo
Aly Eissa (Oud) / Ayman Asfour (Violine) / Jonas Cambien (Keyboards) · Luciana Rizzo solo (Schlagwerk, Feedback)
 
Fr, 26. Juni 2026, 20:00 Uhr: Rapid Zen · STANZER:MOODY
Gonçalo Almeida (Kontrabass) / Barbara Togander (Turntables, Stimme) / Vasco Trilla (Schlagwerk) · Forrest Moody (Pipes) & Florin Stanzer (Bellows)
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Detail
Programm Mai – Juni 2026
 
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Mi, 6. Mai 2026, 20:00 Uhr: Suena Festival: ARGO-Kollektiv
Mako Hirota (Flöte) · Juan Moreda (Saxophon) · Ayaka Matsudomi (Klarinette) · Reina Yoshioka (Geige) · Jingyi Zhai (Bratsche) · Irati Goñi Leoz (Cello) · Márk Seres (E-Gitarre) · Panos Nikitaris (Klavier) · Taikan Yamasaki (Schlagzeug) · João Pinto (Elektronik) · Benjamin Lampert, Ayaka Matsudomi (liquid light soloists) · Simon Erdei (Dirigat)
 
ARGO-Kollektiv: Die dunkle Flamme
Mako Hirota – Flöte Juan Moreda – Saxophon Ayaka Matsudomi – Klarinette Reina Yoshioka – Violine Jingyi Zhai – Viola Irati Goñi Leoz – Cello Márk Seres – E-Gitarre Panos Nikitaris – Klavier Taikan Yamasaki – Schlagzeug João Pinto – Elektronik Benjamin Lampert, Ayaka Matsudomi – liquid light soloists Simon Erdei – Dirigat
Manchmal erscheinen Palimpseste nicht hell erleuchtet, sondern von einer flackernden, unsicheren Glut durchzogen. Unter jeder neuen Schicht bleibt eine Dunkelheit spürbar, die das Bekannte zugleich anzieht und in Frage stellt. Diesem Spannungsfeld widmet sich das ARGO Kollektiv – 2022 gegründet und bekannt für Offenheit gegenüber neuen Formen, interdisziplinären Kooperationen und experimentellen Konzertformaten – in diesem Programm. Ausgangspunkt ist Nuño Fernández Ezquerres …frente a la obscura lumbre… – eine kontemplative Meditation über das Ungewisse, Vergänglichkeit, Zeit und Transzendenz. Die „dunkle Flamme“ wird zur paradoxen Metapher: Sie zieht uns an und entzieht sich zugleich, verheißt Erkenntnis, ohne wirklich zu erhellen.
Félix Ibarrondo (*1943), zentrale Figur des Programms, bringt mit seinem neuen Werk Erfahrung und ästhetische Tiefe ein. Zusammen mit den Uraufführungen der jungen Komponisten Antonio Hasbún González (*1999) und João Pinto (1998), die während ihrer Residenz beim Ensemble neue klangliche Möglichkeiten erkunden, entsteht ein generationenübergreifender Dialog iberoamerikanischer Musik. Ergänzt wird das Programm durch die österreichische Erstaufführung von Macarena Rosmanichs Un grito, inspiriert von Pablo Rojas’ Gedicht Idiomas del mundo. Hier verschmelzen poetische Bilder und musikalische Gesten zu fragmentarischen, zugleich kohärenten Klanglandschaften, in denen jede Bewegung ihre eigene Qualität behält.
 
 
 
Programm
Félix Ibarrondo (*1943, Spanien): GABEKOAK (2026) für Violine, Saxophon (Alt und Baritone), Klavier und Schlagzeug. (UA). Auftragswerk von Argo Kollektiv, mit Unterstützung der Siemens Musikstiftung.
Antonio Hasbún González (*1999, Chile): carsus (2026) für Flöte, Bassklarinette, Saxophon (Tenor und Bariton), Violine, Viola, Cello, E-Gitarre, Klavier und Schlagzeug (UA). Auftragswerk von Argo Kollektiv, mit Unterstützung der Siemens Musikstiftung.
João Pinto (*1998, Portugal): liquid light (i) (2026) für Flöte, Saxophon, Violine, Viola, Cello, E-Gitarre, Klavier, Schlagzeug, Live-Elektroniks, 2 liquid light soloists und live video (UA). Auftragswerk von Argo Kollektiv, mit Unterstützung der Stadt Wien MA7 und SKE.
Nuño Fernández Ezquerra (*1992, Spanien): …frente a la obscura lumbre… (2018) für Altflöte, Altsaxophon, Bassklarinette, Cello und Klavier (ÖEA).
Macarena Rosmanich (*1981, Chile): Un grito (2019) für Flöte, Klarinette, Violine, Cello und Klavier (ÖEA).
Argo Kollektiv wurde 2023 von uns – Panos Nikitaris (Klavier), Juan Moreda (Saxophon), Taikan Yamasaki (Schlagzeug) und Youngseo Kim (Violine) – gegründet. Das Ensemble entstand im Rahmen des Masterstudiums Neue Musik – Ensemble an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (mdw). Obwohl wir in letzter Zeit mit immer mehr Musiker:innen zusammenarbeiten und das Kollektiv sehr schnell wächst, bleiben wir ausgesprochen vielseitig – sowohl als Kammermusikformation als auch als Ensemble. Derzeit umfasst unser Kollektiv Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass, E-Gitarre, Flöte, Klarinette, Saxophon, Klavier, Schlagzeug, Sopran, Tonmeister:innen, Dirigent:innen sowie Komponist:innen.
Unsere besondere Stärke liegt in der engen Zusammenarbeit mit jungen Komponist:innen, vor allem aus der österreichischen Szene, mit dem Ziel, neue zeitgenössische Repertoires zu entwickeln. Aktuell beschäftigen wir uns intensiv mit der Erforschung neuer Konzertformate, darunter inter- und transdisziplinäre Kooperationen. Die aktuelle künstlerische Ausrichtung von Argo Kollektiv basiert auf der Idee, dass jedes Konzert zu einem einzigartigen Erlebnis wird. Wir arbeiten eng mit Künstler:innen aus verschiedenen Disziplinen zusammen und betrachten jedes Projekt als eine Form des Gesamtkunstwerks im wagner’schen Sinne – übertragen auf die zeitgenössische Kammermusik und im Dialog mit den Technologien unserer Zeit.
Der Name Argo ist dabei nicht nur eine metaphorische Anspielung auf die Geschichte von Jason und den Argonauten, sondern auch eine tiefgehende Inspirationsquelle: das antike Griechenland ist ein wesentlicher Teil unserer künstlerischen und konzeptionellen Identität und prägt weiterhin entscheidend unsere Art zu denken, zu schaffen und zu kooperieren. Argo Kollektiv gewann den ersten Preis beim re_cre@ 2026 sowie den zweiten Preis beim Wettbewerb des Leonard Bernstein Instituts der mdw. Außerdem waren wir Finalist:innen beim Internationalen Musikwettbewerb Osaka.
https://www.argokollektiv.com/ https://www.instagram.com/arg
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Fr, 8. Mai 2026, 20:00 Uhr: Dafeldecker / Davies · Pultz-Melbye
Werner Dafeldecker (Kontrabass) & Angharad Davies (Geige) · Adam Pultz-Melbye (Feedback-Kontrabass)
 
Angharad Davies & Werner Dafeldecker Angharad Davies (Violine) & Werner Dafeldecker (Kontrabass)
Die Violinistin Angharad Davies und der Kontrabassist Werner Dafeldecker verbinden in dieser Konzertreihe ihre langjährige Erfahrung im Bereich der experimentellen und improvisierten Musik. Beide sind für ihre differenzierte Klangsprache und ihr feines Gespür für mikrotonale Strukturen international bekannt. In ihrer Zusammenarbeit loten sie das akustische Potenzial ihrer Instrumente aus. Im Zentrum steht die gemeinsame Erforschung der Räume zwischen reiner Stimmung und mikrotonalen Schwebungen, kontrollierten Gesten und spontaner klanglicher Entwicklung. Dabei kommen erweiterte Spieltechniken ebenso zum Einsatz wie eine bewusste Reduktion des klanglichen Vokabulars. Im Rahmen der bevorstehenden Konzerte setzen Davies und Dafeldecker ihre individuelle künstlerische Forschung in einen dialogischen Prozess um – eine akustische Erkundung jenseits stilistischer Kategorisierungen, an der Schwelle zwischen Komposition und Improvisation, Struktur und Offenheit.
Angharad Davies is a violin player who’s work exists between the thresholds of improvisation, composition and experimental music. Her approach to sound involves attentive listening and exploring beyond the sonic confines of her instrument and performance expectation. Being an intrepid collaborator has seen her work with the likes of Tony Conrad, Elaine Radigue, Tarek Atoui, Gwenno, Lina Lapelyte, Richard Dawson, JG Thirlwell, Jessie Marino, Tim Parkinson and Annea Lockwood. As a composer she has been commissioned by Counterflows, LCMF, Tŷ Cerdd, Nawr, Explore Ensemble, GBSR duo for HCMF, AndPLAY, Ligeti Quartet for Rainy Days Festival and Heather Roche + Dominic Lash. Her music is often played on BBC Radio 3’s New Music Show.
 
Adam Pultz: FAAB  Adam Pultz-Melbye (Feedback-Kontrabass)
Adam Pultz’s solo concerts are characterized by a sustained focus on the subtle (and sometimes not so subtle) timbral and rhythmical dynamics emerging between a human performer and the FAAB—a bespoke feedback double bass with a built-in speaker. Assisted by the self-oscillating strings, yet challenged by the autonomous and sometimes unpredictable behaviour of the instrument, Adam explores spectral ambiguity and metastable low-frequency pulsing while negotiating performative agency.
Adam Pultz Melbye is a double bass player, composer, and improviser working in the field of acoustic and electronic sound. Adam’s work spans live performance, sound installation, sound for dance, theatre, film, multimedia, sculpture, algorithmic design, and instrument building. They have performed and exhibited work in Europe, Australia, the US, and Japan, while appearing on close to 50 albums, 4 of these solo efforts. They hold a practice-led PhD in music technology from SARC, Queen’s University Belfast.
www.adampultz.com https://adampultz.bandcamp.com/
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Di, 12. Mai 2026, 20:00 Uhr: MAMKA RECORDS Label Night #01/2026
Maja Osojnik (Moderation) · Matija Schellander (Elektronik) & Natascha Gangl (Lesung)
 
MAMKA RECORDS Label Night #01/2026 10 Jahre Klangcomics – Listening Session
Natascha Gangl – Lesung Matija Schellander – Electronik Maja Osojnik – Moderation
 MAMKA RECORDS freut sich, am 12. Mai zwei herausragende Künstler:innen und langjährige Weggefährt:innen im Echoraum zu begrüßen und zu feiern: die Autorin Natascha Gangl und den Komponisten und Musiker Matija Schellander. Im Mittelpunkt des Abends steht ein gemeinsames Jubiläum: Seit 10 Jahren entstehen in der Zusammenarbeit von Rdeča Raketa (Maja Osojnik & Matija Schellander) und Natascha Gangl Klangcomics – Radiohörstücke und deren Live Performances. Der Abend lädt dazu ein, in ausgewählte Arbeiten hinein zu hören und Einblicke in das vielfältige Schaffen der beiden zu gewinnen – auch jenseits der gemeinsamen Projekte. Denn hinter der Zusammenarbeit stehen zwei eigenständige künstlerische Welten mit zahlreichen Facetten, die immer wieder neu in die gemeinsame Arbeit einfließen und sie in ihrer Vielschichtigkeit bereichern.
KLANGCOMICS
Das Elektroakustik Duo Rdeča Raketa aka die Komponist*innen Maja Osojnik und Matija Schellander und die Autorin Natascha Gangl entwickeln seit 2016 Klangcomics, das sind Serien von Live-Performances, sowie Hörstücke fürs Radio. Wie im Comic Wort und Bild ineinander aufgehen, sind es hier das gesprochene Wort und der Klang, Laut wird Sprache, Sprache wird Laut, Zeitgenössische Komposition trifft auf das Literarische Experiment. Eklektisch werden Stilrichtungen kombiniert, Madrigal trifft auf Kinderbuch trifft auf Techno trifft auf Anagramm trifft auf Hip-Hop trifft auf Essay – ad Infinitum – Hochkultur, Popkultur, Subkultur fusioniert. Anti-Heldinnen waren die Protagonistinnen der ersten beiden Stücke, ihre surrealen bis psychedelischen Reisen führen in dichte Serien von Klangbildern.
„WENDY PFERD TOD MEXIKO“, 2018. UA Kunstradio-Radiokunst Ö1, 1.Preis des Berliner Hörspielfestivals, mehr als 25 LIVE-Performances, u.a. in Übersetzung ins Spanische, Englische und Polnische.
„DIE REVANCHE DER SCHLANGENFRAU. Ein Klangcomic frei nach Unica Zürn“, 2020. UA Kunstradio- Radiokunst Ö1, Zahlreiche Live-Auftritte, Übersetzung ins Slowenische, Englische. Ö1 Preis für das Beste Originalhörspiel.
2022 erschien „EINSAME AMEISEN AMNESIE. Ein Klangcomic frei nach Anestis Logothetis“ als Uraufführung bei Wien Modern als Koproduktion mit dem ORF und reiste von dort weiter an die Greek National Opera Athens. Übersetzung ins Griechische.
2023 entstanden „THE COSMIC STRIPS. Klangcomics frei nach Matta” Eine Serie von Kurzhörstücken zu Bildern von Roberto Matta für das Bank Austria Kunstforum Wien. Im Jahr 2025 wurden diese kurzen Hörstücke zu einem neuen Klangcomic zusammengefasst, der in der Alten Schmiede in Wien uraufgeführt wurde.
Zu jedem Klangcomic wurde bisher auch eine Bildende Künstler*in eingeladen: Toño Camuñas schuf Bilder zu „WENDY PFERD TOD MEXIKO“, Billy Roisz Videos zu „DIE REVANCHE DER SCHLANGENFRAU“, Nikos Zachariadis entwickelte Projektionen zu „EINSAME AMEISEN AMNESIE“.Seit 2019 beschäftigt sich das Trio dabei mit den Möglichkeiten der Visualisierung der Klangkunstwerke und arbeiten an Graphischen Partituren, Collagen & Konkreter Poesie, entwickeln Ausstellungen dazu u.a. für das Literaturhaus Wien, das Jazzfestival Saalfelden, die Galerie 5020 und das Jazz in the City Festival Salzburg, den Echoraum Wien, Galerie Kluckyland, das Institut für Moderne Kunst Nürnberg.
Natascha Gangl geboren 1986 in Bad Radkersburg, studierte Philosophie in Wien und Szenisches Schreiben bei uniT Graz. Sie lebte in Mexiko und Spanien, heute in Wien und der Südoststeiermark. Gangl schreibt Prosa, Essays, Lyrik und Sprechtexte, entwickelt Musik- Objekt- und Sprechtheater sowie Hörstücke, die auch zu Ereignissen und Ausstellungen werden. Ihre Arbeiten wurden zuletzt ausgezeichnet mit dem Ingeborg-Bachmann-Preis und dem BKS-Publikumspreis 2025. Als Buch erschien Wendy fährt nach Mexiko, Ritter 2015, Das Spiel von der Einverleibung. Frei nach Unica Zürn, starfruit publications 2020, FRISCHE APPELLE & andere Sprechtexte, Ritter 2025. https://gangl.klingt.org/
Matija Schellander lebt und arbeitet in Wien. Komponist, Kontrabassist und Elektronikmusiker, Arbeiten für Ensembles, Theater, Radio, Film, Soloperformances. Schellanders Veröffentlichungen sind u.a das Soloalbum sum šum (2012, the manual), Wendy Pferd Tod Mexiko mit Natascha Gangl und Maja Osojnik (2020), …and cannot reach the silence mit Rdeča Raketa (2021), Flowers we are mit Marina Dzukljev und Noid (2024) sowie zuletzt Parajekt mit Berni Hammer (2026). https://matija.klingt.org/
MAMKA RECORDS ist ein Wiener Label, gegründet aus der Sehnsucht nach einem Ort, an dem jede Produktion als Unikat und eigenständiges Kunstwerk gesehen und gefeiert wird. Klein und fein beheimatet das Label verschiedenste Formate, abseits vorgegebener Normative und technischer Standards. An der Schnittstelle zwischen zeitgenössischer experimenteller Musik, bildender Kunst, Literatur, Handmade-Electronics und großer Liebe zum Detail versinnbildlicht MAMKA Wagnis, Auseinandersetzung, wohlwollende Radikalität und Selbstverständlichkeit des Unikats. Hier entstehen Editionen von Kleinoden die sich, entgegen zeitgenössischer Tendenzen, durch liebevolle Handarbeit und Hingabe auszeichnen. MAMKA praktiziert Entschleunigung, lenkt. die Aufmerksamkeit auf Schaffensprozeße und den Charme der absoluten Unwiederholbarkeit. https://mamka.klingt.org
 
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Fr, 15. Mai 2026, 20:00 Uhr: La Ondou · Poleukhina & Spalt
Margareth Kammerer (Stimme, Gitarre) / Rebecca Lane (Stimme, Bassflöte, Objekte) / Deborah Walker (Stimme, Cello, Objekte) · Marina Poleukhina (Stimme) & Lisa Spalt (Stimme)
La Ondou Margareth Kammerer – Stimme, Gitarre Rebecca Lane – Stimme, Bassflöte, Objekte Deborah Walker – Stimme, Cello, Objekte
Die Musik von „La Ondou“ ist eine Reise, die bei Virginia Woolfs Roman „Die Welle“ beginnt – mit  „Copy-and-Paste“-Technik wurden neue Lyriks geschaffen– ihren mikroskopischen Beobachtungen der Natur und der Seele am Ende des 19. Jahrhunderts – bis hin zur Lyrik der neuen, kraftvollen Stimme einer jungen sizilianischen Lyrikerin etwa hundert Jahre später und zu einem Gedicht der spanischen Performerin, Sängerin und Dichterin Lorena Izquierdo. Die Musikerinnen weben einen Teppich aus Stimmen und Instrumentalklängen sowie den Klängen von Gegenständen. Inspiriert von den Worten Virginia Woolfs: „(…) Es gibt nichts Feststehendes, nichts Beständiges in diesem Universum, alles wogt, alles tanzt (…),“ schaffen Kammerer, Lane und Walker lebendige, durchlässige und transparente musikalische Strukturen, die den Worten Raum geben und sie sowie die Zuhörer auf ihre eigene Reise schicken.
Margareth Kammerer is a singer and composer and works solo and in various ensembles and projects. Her works include her own compositions, music for theatre, film and radio plays. In her solo works she often works with texts of modern and contemporary literature, such as E.E Cummings, Anne Carson, Paul Celan, Antonin Artaud , Tchicaya U Tam’si, Virginia Woolf and lately also collaborating with the sicilian poet Clio Nicastro and with the lyrics of performer and poet Lorena Izquierdo. Her solo work is documented by 3 CDs: “To be an animal of real flesh” (Charhizma, 2004, Austria), “Why is the sea so blue” (Mikroton, 2013, Russia), “The Garden” (Ftarry, 2025, Japan). In addition to her solo activity, her band „The Magic I.D.“, which has been in existence since 2005 (with Michael Thieke, Kai Fagaschinski, Christof Kurzmann) – their compositions oscillate between sound research, electronics and songwriting – recorded 2 albums : „‚Till my breath gives out‘ was released by the American label „Erstwhile Records“ and their second album „I’m so awake/sleepless I feel“ by the label „Staubgold“. In february 2026 they recorded a new album. New band projects include a trio with Rebecca Lane and Deborah Walker and a trio with Emanuele Porcinai and Deborah Walker.
Rebecca Lane is a musician who explores intonation as a social and perceptual practice, focusing on just/rational intonation and the relational aspects of sounding/activating this material with others. Her practice is informed by ongoing relationships with composers (such as Catherine Lamb), collaborations (like distances bending with Clara de Asís) and within various duos and ensembles (including Harmonic Space Orchestra), utilizing various flutes (in particular, Kingma System quarter-tone flutes). As an interpretor she has also worked closely with composers such as Ernstalbrecht Stiebler, Anthony Pateras, Eva-Maria Houben, Marc Sabat, Ellen Arkbro, Antoine Beuger, Laura Steenberge, Sarah Davachi and Tashi Wada. In late 2019 she co-initiated the Harmonic Space Orchestra, a research-performance collective exploring just/rational tuning practices along with Catherine Lamb and Marc Sabat. She has performed as a guest in ensembles such as Ensemble Mosaik (DE), Ensemble Modelo62 (NL) and ICE – International Contemporary Ensemble (USA). Previous projects include a co-conceived concert installation version of Salvatore Sciarrino’s La perfezione di uno spirito sottile (1985) which was premiered at the Berlin Staatsoper in 2018, co-curation of the Vibrant Matter sound series with Heather Frasch from 2017-21 and co-curation for Sacred Realism at Studio 8 (Berlin) in 2016-17. Recent recording projects include the co-composed quartet distances dending with Clara de Asís (Discreet Editions) and a simultaneous realisation of Jakob Ullmann’s Solo I & Solo IV with Jon Heilbron (Another Timbre). After completing studies in Visual Communication (RMIT) and Music Performance at Melbourne University (VCA), Rebecca attended masterclasses across Europe with teachers such as Carin Levine, Eva Furrer and Pirmin Grehl, before settling in Berlin, where she currently resides.
Italian cellist Deborah Walker is a new music performer and improviser based in Berlin. She is interested in multiple forms of music creation related to the exploration of sound and interaction with other art forms. She has played at many festivals such as I Suoni delle Dolomiti, Italia Wave, ZKM in Karlsruhe, Centre Pompidou, Festival dʼAvignon, Festival Nomad in MʼHamid (Morocco), Switch ON (Malaysia) and tours regularly in International venues and Festivals. She is a member of ensemble Dedalus and of the improviser orchestra ONCEIM. She has worked with composers like Pascale Criton, Éliane Radigue, Philip Corner and Phill Niblock, both in solo or in ensemble. Since more than a decade Deborah plays regularly with violinist Silvia Tarozzi. Their repertoire includes both contemporary and experimental works, as well as transcriptions of Italian traditional folksongs from their birthplace, the Emilia-Romagna region in Italy. After a Master in Music and sound composition at the University of Paris 8, Deborah completed a PhD at the University of Lorraine on the work of Fluxus artists in Reggio Emilia and Cavriago collaborating with Rosanna Chiessi and her editions Pari&Dispari, with a focus on the work of American cellist Charlotte Moorman.
Marina Poleukhina & Lisa Spalt: AUTOMATISCHE LICHTUNG Marina Poleukhina (Stimme) & Lisa Spalt (Stimme)
Heute klimpert nicht mehr E.T.A. Hoffmanns Automat Olimpia aus „Der Sandmann“ mit den Augen und ächzt ein wenig, um den dichtenden Anbeter zu erfreuen – die heutige poetische Intelligenz dichtet selbst. Aus dem Baukasten unserer sprachlichen Produkte bastelt sie scheinbare Weltverweise, die nicht selten Welt erzeugen. Während unsere Automatin sich allerdings so an der Vorspiegelung von Handfestem versucht, enttarnen wir sie mit sinnlichem Begreifen, Zärtlichkeiten und Visionen organischer Zersetzung.
Lisa Spalt lebt in Linz und Wien. Publikationen zuletzt: „Das verwirrte Tier“ (Czernin 2026), „Grüne Hydra von Calembour“ (Czernin 2023). Mitarbeiterin des Instituts für poetische Alltagsverbesserung (IPA), Betreuerin der Wandlungsform “Manisoft des Psittacismus“. Übersetzung: „Nur Besessene schwänzen das Grab“ („Les gisants satisfaits“) von Joyce Mansour (Czernin 2024; Zeichnungen von Sabine Marte); verbesserte Neuauflage von “Die Nordseite des Juliau” (“La face nord du Juliau”) von Nicolas Pesquès (roughbooks 2024). Viele Gemeinschaftsarbeiten, zuletzt: Video “peubel”, 2022, mit Otto Saxinger; “BREAK EDEN” für den ORF mit Clemens Gadenstätter, 2023; Texte zur Schallplatte “Circle Line Project 18” von Theo Nabicht, 2024.
Marina Poleukhina ist Komponistin und Improvisatorin. Im Zentrum ihrer künstlerischen Arbeit steht ein interdisziplinärer Ansatz. Ihre Musik vereint die Erschaffung einer Welt, die über den reinen Klang hinausgeht. Sie verbindet Bewegung, Licht, Videoprojektionen auf ungewöhnlichen Oberflächen sowie die Manipulation alltäglicher Geräte, die dadurch zu Instrumenten werden, und Objekte, die ihren eigenen Raum schaffen. Daraus entstehen neue, unerforschte akustische Situationen von intensiver Komplexität – ein Territorium an den Schnittstellen verschiedener Genres. Ihre Musik wird auf Festivals wie Ultima (Oslo), Wien Modern (Wien), Path Festival (Verona), MATA (New York) und anderen aufgeführt. Sie arbeitet mit Ensembles wie airborne extended, Lumniscate, Nadar, Zwerm sowie mit Musiker:innen wie Katelyn Rose King, Alexander Chernyshkov, Alessandro Baticci, Jennifer Torrence, Tomomi Adachi. Außerdem kooperiert sie mit Choreograf:innen wie Johanna Nielson, Paul Wenninger, Agnes Schneidewind und Cherish Menzo.
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Di, 19. Mai 2026, 20:00 Uhr: Beam Splitter
Audrey Chen (Stimme) & Henrik Munkeby Nørstebø (Posaune)
 
BEAM SPLITTER Audrey Chen (Stimme) & Henrik Munkeby Nørstebø (Posaune)
Audrey Chen (US) and Henrik Munkeby Nørstebø (NO) is a duo for amplified voice, trombone and analog electronics based in Berlin, Germany. Through numerous performances in a wide range of spaces, contexts and collaborations, they have developed a unique brand of highly amplified dialog, which is as intimate as it is equal amounts raw and entirely exposed. The duo have toured extensively across five continents since 2015, joining together their two individual voices into a distinct language that delves beyond the borders of the corporeal elements of un-processed voice and trombone, while utilizing analog electronics to offset their hyper extended physical play.
Their latest duo album „SPLIT JAW“ was released on Nat Baldwin’s Tripticks Tapes in 2023. This bite size format packs an entire universe of their crafted sputter, breath and glitch inside its forty-five minute magnetic tape loop. The album is one third introspective Berlin studio production and the rest, live from a splintering concert given at Wels Unlimited Festival in Austria, their last concert of 2022 where audience and the duo alike giving it their all center of room, split open like hollow bones head to clavicle, muscles twitching and air spewing, breaking ground and mending it with alien hums. Further recent releases include “Beauties” (2023) with Lønning and Reinertsen, and “Wrists out” (2024) with Phil Minton. Since 2020, the pair have been organizing Dedicated play, an artistic and curatorial platform fostering community building and genre-breaking intersections of experimental musicians and artists from a diversity of social, cultural, and musical backgrounds. The project has taken shape as a concert series in collaboration with Morphine Raum (Berlin), an online album presentation, a festival in Berlin and London co-curated with Hyunhye Angela Seo (Xiu Xiu), and select satellite events.
BEAM SPLITTER have taken part in larger commissioned works at the Teatro Colón, Buenos Aires and largely conceptualized a theatrical adaptation of MEDEA in front of the Olympic Stadium in Kyiv, Ukraine (for butoh dancers and musicians) produced by the Ukho Agency. Festival/venue performances include Sonoscopia (Porto), National Museum of Natural History (Kyiv), Issue Project Room (New York City), Festival Music Unlimited (Wels), Avant Art Festival (Warsaw+Wroclaw), Mayhem (Copenhagen), Trigger (Shanghai), Nameless Sound (Houston), Zebulon (Los Angeles), Gogolfest (Kyiv), Kongsberg jazz festival, Simultan festival (Timișoara), Morphine Raum (Berlin), The Lab (San Francisco), CCRMA Stanford university, Asphalt Festival (Düsseldorf), Fylkingen (Stockholm), Tiehua Music Village (Taitung), Teatro Colón (Buenos Aires), Audio Foundation (Auckland), Send+Receive (Winnipeg) and Météo Mulhouse Music Festival.
www.beamsplitter.org  www.audreychen.com www.hmnorstebo.com 
short video (2025) : https://youtu.be/F_EwoyGD8QE?si=qQ7vxShDwAMHcDD3 video, fevered gush (2023) : https://vimeo.com/763781949 album, split jaw (2023) : https://triptickstapes.bandcamp.com/album/split-jaw
 
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Fr, 22. Mai 2026, 19:00 Uhr: Nachhall #17: Every Song Ever II
Paul Wallfisch (Tasten, Stimme, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren, Lap Steel, Elektronik) / Emily Stewart (Stimme, Geige)
“The spectacle of an active mind processing a world in constant flux,” is how Hua Hsu, writing in The New Yorker, describes Ben Ratliff’s remarkable book Every Song Ever. Subtitled Twenty Ways to Listen in an Age of Musical Plenty, Ratliff’s book is divided into twenty chapters appended by playlists that confound and transcend traditional ways of of categorizing music. David O’Neill found “…the most galvanizing aspect of [Ratliff’s] project is that it leaves room for the DIY spirit to emerge…[Every Song Ever] reignites our sense of longing for connection…”
Collaborating with curator Alisa Beck and my co-conspirator, multi-instrumentalist Martin Siewert, we are indeed inspired to make Ratliff’s surprising and enlightening book come alive for you in four programs throughout 2026 as part of the Nachhall series at echoraum.
For Every Song Ever II, featuring internationally acclaimed violinist & vocalist Emily Stewart, we will perform selections from chapters 5-8 of the book:
Quiet / Silence / Intimacy: WE DON’T NEED NO MUSIC Stubbornness and the Single Note: CHURCH BELL TONE Virtuosity: ELEVATION Sadness: BLUE RULES
The music will include our unique arrangements and reimaginings of compositions by Hamiyet Yüceses, Nick Drake, Arthur Russell, Chris Connor & Joan Whitney, Slayer, Curtis Mayfield, Arsenio Rodrigues, Mozart, and Billie Holiday. Plus a medley of single note solos from compositions by the following artists: The Ramones, Neil Young, The Coasters, Brian Eno, The Who, Katrina & the Waves, Creedence Clearwater Revival, Slint, Aztec Camera and Edgar Blanchard.
It’ll all go by in flash. And you ain’t never seen or heard anything like it, so come on down; share and enjoy. Clap and scream if you feel so inclined! Yell at us and throw things if you feel the urge.
We’ll be happy to answer any and all questions not sufficiently addressed during the concert after the performance.
“Real intimacy has no stated goal. It’s full of its own untranslatable reasons.” ~Ben Ratliff
„We don’t need no music; we got soul.” ~Curtis Mayfield
We look forward to your participation in our Viennese adventure and invite you to help select the repertoire for upcoming programs. Playlist with selections to choose from will be available at your seats.
See you soon! Paul Wallfisch
Emily Stewart, in London geboren und in Costa Rica aufgewachsen, ist eine klassisch und im Jazz ausgebildete Geigerin und lebt seit 2002 in Wien, Österreich. Schon früh setzte sie sich mit Improvisation und diversen anderen Musikrichtungen auseinander, was sie zu einer sehr gefragten Künstlerin gemacht hat, vor allem in experimentellen und Crossover-Projekten und als Studiomusikerin. Mit Soap&Skin, Violetta Parisini, dem schwedischen Jazz Pianisten Jan Lundgren, u.a. ist sie bereits auf mehreren Festivals und Spielstätten Europaweit aufgetreten. Als Theatermusikerin kooperiert sie seit 2016 mit der amerikanischen Performance Gruppe Saint Genet, war von der Spielzeit 2017/2018 bis zur Spielzeit 2020/2021 in verschiedenen Produktionen am Wiener Burgtheater als Bühnenmusikerin engagiert, und war Mitwirkende bei Jacqueline Kornmüllers Ganymed in Power (2020/2021) und Ganymed Bridge (2023) Produktionen im Kunsthistorischen Museum Wien. Sie komponierte 2021 den Soundtrack für Sebastian Brauneis Film 1 Verabredung im Herbst, sowie die Theatermusik für Fritzi Wartenbergs Inszenierung von The Writer am Berliner Ensemble . Ihr erstes Album The Anatomy of Melancholy ist 2020 auf das Wiener Label col legno music erschienen. Sie ist seit November 2022 Dozentin für Ensemble und Ensembleleitung am Institut für Popularmusik der mdw-universität für Musik und darstellende Kunst Wien. https://www.emily-stewart.com/
Paul Wallfisch’s music can be heard on countless American TV shows and several feature films. He has performed and/or recorded with Firewater, Love & Rockets, Swans, Little Annie, Angela McCluskey, Syl Sylvain, Stiv Bators, Marissa Nadler, Rose McGowan, Joey Arias and many more. From 2010-2015 Paul was Music Director at Schauspiel Dortmund, subsequently working with acclaimed director Kay Voges at the most important houses in German-language theatre. Paul co-created the musical theatre piece Republic of Wolves (Dortmund/Volksbuehne 2014) and „Dies Irae: An Endtimes Opera“ (Burgtheater 2019), composing and performing the scores live. Paul recently ended his run as Music Director and Curator at  Volkstheater, Vienna where he co-wrote and performed the music to Anna-Sophie Mahler’s production of Tennessee Williams’ Camino Real with the band Calexico. Paul’s music has been released on numerous labels including Mute Records, Trost, Southern and Rent A Dog. https://www.paulwallfisch.com/
Martin Siewert arbeitet als Gitarrist & Improvisator, aber auch als Komponist in akustischen und / oder elektronischen Kontexten; zahlreiche Kollaborationen, und Kompositionen für Theater, Tanz & Film. https://siewert.klingt.org/
Aktuelle Projekte u. Bands u.a.: RADIAN DUO CHRISTIAN REINER / MARTIN SIEWERT ALSO (Duo mit Katharina Ernst) FÜNF (mit Christian Reiner, Jim Black, Christian Weber, Philip Zoubek) DUO SIEWERT / KLEMENT (mit Katharina Klement) DUO BIRGIT MINICHMAYR & MARTIN SIEWERT DRY THRUST (mit Georg Graewe & Didi Kern) Duo Reinhold Friedl / Martin Siewert FAKE THE FACTS (mit dieb13 & Mats Gustafsson) THE PEELED EYE (mit Boris Hauf, Steve Heather & Christian Weber) TRAPIST (mit Martin Brandlmayr & Joe Williamson)
 
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Do, 28. Mai bis Sa, 30.Mai 2026, 19:00 Uhr: Floating Sound Gallery Vienna: ACOUSMONIUM 2026 – International festival of multichannel electroacoustic music
Simone Borghi · Daniil Koronkevich & Snir Kaduri · Wolfgang Musil · Anna Maly · Alla Zahaikevych · Maja Osojnik & Christopher Sturmer · Günther Rabl · Daniel Teruggi · Amir Teymuri · Brii Bauer & Tina Hochkogler · Patrick K.-H. · Kristina Warren · Tatiana Panyaeva · Christian Pusch
 
ACOUSMONIUM 2026 International festival of multichannel electroacoustic music Curated by Alisa Beck & Anton Iakhontov A co-production of Floating Sound Gallery Vienna and echoraum https://floatingsound.at/  Program: https://floatingsound.at/Acousmonium2025
Thursday, May 28, 2025, 7pm  with: Simone Borghi · Daniil Koronkevich & Snir Kaduri · Wolfgang Musil · Anna Maly ·  Alla Zahaikevych | Talk „Ukrainian Association of Electroacoustic Music – UAEM Studio: Possibilities of the Future“ by Alla Zahaikevych
 Friday, May 29, 2025, 7pm  with: Maja Osojnik & Christopher Sturmer · Günther Rabl · Daniel Teruggi · Amir Teymuri Talk „The particularities of Acousmatic Music“ by Daniel Teruggi
 Saturday, May 30, 2025, 6pm  6pm-7pm: Public workshop “Hands-on-Acousmonium”  (free admission, no registration required) with: Brii Bauer & Tina Hochkogler · Patrick K.-H. · Kristina Warren · Tatiana Panyaeva · Christian Pusch | Talk „Sonic Transitions“ by Amir Teymuri
Floating Sound Gallery Vienna is a platform to support and promote the creation and performance of multichannel electroacoustic music and sound art. Founded by composer and multimedia artist Patrick K.-H. (Anton Iakhontov) in 2008 in Moscow, it relocated to Alexandrinsky Theater, St.Petersburg in 2013, and to Vienna in 2022. Floating Sound Gallery has presented music of over 200 artists in festivals and programs, intensively collaborating with partner institutions around the world. It is also known for its unprecedented public video archive of acousmatic performances, conferences and artist-talks.
Its early period was highlighted as „pivotal in engendering sound-art as formal and informal practice in the post-soviet domain“ for international festivals and programs like “SoundArt @ GogolFest” (Kyjiw, 2010) and ACOUSMONIUM (St.Petersburg, since 2018) among others. Since 2014, FSG has established connections with the Austrian cultural scenes featuring local composers and artists in several programs in Moscow and St.Petersburg. Since the first ACOUMONIUM Festival at Alexandrinsky Theater in 2018, FSG has worked closely with composer Daniel Teruggi, former director of GRM in Paris, who has become a mentor, board member and joined curator of ongoing programs. Within the same time period FSG has started its cooperation with the France-based organization Alcôme who do not only provide their own loudspreaker orchester for the gallery’s festivals but are also close partners in curating, organization and in mutual artistic exchange  – arching to the next generations of electroacoustic composers.
Since 2022 Floating Sound Gallery is based in Vienna and established an annual program that consists of the series of octophonic listening sessions Circuit Fantôme at Vronihof (2x per month) and the three-day festival ACOUSMONIUM at echoraum. Within these activities Vronihof serves as a physical space of Floating Sound Gallery and by 2026 will also be used as a studio on a weekly basis, open to colleagues to prepare and work on their multichannel compositions.
In recent years, FSG has been invited to present its program in festivals and institutions like Autumn Waves Festival (Belgian Electroacoustic Music Federation, Bruxelles, Oktober 2023), New Ear :: SPATIAL :: (NYC, April 2025), Diapason Gallery (NYC, April 2025), Teheran Electroacoustic Music Festival (September 2025) and New Adits Festival (Klagenfurt, November 2025). Since 2023, FSG is co-curating the three-day festival ZVO.ČI.TI Akuzmonij Di-Fuzija together with CONA | Institute for Contemporary Arts Processing in Ljubljana (Slovenia). During 2025, FSG has been part of the EU-Project „Ondes Croisées“ organized by Alcôme with partner festivals in Vienna (Austria), Bari (Italy), Reus (Spain) and Chalon-sur-Saône (France).
https://floatingsound.at/ https://www.youtube.com/@floatingsoundgalleryvienna8899
Supported by Stadt Wien Kultur / Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport / SKE austromechana / echoraum.
 
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Di, 9. Juni 2026, 19:00 Uhr: das kleine 3 × 2
Thomas Grimm solo (präpariertes Fagott) · Sandra Muciño solo (Fagott, Elektronik) · Olivia Palmer-Baker solo (Fagott, Elektronik)
 
das kleine 3×2 ist eine neue Reihe, die die Kunst des Solospiels unterstreichen will. Um den Variantenreichtum eines Instrumentariums zu beleuchten, laden wir jeweils drei Protagonist:innen derselben Instrumentengruppe ein. Eine dreifache Zweierbeziehung.
 
Santa Ve ist ein improvisiertes Soloset für präpariertes Fagott, welches sich mit dem Thema Heimat auseinandersetzt. Durch unermüdliche Rituale, unorthodoxen Spieltechniken und unerwarteten Klängen wird ein neues Zugehörigkeitsgefühl erzeugt. Eine eigene Identität befreit von Nationalismus und Patriotismus, weit weg von Hymnen und Märschen. Es geht um die Veränderung, wie man von einem Klang zum nächsten kommt, von der Peripherie ins Zentrum und wieder zurück, darum wie wir uns verändern und dadurch eine Heimat in uns selbst finden. Das Fagott steht dabei im Zentrum, auf dessen fragilste Klänge mit diversen Mikrofonen eine Lupe gehalten wird. So wird das Klangspektrum des Instrumentes anhand analoger Bearbeitungen und erweiterten Spieltechniken neu verhandelt, vor allem um sich lösen zu können von den traditionellen Klangwelten des Fagotts. Diese Suche nach der Freiheit ist immer improvisiert, sie klingt manchmal unangenehm und oft reibt sie. Durch zirkuliertes Atmen wird sie voll im Körper verorten, meditative Repetitionen, Mehrklänge in einem Meer aus Rauschen und ein kratzender Bogen dienen als Werkzeug zur Bearbeitung des Klanges. Dieser soll schweben, Trance-ähnliche Zustände hervorholen und immer eins sein – verwundbar bleiben.
Thomas Grimm (*1989, Osttirol) ist Multiinstrumentalist, studierte Fagott, Saxophon und Querflöte an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und fühlt sich in improvisierter und experimenteller Musik am meisten zuhause. Er wuchs in den Tiroler Alpen auf, welche wesentlich seine obsessive Suche nach Identität und der Loslösung von traditionellen Strukturen prägten. Diese Suche findet sich ebenso in seinen spielerischen Klängen und unkonventionellen Spieltechniken wieder.
https://www.instagram.com/ahmostgimmr/ https://soundcloud.com/ahmostgimmr
“Jitter Jatter: Splinter Voices” is a live electronic work for bassoon and electronics that contrasts the acoustic instrument with a persistent environment controlled by neural networks. The piece focuses on glitch textures, using the bassoon as a whole, but also as independent acoustic amplifiers for breath and voice. Neural synthesis employs custom-trained models based on datasets of female voices. These models act as ghosts “haunting” the bassoon’s output in real time, responding with distorted words and fragmented sounds. This creates an unsettling, relentless atmosphere in which digital vocal identities are constantly deconstructed and reimagined to reflect the performer’s movements. The result is an intense dialogue between the physical mechanics of the bassoon and the erratic logic of the neural network.
Sandra Muciño is a bassoonist and performer working with experimental and improvisational practices. With a background in classical music and bassoon performance, her work explores the intersections of performance, sound, and space. She engages with contemporary sound art, free improvisation, and interdisciplinary collaboration. She has performed at the Ars Electronica, Unsafe and Sounds, Wien Modern, Neofonia, Resonancias, Blockheide Leuchtet festivals. As an improviser, she is constantly experimenting, which is why she has worked with different artists to create performances that challenge her perception of sound, the body, and the stage. In 2025, she presented HINDRANCE at Deep Space Ars Electronica, as well as Unmuted Gasps and Saying not saying as part of the Ars Electronica festival. She is currently pursuing research in postdigital instrument-making at the Tangible Music Lab.
Olivia Palmer-Baker is an Irish musician based in Berlin who specialises in contemporary, historical, and improvised music. In her work, she explores the physical, social, and temporal experience of making music and sees herself as a performer who explores the volatile, chaotic, and vulnerable extremes of her instrument—the bassoon. Recent highlights include the conception, production, and tour of je mets mon scaphandre for bassoon, ambisonics, and sound-reactive light (2024–25, UK/DE), a masterclass on bassoon and electronics as part of the HKB Bern Double Reed Days (2026, CH), and an upcoming solo recital at Unerhörte Musik (2026, Berlin), as well as further solo performances including at Rondò (Divertimento Ensemble, Italy), the Aldeburgh Festival (UK), SONify Graz (Austria), Modulartx (Switzerland), Transparent Sound (Hungary), and in Spain, Ireland, and Germany. She also performs with numerous European ensembles for contemporary and historical music, including Ensemble Modern, Lautten Compagney, Ensemblekollektiv Berlin, Basel Sinfonietta, and the Lucerne Festival Contemporary Orchestra, and has performed as an improviser in many contexts. Olivia is a member of the Berlin-based Kollektiv UNRUHE and is active in the group as a composer, performer and curator. She studied previously in London (Royal Academy of Music), Berlin (Universität der Künste), Frankfurt (International Ensemble Modern Academy), and is currently studying part time on the Music, Sound, Performance course at the Freie Universität Berlin.
https://www.oliviapalmerbaker.de/ https://www.kollektivunruhe.com/
 
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Do, 11. Juni 2026, 20:00 Uhr:  Ablinger: Against Nature / Instrument & Voice / A.W. – Memorial
Erik Drescher (Flöte) · Nava Hemyari (Stimme) & Jake Mann (Klarinette)
 
Peter Ablinger: Wider die Natur / Against Nature (2020) für Glissandoflöte, Ultrasonicflöte, tiefe Flaschen, Bird Calls und Zuspielung
Peter Ablinger: „Alles begann mit einer Ablehnung. Der Flötist Erik Drescher stellte Ende 2019 einen Antrag für eine Kooperation mit mir. Ursprünglich war eine Art Fortsetzung unserer gemeinsamen CD „Augmented Studies“ aus dem Jahr 2014 geplant, insbesondere als Erweiterung der mehrspurigen Stücke für (damals) 16 bzw. 22 Flöten. Die Ablehnung kam im Februar 2020 – und dann kam Corona. Plötzlich hatten wir beide keine Termine mehr, und so beschlossen wir, unser Projekt dennoch zu beginnen – selbstverständlich ohne Finanzierung. Anfang Mai nahm meine Frau Siegrid Ablinger während eines Ausflugs nach Brandenburg Klänge an einem Unkenteich auf. Diese Unken wurden zum Ausgangspunkt für das gesamte Stück und dienten zunächst auch als Arbeitstitel. Sowohl die klanglich-rhythmische Artikulation als auch die „Heterophonie“ („Ähnliches, gleichzeitig“) entwickelten sich zum strukturellen Generator für alles Weitere.“ Im Juni und Juli trafen sich Ablinger und Drescher täglich – außer sonntags – über einen Zeitraum von sechs Wochen hinweg jeweils vier bis acht Stunden, um zu forschen, zu sprechen, zu improvisieren, zu notieren und aufzunehmen. So entstand ein 53-minütiges „al fresco“-Werk mit bis zu 74 Flötenspuren. Vom Piccolo über Glissandoflöte bis hin zur Bassflöte sowie – für extreme Lagen – tief gestimmte Flaschen und eine „Ultrasonicflöte“, bestehend aus sehr hohen Orgelpfeifen, die optisch an eine Panflöte erinnert: Auf diese Weise wurde ein Tonumfang erreicht, der über den eines Orchesters hinausgeht.
Erik Drescher ist Flötist, Performer und Kurator und lebt in Berlin. Sein Schwerpunkt liegt in der zeitgenossischen Musik. Neben einer sehr aktiven internationalen Karriere als Solist trat er in vielen Ensembles fur zeitgenossische Musik auf. Er hat eine enorme Anzahl neuer Stucke uraufgefuhrt, von denen die meisten auch von ihm in Auftrag gegeben wurden. Ein besonderer Fokus in den letzten Jahren war seine Arbeit rund um die Glissando- Flote, eine normale C-Flote mit einem Mundstuck von variabler Lange, das das Standardmundstuck ersetzt. Drescher ist Herausgeber der Glissando Flute Collection Erik Drescher beim Verlag Neue Musik Berlin, einer Sammlung von Werken, die fur dieses Instrument komponiert wurden.CD und Schallplattenproduktionen bei KAIROS, Wergo, Mode Records, Edition Wandelweiser Records, World Edition, Stradivarius, NEOS, GOD Records. Mitbegründer des Acker Stadt Palast Berlin und bis 2015 dessen Musikkurator. www.erikdrescher.de
Peter Ablinger: Instrument & Voice (2007-2013) „Instruments & Voice“ vergleicht das System ‚Musik‘ mit dem System ‚Sprache‘. Dabei wird Musik so behandelt, als sei sie tatsächlich ein der Sprache analoges Zeichensystem. Ob sie das aber wirklich ist, ist die eigentliche (über die kleine Studie hinausreichende) Frage.
Peter Ablinger: A.W – Memorial (2019) – für Es-Klarinette und Radio Das Stück ist Teil der fortlaufenden Reihe Weiss/Weisslich, in deren Rahmen zwei voneinander getrennte Zyklen existieren – einer für Instrumente und einer für Geräusch. A.W – in Memorial trägt dabei die Bezeichnung Weiss/Weisslich 17.
Nava Hemyari studierte Komposition an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien bei Wolfgang Suppan und Karlheinz Essl. Ihre Werke wurden an Orten wie dem Musikverein, dem Wiener Konzerthaus, dem ORF RadioKulturhaus, der Hofburgkapelle und der Minoritenkirche Krems sowie von Ensembles wie PHACE, Company of Music, Black Page Orchestra und dem Ensemble Platypus aufgeführt. Sie hat in Festiveln wie Manifeste (Ircam) und Mixtur Barcelona teilgenommen. Ihre Werke wurden beim Festival musikprotokoll gespielt und mehrfach im Rahmen von Wien Modern präsentiert. Im Jahr 2023 war sie Composer in Residence des Festivals Imago Dei. 2022 erhielt sie das Arbeitsstipendium der Stadt Wien für ihre Kammeroper „Taxidermic“, 2023 das Staatsstipendium für Komposition des Bundeskanzleramts Österreich. Als Sängerin ihrer eigenen Ensembles – das punctum collective für zeitgenössische Musik und das Luxbrumalis Ensemble für Renaissance- und Frühbarock-Repertoire – hat sie zahlreiche Werke für Stimme und Chor komponiert. Zudem führt sie eine Interviewreihe mit Komponist:innen und Interpret:innen zeitgenössischer Musik, darunter Gespräche mit Komponist:innen wie Francesco Filidei, Carola Bauckholt und Karlheinz Essl sowie mit Interpret:innen wie Sarah Maria Sun und Wolfgang Kogert.
Jake Mann ist ein US-amerikanischer Klarinettist und Improvisator, der in Wien lebt und an der Universität für Musik und darstellende Kunst den Master für Neue Musik studiert. Der Fokus seiner künstlerischen Arbeit liegt auf zeitgenössischer und experimenteller Musik sowie dem Erkunden neuer improvisatorischer Möglichkeiten. Er ist stets auf der Suche nach neuen Spieltechniken und ausgefallenen Multiphonics, um die subtilen Fein- und Eigenheiten des Klarinettenklangs herauszuarbeiten und in unterschiedliche Kontexte zu stellen.
 
 
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Di, 16. Juni 2026, 19:00 Uhr: Schnitzel ’25 · dieb13 · Fugu
Dieter Kovacˇicˇ (Film) · dieb13 solo (Turntables) · Heimo Wallner (Stimme, Trompete) & Raumschiff Engelmayr (Stimme, Gitarre, Keyboards, Elektronik)
 
 Schnitzel 25 ist ein ca. einunddreissigminütiger autobiographischer Film aus Fotos, die Dieter Kovačič zwischen 1.1. und 31.12. 2025 geschossen hat. Auf der Tonspur werden die Bilder von einem Remix aus Konzerten und Veröffentlichungen des selben Jahres begleitet. Schnitzel ’25 ist der vierundzwanzigste Jahresfilm seiner Art und zeigt unter anderem eine Radfahrt vom nördlichsten zum südlichsten Punkt des europäischen Festlandes mit jeder Menge Rentiere.  dieb13: Turntable Solo Als wiederkehrender Gast auf der Echoraum-Bühne spielt dieb13 ein Turntable-Set mit Referenzen auf vergangene Echoraum-Auftritte. Drei Plattenspieler, ein Mixer, ein COmputer und viel selbstgemachtes Vinyl…  
FUGU Konzert und Album-Release (Rock Is Hell Records)  Manfred Engelmayr (Gitarre, Keyboards, Electronik, Gesang) und Heimo Wallner (Gesang, Trompete) schreiben wehmütige und zugleich räudige Lieder, die sie durch den Fleischwolf der produktiven Ausfransung und Widerborstigkeit drehen. Am Gipfel der Melancholie, wo die Songwriting-Luft am dünnsten ist, blasen sie sich auf und machen sich zum Absturz bereit. Anderswo wird gesagt: „Ich möchte FUGU genießen, aber ich möchte nicht sterben“.  + + + + + +
Manfred Engelmayr: Lebt und arbeitet als Musiker in Wien. Er ist Gitarrist und Sänger in Bands wie Bulbul, Broken.Heart.Collector, Exit Void, … raumschiff.klingt.org
Heimo Wallner: Lebt und arbeitet als Zeichner, Sänger und Trompeter in Vermont und in der Steiermark – wo er das Gastkünstlerprojekt „hotelpupik“ mitbetreibt. https://heimowallner.journoportfolio.com/
 
 
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Do, 18. Juni 2026, 20:00 Uhr: Khorkhordina & Wong · Drašler / Pudelek / Gnigler
Carina Khorkhordina (Trompete) & Eric Wong (Elektronik, Bluetooth Speaker) · Vid Drašler (Schlagzeug) / Laura Pudelek (Cello) / Jakob Gnigler (Saxophon)
 
Carina Khorkhordina und Eric Wong setzen den Raum auf unterschiedliche Weise ein, um ihren Duo-Klang zu formen. Eric arbeitet mit einem ungewöhnlichen elektronischen Setup: Der Klang wird über Bluetooth-Lautsprecher wiedergegeben, die im Raum und unter dem Publikum platziert sind. So dezentralisiert er das traditionelle PA-System. Carina hingegen verbindet ihre Bewegungen mit dem Klang ihrer Trompete und nutzt gezielt die Akustik verschiedener Bereiche des Raums. Dadurch erweitert sie ihr klangliches Spektrum und löst zugleich die Bühne als festen Aufführungsort auf.  
Carina Khorkhordina (geb. 1991) ist eine Trompeterin und interdisziplinäre Künstlerin, die seit 2014 in Berlin lebt. Seit 2017 tritt sie im Kontext improvisierter und experimenteller Musik auf. Zu ihren aktiven Gruppen gehören Duos mit Eric Wong, Lorena Izquierdo, Eric Bauer und Axel Dörner sowie das 11-köpfige Ensemble Klub Demboh. In den letzten Jahren arbeitete sie unter anderem mit Sven-Åke Johansson, Katinka Kleijn, Stefan Schneider, Billy Roisz, Tintin Patrone und Katharina Grosse zusammen. Außerdem spielt sie im Broken String Ensemble von Garth Erasmus. Sie wirkt auf Daniel Blumbergs Soundtrack für The Brutalist (Regie: Brady Corbet, 2024) mit, der den Oscar für die beste Filmmusik erhielt. Eines ihrer jüngsten Werke ist Robert Lax – Living in the present (TAL, LP, 2025), eine Zusammenarbeit mit Miki Yui und Nicolas Humbert, die der Poesie von Robert Lax gewidmet ist. Eine LP ihres Duos mit dem Trompeter Axel Dörner mit dem Titel Isonzo wird 2026 auf dem Label Ni Vu Ni Connu erscheinen. 2026 wurde sie für den Deutschen Jazzpreis nominiert.
Eric Wong (geb. 1981) ist ein in Minneapolis geborener, in Hongkong aufgewachsener und in Berlin lebender Musiker und Klangkünstler, dessen Arbeit sich mit der auditiven Wahrnehmung und der Erforschung der menschlichen Beziehungen zu Klangumgebungen befasst. Er integriert häufig räumlich verteilten Klang und reduzierte Ausdrucksformen in seine Arbeit und konzentriert sich dabei auf wenige Gesten, anstatt lineare Klanggeschichten zu konstruieren. Wong ist an Veranstaltungsorten, in Veranstaltungsreihen und auf Festivals aufgetreten, darunter die Volksbühne (Berlin), Hebbel am Ufer (Berlin), Cafe OTO (London), Twenty Alpha (Hongkong), KM28 (Berlin), Indexical (Santa Cruz), Ftarri (Tokio), 411 Kent Avenue (Brooklyn), ausland (Berlin), Eroteme (Manchester), exploratorium (Berlin), Schönegg Varieté (Zürich), PAS (Berlin), Project [BLANK] (San Diego), Record Shop (Brooklyn), Q-O2 (Brüssel), MIT Spatial Sound Lab (Cambridge), piccolo (Providence), Richten25 (Berlin), Les 26 Chaises (Paris), OTOOTO (Tokio), Ting Shuo Hear Say (Tainan), CuteLab (Brooklyn), Moozak (Wien), Hošek Contemporary (Berlin), Labor Sonor (Berlin), Mullhaus Festival (Luzern), Freespace Noise Fest (Hongkong), Cynetart (Dresden), Internationales Klangkunstfest (Berlin), Blaues Rauschen (Herne), Soundance Festival (Berlin), Festival Experimentelle Musik (München), Sound Forms (Hongkong) und High Desert Soundings (Wonder Valley) Er hat Musik bei den Labels Edition Wandelweiser, Creative Sources, Inexhaustible Editions, Full Body Massage Records, Lona Records, Sello Postal, Vintage Vinyl HK, Party Perfect!!!, Aloe Records, Ftarri und Infant Tree veröffentlicht.
 
Vid Drašler is from Bistrica ob Sotli, where he played in a jazz-rock band Zmajev rep and in the Malik. With the Balžalorsky/Drašler trio he made a breakthrough in Slovenian jazz. With no less subtlety he plays in a chanson-oriented Orkestrada. One of his next peaks is the Drašler–Karlovčec–Drašler trio whose noisy improvisation is in no way less clear than his earlier more structured work.
Jakob Gnigler ist ein in Wien lebender Saxophonist. In seiner Musik verfließen verschiedene musikalische Eindrücke, vor allem aber aus (Free-)jazz, zeitgenössischer Musik und elektronischer Musik. Dieses Gemisch ergibt mal kleinstrukturierte Klangcollagen, mal lang aufgebaute Bögen. Auf permanenter Suche nach neuen Klängen und Tongestaltungen am Saxophon und konnte er einen eigenen, unverkennbaren Ausdruck entwickeln. http://jakobgnigler.com
Laura Pudelek ist Cellistin, Komponistin und Performerin. In ihrer Arbeit widmet sie sich vor allem der Improvisation und experimentellen Musik und bewegt sich an der Schnittstelle von Musik,Tanz und Performance. Besonderes Interesse gilt dem Dialog zwischen traditioneller und zeitgenössischer Klangästhetik, der Praxis kollektiver Arbeitsprozesse und offenen Formen der Komposition. https://laurapudelek.klingt.org
 
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Di, 23. Juni 2026, 20:00 Uhr: The Handover · Luciana Rizzo
Aly Eissa (Oud) / Ayman Asfour (Violine) / Jonas Cambien (Keyboards) · Luciana Rizzo solo (Schlagwerk, Feedback)
 
Luciana Rizzo (b. 1990) is a sound artist and musician. Lives and works in Buenos Aires. Studied Composition with Electroacoustic Media at the National University of Quilmes. As a drummer since the age of 16, she found her place in experimentation and improvisation as a language. She has played in various group projects and, concurrently, began developing a solo set based on hybrid drums, samples, and field recordings that move between songs, environments, and improvisations. Lately, she has been dedicated to producing sound documentaries and radio pieces.
Feedbacks are wild sounds. They can’t be fully controlled. They need a margin of risk to exist. That margin has to do with the atmosphere, concentration and being present. I’m interested in taking on that risk. Playing with the edges. This solo set consists of little bells, jingles, and feedback produced using the drum bodies as resonant membranes. It is an acoustic set aiming to broaden the audience’s listening experience.
https://lurizzo.bandcamp.com/album/l-r
 
The Handover is a critically acclaimed trio from Egypt/Norway/Belgium, playing hypnotic, trance-inducing music, inspired by the ritual rhythms of the Egyptian countryside, combined with a good dose of psychedelic improvisation, kraut riffs and experimental sounds. Their eponymous record put out by the American cult label Sublime Frequencies (April 2024) has been dubbed one of the best releases on the label. Their second album is set to release in 2026. Since the founding of the band in 2023, the Handover have established themselves as a phenomenal live act and have played over 50 concerts in 10 countries. Highlights include Berlin Jazzfest, WOMEX, Oslo World, Summer Bummer Festival, BRDCST Festival, Baignade Sauvage, ReWire, and Counterflows. On stage the trio sits in a tight circle to facilitate the almost telepathic communication between the musicians, and a performance by the Handover is one stretch, a long build-up from meditative drones to an ecstatic climax of exuberant dance rhythms.
https://the-handover.com/
 
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Fr, 26. Juni 2026, 20:00 Uhr: Rapid Zen · STANZER:MOODY
Gonçalo Almeida (Kontrabass) / Barbara Togander (Turntables, Stimme) / Vasco Trilla (Schlagwerk) · Forrest Moody (Pipes) & Florin Stanzer (Bellows)
 
Free improvisation trio Rapid Zen crafts an unexpected sonic dimension that constantly reshapes itself between chaotic and meditative collages. Thru layers of turntablism, extended double bass, inventive percussion and fragmented vocal interventions, RZ interacts fluently standing far from any predictable label. Since 2024 Rapid Zen is active in the avant garde jazz and free improvisation scene and their debut album Fried Brain released by greek label Defkaz has collected excellent reviews.
Gonçalo Almeida (Lisbon) is a Portuguese double bassist based in Rotterdam, the Netherlands. With a strong interdisciplinary and collaborative approach to his work, Gonçalo plays in a variety of projects that go from modern jazz, free jazz, jazzcore and free improvised music, having shared the stage with improvisers such has Ab Baars, Balasz Pandi, Chris Speed, Carlos Zíngaro, Ig Henneman, Fred Lonberg-Holm, Jasper Stadhouders, Jorrit Dijkstra, Luis Vicente, Luis Lopes, Martin van Duynhoven, Nina Hitz, Peter Jacquemyn, Rodrigo Amado, Susana Santos Silva,Tobias Klein, Wilbert de Joode, among others.  Devoted to double bass solo, already with five solo albums, and maintaining an active role in presenting himself on concert solo format, he is as well the founder and bass player of Hydra Ensemble, Lama Trio, Albatre, The Attic and member of Spinifex, The Selva, Tabula Sonorum Duo and Luis Vicente trio. https://gonzobass.wixsite.com/gonzoalmeida
Barbara Togander (SWE) is a vocal artist, turntablist, free improvisor, composer and sound artist born in Uddevalla, Sweden, currently based in Barcelona. She has lived more than 40 years in Buenos Aires, Argentina, where in the early 90’s she delves into free, experimental music and free improvisation where she deepens in the sound possibilities of the voice, the turntable and electronics. With 14 albums released up to date she has played and collaborated with a great number of musicians and groups such as Otomo Yoshihide, Julián Galay, Enrique Norris, Vinzenz Schwab, Andrea Parkins, Philip Leitner, Christoff Kurzmann, Christian Reiner, Capitanes de la Industria, Manolo Rodriguez, Carlos Costa, Larry Polansky, Chris Mann, Camila Nebbia, Violeta García, Dieb13,Santiago Vazquez, Paul Pignon, Luis Conde among many others. https://www.barbaratogander.com/
Vasco Trilla (Barcelona) is one of the most active, versatile and creative drummers of the European scene. He has recorded more than 100 albums ranging from free improvisation, jazz rock to progressive rock metal and ambient music. In recent years he has become one of the most solid and in-demand voices of the European free improvised scene. He has collaborated with Jamaaladeen Tacuma, Ra Kalam, Bob Moses, Mars Williams, Patrick Shiroishi, Elliot Sharp, Steve Swell, Susana Santos Silva, Jasper Stadhouders among many others.  He has toured internationally including Brasil, China, Indonesia, Russia, Norway, Poland Portugal, Germany. https://vascotrilla.com/
 
 
 
 
Florin Stanzer ist bildender Künstler und lebt und arbeitet in Wien. Im Zentrum seiner Praxis stehen kollektive Prozesse und die Erforschung von Gemeinschaftsbildung. Seine künstlerischen Arbeiten bewegen sich häufig im institutionellen Randbereich. Er schreibt und gestaltet Hörstücke und Performances. Als aktives Mitglied der Bussi Gruppe arbeitet er an kollektiven Experimenten im öffentlichen Raum sowie an Performances zu den Themen Gentrifizierung und (Wieder-)Aneignung von Räumen. Er studierte Ortsbezogene Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien. 2024–2025 baute er die Parkettorgel, eine Art übergroßes Portativ mit zwei Keilbälgen und primitiver Mechanik. Mit den Komponist:innen Forrest Moody sowie Bogdana Dima arbeitet er an ersten Veröffentlichungen.
Forrest Moody ist ein Komponist und Pianist, der zwischen Graz und Westschweden lebt. In seinen Kompositionen arbeitet er mit Formen des Erinnerns als eigenständige musikalische Größe, deren poetischen Wirkung er in Harmonie, Rhythmus und Zeitstruktur erforscht. Außerdem reflektiert er bspw. in seinem Text „why I play my own music“ über ökonomische Bedingungen zeitgenössischen Musikschaffens. Er studierte Klavier in New York sowie Komposition in Graz.
Die mikrotonale Parkettorgel ist ein Projekt des Künstlers Florin Stanzer und des Komponisten Forrest Moody. Die aus wiederverwertetem Eichenparkett gebaute Orgel wird ohne Tastatur gespielt, indem Luft von den Bälgen direkt in die Pfeifen gepumpt wird. Das Wechselspiel der Bälge erzeugt rhythmische Figuren, während die Manipulation der Luftsäulen durch einen zweiten Spieler eine präzise tonale Kontrolle ermöglicht. Die klanglichen Möglichkeiten reichen von mikrotonalen Tonhöhenabstufungen, die fein abgestimmte Intervallverhältnisse erlauben, bis hin zu komplexen Geräuschstrukturen. Das Duo komponiert gemeinsam für das Instrument mit hybriden Methoden, manchmal mit präziser Notation, meist jedoch ohne. Der dialogische Kompositionsprozess reicht vom Instrumentenbau bis zum Stück und führt wieder dorthin zurück.
 
 
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